'Veronique Doisneau', de Jérôme Bel

En la imagen vemos cómo una bailarina (Véronique Doisneau) entra en escena vestida con ropa de entrenamiento y cargando con un tutú, unas puntas de ballet y una botella de agua. El escenario aparece como el espacio de trabajo que en realidad es, un lugar donde el cuerpo y sus habilidades se ponen al servicio de una construcción. Durante los primeros minutos, nos habla de una vida laboral de la que está a punto de retirarse, de sus dolencias físicas y de sus placeres trabajando bajo
la dirección de distintos coreógrafos. Combina la narración con fragmentos de danzas que, a modo de demostraciones, muestran las obras que interpretó durante los años de su carrera como bailarina.

La pieza oscila entre un efecto de ilusión, generado por el momentáneo acceso a las obras que describe con sus movimientos, y una aproximación física a su realidad corporal, individual, la de la ejecutante, percibida a través de su voz o de la materialidad de su respiración, cuyo sonido es amplificado gracias a un micrófono de diadema. Ella tararea indicando el discurrir de la música que escucha mentalmente, generando un espacio de ficción que creemos ver. Porque la coreografía
de esta pieza no tiene lugar en la danza de Véronique. Cuando, al inicio, ella menciona su parecido con Isabelle Huppert no lo hace solo por el tono informal que podría derivarse de su comentario, sino para que, aquellas personas a quienes no les alcanza la vista en un teatro de tales dimensiones, puedan proyectar una imagen de lo que ocurre en escena. Siguiendo esta lógica, la coreografía se construye en un lugar mental que apela al bagaje cultural compartido, sea el del cine o el del ballet.

A pesar de desplazar el centro de atención, Jérôme Bel no niega el entretenimiento. Al contrario, formula una articulación cuidadosa en la que no hay desencanto alguno cuando, revelando esa maquinaria que sustenta la representación, nos recuerda que, como espectadores, continuamente interpretamos y que nuestra experiencia está condicionada por nuestra cultura. La danza es entendida aquí como composición poética pero también como parte de un sistema interdependiente y complejo, una construcción ideológica inserta en economías y estructuras de poder, en las que la bailarina es una trabajadora más. El hecho de que la pieza se hiciera en directo ante el público pero pasara a la historia como película señala la importancia simbólica que tienen el contexto específico (la Ópera de París) y la fecha (el último día de trabajo de esta bailarina al servicio del Ballet de la Ópera de París), que solamente son transmisibles y reproducibles desde el documento. Un documento, la película, que, de nuevo, determina nuestra visión del teatro, al acercarnos a tal experiencia desde el encuadre y el montaje dirigidos por el coreógrafo.