[{"id":2778,"title_es":"El museo TEA estrena esta semana Diciembre 68 enero, una pel\u00edcula in\u00e9dita de Manolo Millares","subtitle_es":"Guillermo G. Peydr\u00f3 imparte el jueves (d\u00eda 30), a las 18:00 horas, la conferencia \u2018Eros y T\u00e1natos: Manolo Millares cineasta\u2019","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes recibe este jueves (día 30), a las 18:00 horas, al historiador del arte y cineasta Guillermo G. Peydró, que impartirá la conferencia Eros y Tánatos: Manolo Millares cineasta<\/em>. Antes de su intervención se proyectarán tres películas de este creador que, como otros de su tiempo, sintió fascinación por las posibilidades de la cámara Súper 8, aun cuando la pintura fuese su soporte recurrente. Millares 1970<\/em> (1970), Eros Taro<\/em> (1969) y Diciembre 68 enero<\/em> (1968) –un corto inédito que se proyectará por primera vez– son los filmes que se podrán ver en esta sesión.<\/p>\r\n\r\n

Esta actividad forma parte del ciclo de pensamiento Otro Millares<\/em>, una propuesta que, con motivo del centenario del nacimiento de Manolo Millares (Las Palmas, 1926-Madrid, 1972), plantea una revisión crítica del legado de este creador que hizo de la discontinuidad del tiempo histórico uno de los ejes de su poética. La entrada a esta sesión, que finalizará con una conversación entre Guillermo G. Peydró y el director del ciclo Mariano de Santa Ana, es de acceso libre hasta completar el aforo de la sala.<\/p>\r\n\r\n

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Las piezas que se proyectan en esta jornada ofrecen una ventana al universo experimental de Millares. Millares 1970<\/em> se presenta como un autorretrato dinámico donde el artista traslada su lenguaje matérico y el uso de la arpillera al movimiento de la luz; por su parte, Eros Taro<\/em> explora una vertiente más simbólica y sensorial, vinculada a la geografía y el mito. El programa se completa con Diciembre 68 enero<\/em>, un cortometraje que se podrá ver por primera vez tras décadas oculto.<\/p>\r\n\r\n

El ciclo continuará la próxima semana, el jueves 7 de mayo. Ese día la actriz Aranza Coello recitará algunos de los “dramas para leer” del artista, seguida de una conversación entre Natalia Álvarez Simó, Julián Díaz Sánchez y Mariano de Santa Ana sobre sobre la potencia de esta manifestación creadora de Manolo Millares, uno de los grandes artistas del siglo XX. Otro Millares<\/em> -señala Santa Ana- quiere ser un espacio para la emergencia de preguntas que permanecen latentes en una obra que conserva intacto su poder de interpelación.<\/p>\r\n\r\n

Guillermo G. Peydró es cineasta y profesor de Comunicación Audiovisual en la Universidad Complutense de Madrid. Sus principales ensayos audiovisuales –Las Variaciones Guernica<\/em> (2012), La Ciudad del Trabajo<\/em> (2015) o El Retablo de las Maravillas<\/em> (2021)–, han sido proyectados en instituciones académicas y culturales como el Louvre, el Museo Reina Sofía o el festival FID Marseille. Ha sido además programador de los festivales de cine Punto de Vista y Documenta Madrid, y ha realizado programaciones independientes para Filmoteca Española, Cineteca de Madrid o el Círculo de Bellas Artes. Su libro El cine sobre arte. De la dramatización de la pintura al cine-ensayo <\/em>(Shangrila, 2019) es el resultado de una década de investigaciones en archivos internacionales.<\/p>\r\n\r\n

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El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes ha seleccionado a través de una convocatoria pública seis propuestas de artistas y colectivos que formarán parte de la Bienal Contemporánea TEA 2026. De las 337 solicitudes recibidas de veinte países se han elegido tres propuestas de artistas residentes en Canarias y tres de artistas nacionales e internacionales, cuyos procesos y resultados se presentarán en una exposición colectiva en noviembre de 2026 junto a la obra de otros artistas en la sede del museo. Los proyectos seleccionados —cuya investigación y metodología se centran en el territorio y la comunidad, ya sea desde la reflexión crítica, la intervención contextual o la colaboración con agentes locales— son Lo que no pudimos hacer mientras trabajábamos, <\/em>de María Laura Benavente Sovieri (artista residente en Canarias); Resistencia. El musical. Un relato sonoro de las luchas vecinales en San Andrés<\/em>, del colectivo Chico-Trópico (colectivo residente en Canarias); Informe de camarera<\/em>, de Alejandro Robaina Vera (artista residente en Canarias); Exvoto Pirata de la Red,<\/em> de Reproducción y Distribución RRD (colectivo internacional); Caserismos<\/em>, de Libertad Rojo (artista internacional); y Guerra pá mi cuerpo, guerra!!,<\/em> de Antoni Hervàs (artista nacional).<\/p>","description_es":"

La selección se ha realizado a través de una convocatoria abierta, a cargo de un jurado compuesto por el director artístico de TEA, Sergio Rubira; Natalia Álvarez Simó, curadora de artes en vivo (Madrid); Sofía Hernández Chong-Cuy, curadora, gestora cultural y escritora (Róterdam); Chus Martínez, directora del Institute of Art de la FHNW Academy of Art and Design (Basilea); y Tania Pardo, directora del Museo CA2M (Madrid). La Bienal Contemporánea TEA 2026 se concibe como un espacio para explorar la relación entre arte, territorio y comunidad, entendiendo estos conceptos no solo como categorías geográficas o sociales, sino como campos de experiencia compartida, memoria y transformación. De este modo, busca activar vínculos sostenibles entre cuerpos, lugares y comunidades, y favorecer la emergencia de espacios comunes de escucha y acción.<\/p>\r\n\r\n

En Lo que no pudimos hacer mientras trabajábamos,<\/em> María Laura Benavente Sovieri propone la creación de un archivo vivo y situado en torno al taller de los hermanos Isidoro y Wenceslao Yanes Padrón en Tenerife. Más que documentar un oficio en vías de desaparición, la propuesta aborda este espacio como un lugar relacional donde se han tejido saberes técnicos, vínculos comunitarios y colaboraciones fundamentales con artistas y arquitectos. La investigación se aleja de la lógica museográfica convencional para entender el patrimonio como un proceso activo. A través del registro sonoro, fotográfico y material, se exploran las lógicas de un taller que revela una constante innovación y adaptación frente a la obsolescencia. La propuesta reivindica el saber tradicional como una herramienta flexible y atenta al contexto, capaz de generar soluciones técnicas inéditas. El archivo resultante funciona como un dispositivo de escucha y mediación que activa la memoria material y los afectos, vinculando el trabajo artesanal con la identidad del territorio y la producción artística contemporánea.<\/p>\r\n\r\n

María Laura Benavente Sovieri (Buenos Aires, 1979), licenciada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna, desarrolla una trayectoria articulada en torno a la investigación artística, la autoedición y la mediación. Su obra plantea un territorio híbrido que desborda el soporte para habitar en el pensamiento y la conversación con otros medios. Su investigación parte de la fotografía desde un enfoque post-documental, utilizando la creación como un lugar de experimentación con el archivo para indagar en explorar los vínculos entre imagen, deseo y territorio, explorando cómo las transformaciones estructurales operan modificando las sociedades, la memoria y paisaje simbólico. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas con proyectos como No soy de aquí<\/em>, El último día de las vacaciones<\/em> y Plátanos y tomates<\/em> y sus publicaciones habitan las colecciones del MACBA, Centro Huarte y TEA.<\/p>\r\n\r\n

Resistencia. El musical. Un relato sonoro de las luchas vecinales en San Andrés <\/em>es un proyecto artístico y comunitario de Chico-Trópico que investiga, a través del sonido y la creación colectiva, las formas de resistencia que sostienen al barrio de San Andrés. En un territorio expuesto a la presión de la especulación inmobiliaria, a la gentrificación y a la creciente masificación turística, la comunidad ha mantenido vivo un entramado de vínculos, afectos y saberes que conforman un tejido relacional propio, ligado al mar y a una historia de resistencia vecinal. El proyecto propone activar estas memorias -históricas, vecinales y territoriales- mediante un laboratorio de creación sonora, un proceso de escucha, acciones performáticas, piezas sonoras originales, piezas de vídeo, y una instalación que vertebrará y pondrá en juego el proceso y que tomará el cementerio de Traslarena, como un disparador de memorias del pasado y deseos futuros, de luchas de antes y de las que permanecen y se proyectan hacia adelante. El proceso culminará en una instalación -pensada como un musical estático-fantasmagoría- donde voces, materiales, músicas y cuerpos generen un relato-diálogo musical.<\/p>\r\n\r\n

Chico-Trópico es un colectivo fundado en 2010 que opera en la intersección entre experimentación sonora, creación comunitaria y diseño de formatos culturales innovadores. Nacido inicialmente como festival, el proyecto evolucionó hacia una centralita de acciones artísticas que articula creación, pedagogía, performance y producción cultural desde una perspectiva expandida y situada. El trabajo de Chico-Trópico se caracteriza por entender el arte como proceso colectivo, como espacio de encuentro y como herramienta capaz de activar imaginarios, relatos y vínculos. Sus proyectos se desarrollan en diálogo con comunidades, barrios, territorios e instituciones culturales, generando contextos de participación donde la escucha, el juego, la experimentación el error y el humor forman parte del método. Trabajan por toda España con instituciones y colectivos de todo tamaño: desde La Casa Encendida, a Matadero Madrid, CA2M, entre muchos otros, y también pequeños centros culturales de barrio y asociaciones, pasando por proyectos creativos en espacios públicos trabajando siempre desde el territorio y las personas.<\/p>\r\n\r\n

Informe de camarera <\/em>es un proyecto de Alejandro Robaina Vera que investiga la relación entre cuerpo, territorio y memoria en el contexto turístico de las Islas Canarias. Partiendo de una historia íntima y familiar -la de su madre, tías y primas, camareras de piso desde 1970 en Canarias-, el trabajo se expande hacia una dimensión política que aborda cómo el desarrollo turístico del archipiélago ha sido sostenido por los cuerpos de mujeres de clase trabajadora. A través de acciones performativas, la escucha activa y participativa, las prácticas de archivo y recorridos por espacios turísticos, el proyecto pone en diálogo los gestos, resistencias y experiencias de estas mujeres con los paisajes e infraestructuras que configuran el imaginario turístico y archipielágico. En este cruce, la práctica artística actúa como herramienta crítica que cuestiona la promesa visual del destino turístico y visibiliza las tensiones entre quienes lo sostienen y el territorio que lo representa.<\/p>\r\n\r\n

Alejandro Robaina Vera (Telde, 1994) es artista visual y fotógrafo cuya práctica se centra en la relación entre cuerpo, territorio y memoria, con especial atención a los contextos sociales y políticos de la industria turística en las Islas Canarias, explorando narrativas personales que se expanden hacia problemáticas colectivas. Ha estudiado Grado en Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, Máster en Fotografía, Arte y Técnica y Máster en Producción Artística en la Universitat Politècnica de València. Ha desarrollado su obra en proyectos expositivos tanto individuales como colectivos en espacios como el Centro de Artes Plásticas de Gran Canaria, CAAM o Las Atarazanas de València. Paralelamente, trabaja como fotógrafo y videógrafo, compaginando su práctica artística con proyectos en el ámbito comercial y editorial.<\/p>\r\n\r\n

El proyecto Exvoto Pirata,<\/em> de Red de Reproducción y Distribución (RRD), propone ahondar en la investigación acerca los orígenes y la historia del barco votivo del pirata Cabeza de Perro<\/em> y su condición actual. Utilizando esta narrativa en específico, como eje temático para construir una embarcación\/exhibición mutable, alrededor de la memoria histórica marítima de Tenerife, y su acervo material y oral. Las historias acerca de los exvotos votivos, son solo una de las múltiples formas que tienen los tinerfeños para recrear y definir su conciencia colectiva. Dichas historias no parten de una narración de sucesos históricos lineales, sino que recrean eventos vinculados con anécdotas y hechos que han vivido tanto en su lugar de origen, así como los que se han ido sumando a raíz de los procesos migratorios. Como colectivo, les interesa involucrarse de lleno en este contexto para poder compartir sus saberes como artistas, el interés por la antropología visual y las prácticas colaborativas.<\/p>\r\n\r\n

Fundado en 2017, RRD es una colectivo y plataforma dedicada a la producción y distribución de contenidos impresos y audiovisuales. Transforman lo que originalmente era un quiosco de revistas en un territorio en constante mutación: a veces es un espacio de exposición peatonal, a veces un punto de distribución, a veces un escenario, pero siempre un colectivo y un espacio en su definición más amplia. Como tal, han servido de punto de encuentro público donde artistas, editoriales independientes y transeúntes se reúnen para intercambiar experiencias y generar conocimiento. Se han centrado en crear canales alternativos para la difusión de contenidos independientes en México y en otras partes del mundo. Hacen hincapié en concepto de ‘Red’, ya que creen que la solidaridad entre los artistas con recursos limitados, puede proponer nuevas formas de ver y consumir el arte, tanto dentro como fuera de los circuitos institucionales y comerciales.<\/p>\r\n\r\n

Caserismos, <\/em>de Libertad Rojo, es una instalación interactiva que celebra los pequeños rituales cotidianos que tejen nuestros vínculos más profundos. Frente a un mundo que fragmenta los encuentros, este dispositivo en forma de despensa colectiva invita al trueque simbólico de gestos íntimos: formas de saludarse, canciones inventadas, ritos para dar las buenas noches. El visitante explora frascos con estas “provisiones para la vida”, se lleva consigo aquellas que le resuenan y aporta los propios, convirtiéndose en co-creador de un archivo vivo. Un espacio para reconectarnos con lo próximo, inspirar nuevos rituales y reconocer que el cuidado compartido es el verdadero patrimonio de una comunidad.<\/p>\r\n\r\n

Libertad Rojo (Panamá, 1992) es una artista visual interesada en lo místico y los procesos colaborativos. Trabaja con un enfoque intuitivo y orientado al proceso, apuntando a la reflexión y la imaginación para el desarrollo de un lenguaje que explora la experiencia humana a través de diversos medios. Su obra investiga futuros, el deseo y la transformación a través de un lenguaje poético-experimental. Ha participado en exposiciones como Trópico Gráfico Mágico<\/em>, Museo de Arte Contemporáneo de Panamá(2023); Arcanos Cercanos<\/em>, MAC Panamá (2024), Cúmulus<\/em>, MAC Panamá (2025); y Lo vi en un sueño<\/em> en Arteconsult (2026).<\/p>\r\n\r\n

Guerra pá mi cuerpo, guerra!! <\/em>es el proyecto de Antoni Hervàs. “Guerra!” fue la carismática proclama con la que Paco España anunció su llegada a los escenarios de Barcelona desde Canarias. Noche tras noche, junto a otras ambiguas figuras, brilló valiente y fugazmente en consagrados espacios de resistencia... Hasta apagarse. Su célebre “Yo soy así” fue su provocadora respuesta a un sistema autoritario que criminalizaba constantemente su existencia. Un solemne número de transformismo en el que se desprendía de todo artificio, y en el tránsito de la femme fatale<\/em> a la cara lavada desvelaba "su misterio". Un legado que fue pasando de boca en boca, transformándose como los mitos y adaptándose en cada tiempo y lugar en el que se ha desplegado, encontrando en otras prácticas y géneros la posibilidad de convertirse en historias eternas que, como formas rituales, resurgen gracias a nuevos cuerpos que temporalmente las encarnan para dar testimonio de aquellas que pusieron el cuerpo para que otras nuevas puedan surgir.<\/p>\r\n\r\n

Antoni Hervàs (Barcelona, 1981) estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona (2006). Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Hércules en la luna <\/em>en Espai Cultural CajaMadrid (2012); El Misterio de Caviria <\/em>en La Capella (2016); Sausages <\/em>en Okela, Bilbao (2020); The Awakening <\/em>en The Green Parrot (2022) y en Human Resources (2023) o Máquinas del tiempo <\/em>en el Centro de Arte Santa Mónica (2024). Entre sus colectivas destacan: Generaciones 2018 <\/em>en La Casa Encendida (2018); Humor absurdo <\/em>en el CA2M (2020); Itinerarios XXVI <\/em>en la Fundación Botín (2021); Panorama 21 <\/em>en el MACBA (2021), La máscara nunca miente <\/em>en el <\/em>CCCB (2022) o Where Will we go from here? <\/em>en Frankfurter Kunstverein (2022). Fue residente en la Academia de España en Roma, La Escocesa y HANGAR (Barcelona), Gasworks (Londres), The 18th Street Arts Center y Tom of Finland Foundation (Estados Unidos). También ha recibido ayudas de la Fundación Botín y de La Caixa, así como el Premi Ciutat de Barcelona 2016.<\/p>\r\n\r\n

 <\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-21","publish_time":"10:20:00","image":"z1Qr6KrR8uYXNQYJWNaF.jpg","created_at":"2026-04-21 10:20:09","updated_at":"2026-04-21 10:20:09","date":"21 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/z1Qr6KrR8uYXNQYJWNaF.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/el-museo-tea-selecciona-seis-propuestas-canarias-e-internacionales-para-su-bienal-contemporanea\/2777","slug":"el-museo-tea-selecciona-seis-propuestas-canarias-e-internacionales-para-su-bienal-contemporanea","title":"El museo TEA selecciona seis propuestas canarias e internacionales para su Bienal Contempor\u00e1nea"},{"id":2776,"title_es":"El museo TEA inaugura la nueva temporada del programa Por Asalto, 'Las posiciones de la lengua'","subtitle_es":"Sandra Santana y Violeta Gil est\u00e1n al frente de este ciclo que arranca este s\u00e1bado (d\u00eda 25), a las 19:00 horas","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes inaugura esta semana la nueva temporada del programa público de artes vivas Por Asalto<\/em>, que estará dirigido por Sandra Santana y Violeta Gil. Las posiciones de la lengua<\/em> es el título que llevarán estos seis asaltos a los que las directoras se acercarán desde y con la palabra, sin olvidarse de su fisicidad y atendiendo a su capacidad transformadora. Con Las posiciones de la lengua, <\/em>Sandra Santana y Violeta Gil desean abordar la relación entre cuerpo y lenguaje a través de una serie de encuentros en los que la palabra será emitida desde una perspectiva localizada y encarnada. El programa abordará diversas cuestiones que afectan a las relaciones entre lenguaje y corporalidad: desde las cartografías del cuerpo que se generan en la escritura, a las variantes dialectales y populares de la comunicación, la investigación sobre las posibilidades del engaño que anida en el lenguaje, la hibridación de poesía y circo, la relación entre palabra y música o la importancia de la presencia en la transmisión de cuentos y leyendas de la tradición oral.<\/p>\r\n\r\n

La primera de las acciones programadas tendrá lugar este sábado (día 25), a las 18:30 horas. En esta ocasión, Andrea Allgayer, Aida Gonzalez Rosi, Sophia Hidalgo, Daniela Martín Hidalgo, Juli Mesa y Ángel Sánchez Rivero participarán en un encuentro titulado El cuerpo del texto<\/em>. En esta sesión la palabra tomará las salas del museo proponiendo un recorrido en el que escuchar, compartir propuestas y entablar conversación con seis poetas canarias que han pensado la palabra desde los territorios de la materialidad de la letra, la presencia del cuerpo y el flujo de la oralidad. La entrada a esta actividad es de acceso libre.<\/p>","description_es":"

Andrea Allgayer (Santa Cruz de Tenerife,1999) trabaja como artista a la vez que continúa el grado en Bellas Artes en la Universidad de La Laguna. Desarrolla su práctica artística desde su interés por la poesía y los nuevos materialismos, para buscar relaciones formales y lingu\u0308ísticas entre objetos y materiales a través de posturas que obedecen a inercias concretas o metáforas que modifican su trayectoria y la sostienen. Su investigación se sitúa en torno a las relaciones de límite y tensión entre la poesía y su uso metodológico en marcos teóricos desde el ritmo. Ha participado en diversas exposiciones colectivas, así como en conferencias y recitales. En 2025 realizó la residencia Carta de ajuste en el Círculo de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife, comisarió el ciclo de conferencias Formas de encuentro en la Facultad de Bellas Artes de La Laguna y recibió el premio a Best Institutional Proposal en la Primera Edición de la University Art Biennal.<\/p>\r\n\r\n

Aida González Rossi (Santa Cruz de Tenerife, 1995) es escritora y periodista. Ha publicado los poemarios Deseo y la tierra <\/em>(Cartonera Island, 2018), Pueblo yo<\/em> (Libero Editorial, 2020) y Escribir? <\/em>(Fundación MAPFRE Guanarteme, 2022), la novela Leche condensada<\/em> (Caballo de Troya, 2023) y el ensayo Gorda sinvergüenza. Usar el lenguaje para habitar el cuerpo<\/em> (Debate, 2026). Es columnista en El Día y La Provincia.<\/em><\/p>\r\n\r\n

Sophia Hidalgo <\/strong>(Tacoronte, 2001) estudió Español: Lengua y Literatura en la Universidad de La Laguna y pertenece al equipo directivo de la Revista Literaria Aguaviva. Es autora de Costilla de bytes<\/em> (2025), poemario ganador del XIV Premio Nacional de Poesía Joven del Ateneo de La Laguna. Ha publicado en las antologías El Gran Libro de los Pájaros<\/em> (2023, Blackie Books) y De alisios y volcanes: las nuevas voces atlánticas del siglo XXI<\/em> (2025). Algunos de sus escritos se encuentran también en las revistas Farándula, Nexo y Casapaís. De vez en cuando, comparte fragmentos recitados y textos en redes sociales: @sosphia_.<\/p>\r\n\r\n

Daniela Martín Hidalgo (Arrecife, 1980) es poeta y traductora licenciada en Filología Hispánica. Sus últimos libros publicados son La piel, la pulpa, el gusano, la semilla<\/em> (Pre-Textos, 2023) y Artesanía y otros poemas<\/em> (Ediciones del Pampalino, 2025). Entre 2007 y 2009 disfrutó de una beca de creación del Ayuntamiento de Madrid en la Residencia de Estudiantes. Durante casi una década vivió en Holanda, donde cursó un máster en Estudios Culturales y trabajó como profesora de español en la Universidad de Leiden. Destacan sus colaboraciones en volúmenes colectivos, su inclusión en diversas antologías y la traducción al español de una colección de ensayos del escritor holandés Menno ter Braak.<\/p>\r\n\r\n

Juli Mesa (Arrecife, 1990) es licenciada en Dibujo por la Universidad Politécnica de Valencia. Su primer poemario, Soo (2023), fue publicado por La Bella Varsovia gracias al I Premio Ana Santos Payán para Proyectos de Libros de Poesía convocado en 2021. Forma parte de la colección Canarias en Letras 2023 Fundación Mapfre Canarias con Lucio Blanca, poemas sobre dos perros que aprenden a nombrar(se).<\/em> Participa de las antologías Criaturas Laterales<\/em> (Ediciones Poesía Círculo de Bellas Artes, 2025) y Poesía Guarra<\/em> (Disbauxa, 2025). Como artista plástica ha participado en la exposición colectiva Natural Bodies & Organic Genders <\/em>(Bratislava, 2020) y con la intervención de La Salita de El Almacén en 2024, Diqui diqui. Un cofre lleno de cucarachas<\/em>, para el Festival Verbena III. Vive en el campo de Lanzarote y le gusta escribir poemas paseando con Lucio y Blanca.<\/p>\r\n\r\n

\u200b\u200bÁngel Sánchez Rivero (Gáldar, 1943). Premio Canarias de Literatura en 2018, cultiva la poesía discursiva, la poesía visual, la narrativa, la edición, la crítica y el ensayo. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad de La Laguna y Lenguas Modernas en la Universidad de Salamanca. Especializado en métrica y traducción, fue becado por el Gobierno de Francia en la Universidad de Grenoble y como lector de español en el Lycée Hector Berlioz de Vincennes. Estudió también en las universidades de París y Göttingen. En 1984 se doctoró en Letras y Ciencias del Hombre por la Universidad de la Sorbonne con una tesis sobre Marcel Proust. Durante su estancia en París participó en cursos y conferencias en la Sorbonne, con Claude Lévi-Strauss, Jean-Paul Sartre y Dénis Roche, animador de la revista Tel Quel. Ejerció su profesión como docente en la Universidad Laboral de Las Palmas de Gran Canaria hasta su jubilación. Durante su estancia en Alemania, se interesó por la obra de escritores como Georg Trakl, Gottfried Benn, Ingeborg Bachmann o Hans Magnus Enzensberger, a los que tradujo para la revista literaria canaria Fablas. Por esta época, se adentró en la poesía visual, especialmente en la obra de Eugen Gomringer, la poesía concreta alemana y los brasileños del grupo Noigandres. Sus trabajos de investigación más recientes se dirigen al estudio de la etnolingüística del modelo dialectal canario, a la iconografía canaria y a la Etnografía y Antropología cultural de las Islas Canarias.<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-20","publish_time":"12:55:00","image":"RKRvnb5W96mYAB0Dlppr.jpg","created_at":"2026-04-20 12:54:51","updated_at":"2026-04-20 14:26:53","date":"20 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/RKRvnb5W96mYAB0Dlppr.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/el-museo-tea-inaugura-la-nueva-temporada-del-programa-por-asalto-las-posiciones-de-la-lengua\/2776","slug":"el-museo-tea-inaugura-la-nueva-temporada-del-programa-por-asalto-las-posiciones-de-la-lengua","title":"El museo TEA inaugura la nueva temporada del programa Por Asalto, 'Las posiciones de la lengua'"},{"id":2775,"title_es":"Cabello\/Carceller inauguran en el museo TEA 'Notas al pie', exposici\u00f3n que propone releer el pasado desde los m\u00e1rgenes y la disidencia","subtitle_es":"La muestra, que se inaugura ma\u00f1ana (viernes 17), a las 19:00 horas, incluye su nueva producci\u00f3n \u2018El jard\u00edn imposible de Tef\u00eda. Pr\u00f3logo para un campo de concentraci\u00f3n\u2019","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes presentó hoy (jueves 16) la exposición Notas al pie, <\/em>el nuevo proyecto de Cabello\/Carceller (Helena Cabello, París, 1963 \/ Carceller, Madrid, 1964), que propone releer la historia desde sus márgenes, poniendo el foco en aquello que quedó fuera del relato oficial. La muestra —comisariada por el director artístico de TEA, Sergio Rubira, con la asistencia curatorial de Daniasa Curbelo— se inaugurará mañana (viernes 17), a las 19:00 horas y podrá visitarse de manera gratuita hasta el 5 de julio, de martes a domingo y festivos, en horario de 10:00 a 20:00 horas. El consejero de Cultura y Museos de Tenerife, José Carlos Acha; el director artístico de TEA y comisario de la exposición, Sergio Rubira; y Cabello\/Carceller; dieron a conocer los detalles de esta nueva muestra que a través de diferentes obras, aborda identidades, cuerpos y experiencias que desbordan las categorías establecidas, activando nuevas lecturas desde el presente y cuestionando aquello que se ha dado por natural o único.<\/p>","description_es":"

Acha explicó que en esta exposición de Cabello\/Carceller, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en 2024, figuras como Céspedes, Erauso o Agustina González López aparecen como “sujetos imprevistos”: vidas complejas, difíciles de clasificar que abren la posibilidad de pensar otras genealogías en constante transformación. La exposición no busca completar la historia, sino tensionarla: introducir dudas, desplazar miradas y hacer visibles otras memorias que resisten desde los márgenes, como notas al pie que obligan a releerlo todo. La muestra —avanzó el consejero— incluye la nueva producción de Cabello\/Carceller, El jardín imposible de Tefía. Prólogo para un campo de concentración. <\/em>Esta obra revisita la infame Colonia Agrícola Penitenciaria de Tefía (Fuerteventura) para reflexionar sobre la memoria, los dispositivos de control y sus resonancias en el presente. “La poética que se desarrolla a lo largo de la exposición es muy sentida, muy emocional y llena de metáforas”, agregó Acha.<\/p>\r\n\r\n

Sergio Rubira comenzó agradeciendo a Cabello\/Carceller su implicación y el haberse sumado al reto que les propuso “de hacer una nueva producción en un tiempo bastante récord”, aunque ya esa nueva producción —recordó— tenía un recorrido, un poso desde hace muchos años, cuando en 2006 se encontraron con el campo de concentración de Tefía. El director artístico de TEA señaló que, pese a haber trabajado anteriormente con Cabello\/Carceller, nunca había tenido hasta la fecha la oportunidad de comisariar una de sus exposiciones.<\/p>\r\n\r\n

“Cuando les propuse la exposición, sí tenía claro qué era lo que debíamos hacer y era el trabajar con personajes de la historia, con personajes del pasado que habitualmente se encontraban en las notas a pie. Por eso el título de la exposición es Notas al pie.<\/em> La muestra habla de esos personajes que quedaron en los márgenes, que habían quedado fuera del relato principal, del relato canónico, porque eran muy difíciles de clasificar, de situar como Agustina González López o Céspedes”, remarcó Rubira quien incidió que “no solo es interesante esa recuperación de esos personajes históricos, porque no creo que consista en construir un canon o un nuevo canon, sino también cómo esos personajes se convierten en el espejo con el que dialogan otros personajes, que rompen las normas, las etiquetas, las clasificaciones de ese binarismo al que hemos considerado natural a fuerza de repetición, pero que hoy sabemos también que es una construcción absoluta”. Por eso —añadió— “también la exposición está en construcción, y se convierten en una suerte de espejo con los que dialogar, a los que enfrentarse también como otro personaje”.<\/p>\r\n\r\n

Destacó además que Bailando El género en disputa, <\/em>otro proyecto que se presenta en la muestra, “se escapa un poco de esa revisión del pasado desde el presente y anuncia un futuro un poco distópico, no muy halagüeño”. “Este trabajo refleja lo que parece que está volviendo a suceder, que es, y que tiene que ver mucho con su metodología de trabajo en general, con poner el cuerpo en riesgo”, afirmó.<\/p>\r\n\r\n

Cabello\/Carceller, que dieron las gracias a TEA y a Sergio Rubira por darles la oportunidad de mostrar este “trabajo en toda su amplitud y de una manera muy bien elaborada”, explicaron que en sus obras no hacen documental, que el tipo de investigación que realizan es una que les permita hablar de temas del presente o de temas que creen que van a volver. “Lo que nos interesa es conectar pasado con futuro, rescatar también ese pasado, lo que nos sirve para entendernos porque si no muchas veces no sabes de dónde vienes y por qué pasan las cosas y te crees que todo son cosas que vienen de fuera o que te importan”, señalaron.<\/p>\r\n\r\n

“Una de las razones por las que hacemos este tipo de investigaciones es por localizar, el llegar a entenderse a uno mismo y comprender que las cosas, las legislaciones y las persecuciones que se están haciendo vienen de antiguo, que conectan con una forma de pensar. Nos parece importante ponerlo en relevancia, ya que mucha gente se cree que son justificables”, agregaron. Por otra parte detallaron que para Cabello\/Carceller “es importante “la conexión con el contexto local” y en este sentido procuran que siempre haya personas de ese contexto que colaboren.<\/p>\r\n\r\n

Recordaron que en el caso concreto de Tefía, en 2006 viajaron a Fuerteventura. “Fuimos buscando dónde había ocurrido aquello, tomamos algunas fotos, pero es verdad que es un proyecto difícil de encontrar. En ese momento había poca información, no es de lo que se quiera hablar. Había poca información, pero es verdad que teníamos esos documentos, esas imágenes que habíamos guardado y que no habíamos tenido la oportunidad de desarrollar más en profundidad hasta que Sergio Rubira nos sugirió la posibilidad de hacer un nuevo proyecto para TEA. Entonces es cuando pensamos en recuperar aquello e indagar mejor”, dijeron. “También es por un cambio de circunstancias. Estamos viviendo un momento donde de repente los años 50 están más presentes que nunca. Parte de las legislaciones se están reconsiderando y la posición de los individuos minoritarios también se está reconsiderando. Estamos viviendo un momento de un intento de volver a una hegemonía hiperhistriónica en términos de patriarcado. Entonces en ese sentido era como el elemento ideal para poder establecer esas conexiones con el pasado y con el presente”, confesaron.<\/p>\r\n\r\n

Señalaron que otro elemento con el que les gusta conectar es con la historia de la arquitectura o de la pintura. “En este caso hemos trabajado con El jardín de las delicias, <\/em>de El Bosco y nos hemos acercado al Drago que aparece en el cuadro. Sí que es cierto que nunca pretendemos descubrir algo que no está, sino acercarnos a lo que ya sabemos desde otra perspectiva. Y acercarnos al Drago, a la posibilidad del jardín, a lo qué significa el jardín en un origen. Esto nos permitía establecer una conexión entre la idea paradisíaca que tienen y que se ven de Islas Canarias, por ejemplo, y la vivencia real en Fuerteventura, estando encerrado en un campo de concentración”, matizaron.<\/p>\r\n\r\n

Cabello\/Carceller<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Cabello\/Carceller iniciaron su colaboración en los años noventa. Su práctica interdisciplinar —que abarca vídeo, instalación, performance, fotografía y escritura— investiga las políticas del cuerpo, la identidad de género y la disidencia sexual en el contexto del arte contemporáneo. A través de una mirada crítica, su obra cuestiona los discursos normativos y propone formas alternativas de visibilidad, recurriendo a estrategias que desestabilizan los cánones del lenguaje visual hegemónico.<\/p>\r\n\r\n

Su obra se ha mostrado ampliamente en instituciones nacionales e internacionales, incluyendo exposiciones colectivas en el Walker Art Center de Minneapolis, la 35 Bienal de São Paulo, el Pabellón Español de la 56 Bienal de Venecia, MACBA, el Centre Pompidou, Tranzit, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) y el Brooklyn Museum, así como muestras individuales en MUAC, CA2M, Azkuna\/Zentroa, Museo Patio Herreriano o IVAM. En 2024 fueron finalistas del Premio Fundación MACBA. Desarrollan asimismo una actividad docente e investigadora vinculada a instituciones universitarias (Universidad de Castilla-La Mancha) y espacios de formación independiente. Esta dimensión investigadora refuerza el carácter procesual y crítico de su obra, que interpela tanto al sistema del arte como a las narrativas dominantes.<\/p>\r\n\r\n

Notas al pie<\/strong><\/em> (Texto de Sergio Rubira)<\/strong><\/p>\r\n\r\n

En Notas al pie<\/em>, Cabello\/Carceller se sitúan en ese lugar incómodo en el que la historia, cuando es leída contracorriente, empieza a deshacerse, dejando ver no tanto lo que pretendía contar como aquello que se había quedado fuera, lo que no llegó a integrarse en el relato, ese que reclamaba escribirse con mayúscula. Lo que quedaba entrelíneas, al margen o reducido a las notas, sin embargo, resiste y desafía a aquello que se quería imponer como único. No se trata de recuperar figuras olvidadas en un gesto que las devolvería intactas al discurso -como si eso fuera posible-, sino de evidenciar cuáles fueron las condiciones mismas de su borrado, mostrar los mecanismos que hicieron que desaparecieran, obligando, al mismo tiempo, a no dar por hecho ni lo aprendido ni aquello que, a fuerza de repetirse, ha terminado por construirse como natural.<\/p>\r\n\r\n

Céspedes, Erauso o Agustina González, protagonistas de algunos de los proyectos aparecen así como lo que Carla Lonzi denominó “sujetos imprevistos”: vidas que ya en su tiempo desbordaban cualquier intento de clasificación, identidades múltiples, inestables, contradictorias, que no podían fijarse sin violencia y que, precisamente por ello, resultaban problemáticas para un pensamiento dominado por lo binario que necesita nombrar, etiquetar y clasificar. Es en esa imprevisibilidad -en esa resistencia a dejarse atrapar en una categoría- donde se abre la posibilidad de que se piensen hoy como parte de una probable genealogía trans, que va más allá, que está en movimiento constante, en tránsito, y que no se articula como continuidad, ni como origen, sino como una serie de desplazamientos, de interrupciones, de ecos que se activan desde el presente.<\/p>\r\n\r\n

En este sentido, la nueva producción, El jardín imposible de Tefía, Prólogo para un campo de concentración<\/em>, sobre la infame colonia penitenciaria establecida durante la dictadura en Fuerteventura, añade una desviación necesaria, porque desplaza esa genealogía hacia un pasado reciente -y anuncia un futuro que aterroriza- en el que los dispositivos de control no son una excepción, se muestran como parte de una lógica persistente, la misma que actúa en Donde todos son culpables, nadie lo es (After Hannah Arendt)<\/em>, que busca corregir, disciplinar y violentar las vidas que se sitúan fuera de la norma impuesta.<\/p>\r\n\r\n

Estas obras no completan la historia, porque existen múltiples historias. Tampoco se limitan a ocupar sus márgenes, sino que la amplían. Como notas al pie que, al ser leídas, obligan a volver sobre el texto que se daba por principal, exigen releerlo, fuerzan a desconfiar de él, lo vuelven sospechoso, introducen un giro que altera su sentido y hacen visible una memoria que no termina de fijarse.<\/p>\r\n\r\n

Una voz para Erauso. Epílogo para un tiempo trans<\/em><\/p>\r\n\r\n

La exposición comienza por el final, por el epílogo, por aquello que se añade después del desenlace, escrito habitualmente en otro tiempo, destruyendo así el orden del relato y poniendo en cuestión su lógica. En Una voz para Erauso. Epílogo para un tiempo trans<\/em>, Cabello\/Carceller parten de una figura que es, en sí misma, un problema para la historia: Catalina de Erauso, pero también Pedro de Orive, Francisco de Loyola, Alonso Díaz, Ramírez de Guzmán o Antonio de Erauso, nombres e identidades que fue asumiendo a lo largo de su vida y que el relato histórico quiso simplificar, fijar, reducir a una sola, una muy interesada: la de la Monja Alferez. Erauso es también un personaje incómodo, no solo por esa multiplicidad que imposibilita por su exceso cualquier clasificación, sino también por aquello que su biografía arrastra, por su implicación en los procesos de colonización, que dificulta su inscripción sin grietas en cualquier genealogía, hoy no debería ser quizás un ejemplo, un ilustre de una galería de retratos.<\/p>\r\n\r\n

A partir del cuadro del pintor barroco Juan de Van der Hamen, que funciona como punto de partida y también de fricción, se transforma en un espejo con el que distintos personajes actuales dialogan, interpelan a esa imagen, se proyectan y reflejan en ella, para producir una narrativa que por necesidad es inestable. Erauso deja entonces de ser una imagen fantasmal para convertirse en un espacio de enunciación en el que se cruzan tiempos, cuerpos y lenguajes distintos. Y es en ese cruce -en esa imposibilidad de fijar una identidad única- donde la obra encuentra su sentido: no consiste en explicar a Erauso, sino en hacer evidente que nunca se pudo explicar del todo.<\/p>\r\n\r\n

A\/O (Caso Céspedes)<\/em><\/p>\r\n\r\n

En A\/O (Caso Céspedes)<\/em>,<\/em> Cabello\/Carceller se sitúan ante una figura cuya complejidad no puede pensarse al margen de las condiciones materiales y simbólicas que la hicieron posible: Céspedes, persona en origen esclavizada y que transitó por distintos géneros, oficios y clases sociales hasta ser descubierta por el dispositivo disciplinar legal, civil y religioso, que no sola la juzga, sino que, al nombrarla, describirla y clasificarla, la fija dentro de un régimen de inteligibilidad que le es impuesto. No se trata, por tanto, de reconstruir una identidad “verdadera” que habría quedado oculta tras los documentos encontrados en el archivo y que funcionan como testigos, ni de restituir una biografía en términos de continuidad e ingresarla en un diccionario o en una crónica, sino de detenerse en las operaciones mismas que la consideran como caso, es decir, como objeto de control.<\/p>\r\n\r\n

Se pone en juego no tanto la ambigüedad de la identidad de Céspedes sino el modo en que esa ambigüedad es leída, traducida y obligada a adecuarse a la norma por una mirada que no puede sino ejercer violencia en el mismo acto de juzgarla. Género, raza y condición de esclavitud no aparecen aquí como capas superpuestas, sino como un entramado indisociable, no se pueden separar unas de otras, son interseccionales. El archivo deja de ser garantía y se revela, también, como una construcción, obligando a leer no solo a Céspedes, sino también las estructuras violentas que pretendieron limitar su identidad.<\/p>\r\n\r\n

Locura social. Musical contra un fusilamiento<\/em><\/p>\r\n\r\n

En Locura social. Musical contra un fusilamiento<\/em>, se parte de la figura de Agustina González López, La Zapatera, escritora, pensadora y política fusilada en 1936 y que fue silenciada y borrada del relato, aunque su vida ya había sido leída como un desvío, como una anomalía, como aquello que debía ser rectificado o eliminado. Aquí se adopta la forma de un musical degenerado, que no solo traiciona el género escénico, sino también las categorías que lo sostienen, articulándose a partir de textos previos, fragmentos de archivo y acciones que son interpretados en el escenario por unos cuerpos que, como González López, escapan a las categorías. No consiste, de nuevo, en reconstruir una biografía de un personaje cuyo nombre aparecía en una nota al pie, quizás aquí en una biografía de García Lorca, otro disidente, sino que la obra insiste en esa inversión que la propia González López formula: que la locura no está en quien es señalado, sino en la sociedad que lo marca.<\/p>\r\n\r\n

Bailando El género en disputa<\/em><\/p>\r\n\r\n

En Bailando El género en disputa<\/em>,<\/em> la teoría se desplaza hacia el cuerpo, no para ilustrarla, sino para ponerla en crisis. El proyecto se articula como un proceso colectivo en el que, a partir de la lectura y discusión del texto de le filósofe Judith Butler, las personas que participan seleccionan fragmentos que son posteriormente traducidos a movimiento y convierten la escritura en la partitura de una acción. La metodología no busca una interpretación “correcta”, el texto no es unívoco, sino que los sujetos que lo leen encuentran un sentido propio y el texto se activa en su encuentro con otros cuerpos y otras identidades. Es en ese tránsito -entre lectura, discusión y acción- donde la teoría deja de ser un sistema cerrado para convertirse en una práctica, en algo que se ensaya, se mueve y, en ese mismo gesto, excede sus propios límites, las fronteras que la contenían.<\/p>\r\n\r\n

El jardín imposible de Tefía. Prólogo para un campo de concentración<\/em><\/p>\r\n\r\n

Se acaba por el principio, por aquello que viene antes y que introduce: un prólogo. En El jardín imposible de Tefía. Prólogo para un campo de concentración<\/em>, no se pretende reconstruir la memoria infame de un lugar, sino que se quiere desplazar, situándolo en un tiempo inestable en el que pasado y futuro se superponen, como si la historia, lejos de clausurarse, insistiera en repetirse bajo otras formas. La Colonia Agrícola Penitenciaria de Tefía –un campo de concentración, en realidad- estuvo activa entre 1954 y 1966 y allí fueron encerradas personas perseguidas por su disidencia, no solo la sexual, y a las que se sometió a trabajos forzados, hambre, abusos y violencia sistemática. El campo de concentración no funciona aquí solo como un lugar de memoria que pueda ser leído a distancia, sino como una advertencia que se reactiva en el presente. Los tiempos se confunden en un presente que es pasado y futuro a la vez.<\/p>\r\n\r\n

El jardín, que en su raíz etimológica remite al espacio cercado, quizás al de los muros del campo de concentración, se revela aquí como un nuevo dispositivo de control: un lugar aparentemente ordenado donde se decide qué crece y qué debe ser arrancado, donde la naturaleza, como los cuerpos, es domesticada, clasificada, purgada. No hubo jardín, tampoco hubo paraíso<\/em>, era imposible y, sin embargo, esa ficción en torno a Canarias persiste, sostenida por imágenes que, como en El jardín de las delicias,<\/em><\/em> <\/em>de El Bosco, sitúan el drago como el Árbol de la Vida, como emblema de un Edén proyectado hacia las islas. Un mito que, al ser apropiado, se convierte en una promesa que esconde su reverso, es una herramienta, un instrumento de colonización: los jardines botánicos servían para la aclimatación de las plantas que habían sido extraídas y transportadas desde sus territorios.<\/p>\r\n\r\n

Es en ese desplazamiento, en ese ir de jardín a campo de concentración, de lugar paradisiaco a infernal, donde la obra construye una fábula de ciencia ficción, una distopía próxima, quizás demasiado, en la que el campo de concentración de Tefía reaparece, reactivado, mientras nuevos sujetos disidentes vuelven a ocupar ese mismo espacio, ahora bajo otras formas de gestión y control igual de despiadadas, sistemas de producción que no son ajenos a la actualidad. Entre las piedras de la cantera, lo que surge no es tanto una reconstrucción como una insistencia: la de un pasado que no termina de pasar, la de un futuro que, en su aparente novedad, no deja de parecerse demasiado a aquello que se creía haber dejado atrás, aunque queda una puerta abierta, la de la resistencia. “Soy piedra, resisto”.<\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-16","publish_time":"15:35:00","image":"Tsf165FND5jkiNhSGmwt.jpg","created_at":"2026-04-16 15:38:03","updated_at":"2026-04-16 15:38:03","date":"16 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/Tsf165FND5jkiNhSGmwt.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/cabellocarceller-inauguran-en-el-museo-tea-notas-al-pie-exposicion-que-propone-releer-el-pasado-desde-los-margenes-y-la-disidencia\/2775","slug":"cabellocarceller-inauguran-en-el-museo-tea-notas-al-pie-exposicion-que-propone-releer-el-pasado-desde-los-margenes-y-la-disidencia","title":"Cabello\/Carceller inauguran en el museo TEA 'Notas al pie', exposici\u00f3n que propone releer el pasado desde los m\u00e1rgenes y la disidencia"},{"id":2774,"title_es":"El museo TEA selecciona a Luc\u00eda Dorta Abad y a Oumaima Manchit Laroussi para sus residencias en Matadero Madrid","subtitle_es":"La comisaria y la artista desarrollar\u00e1n sus proyectos en el Centro de Residencias Art\u00edsticas entre los meses de abril y julio","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes ha seleccionado a la comisaria Lucía Dorta Abad (Los Silos, 1998) y a la artista Oumaima Manchit Laroussi (Boujdour, 2001) para ocupar las dos plazas de residencia en el Centro de Residencias Artísticas de Matadero Madrid. Esta iniciativa, realizada en colaboración con Madrid Destino Cultura Turismo y Negocio SA, se desarrollará entre el 14 de abril y el 10 de julio, ofreciendo a las seleccionadas un entorno de trabajo profesional, creativo y de acompañamiento institucional.<\/p>\r\n\r\n

Tras el cierre de la convocatoria el pasado mes de febrero, el jurado ha designado a las beneficiarias de las dos modalidades previstas: una residencia de comisariado y una artística. Con esta iniciativa, TEA refuerza su compromiso con el apoyo a la creación contemporánea, el impulso a la movilidad de artistas y profesionales de la cultura y el establecimiento de redes de colaboración entre Canarias y otros contextos artísticos nacionales.<\/p>\r\n\r\n

Durante su estancia de tres meses, Lucía Dorta Abad y Oumaima Manchit Laroussi contarán con acceso a espacios de trabajo, zonas comunes y asesoramiento profesional. Además, sus proyectos formarán parte de las Jornadas de Puertas Abiertas de Matadero Madrid, previstas para los días 12 y 13 de junio, donde mostrarán públicamente sus procesos de trabajo. Cada una de las residentes cuenta con una dotación económica de 7.500 euros, además de la cobertura de sus traslados.<\/p>","description_es":"

Lucía Dorta Abad ha sido seleccionada para la residencia de comisariado con el proyecto Cuentos de fantasmas para antes de dormir<\/em>, una investigación colectiva de Lucía Dorta Abad, Oumaima Manchit Laroussi, Narelys Hernández y Sofía Martín Digiuni que toma diferentes cuerpos y formas de materializarse. Entendiendo la curaduría como una “práctica del encuentro” que posibilita habitar la conversación y el acompañamiento, esta deriva aborda la autorrepresentación de las disidencias desde procesos colaborativos de creación. En el contexto de la autoficción, las narrativas transmedia y la autoedición aparecen formas de curar portables, críticas y autogestionadas donde los roles se entremezclan desdibujando la autoría. Así, este proyecto propone escribir(se) desde cuentos de fantasmas en encuentros a modo de club de lectura-escritura-escucha para contaminar y sostener los relatos de las demás. Descentrando los saberes y la mirada, se aplica este cuido entendiendo el acto publicar —en definitiva, del 'hacer público'— como un gesto afectivo de visibilidad (micro)política.<\/p>\r\n\r\n

Lucía Dorta Abad investiga la mediación y la curaduría como prácticas desde las que explorar los imaginarios de la otredad. Graduada en Bellas Artes por la Universidad de La Laguna (2019), comparte proyectos junto a Maï Diallo como tándem artístico y coordinadoras del programa público Repensar desde el borde<\/em> (2021-2023) de TEA. En este mismo museo, coordina con María Laura Benavente el programa Onda Corta<\/em> (2022-2023) y el festival de autoedición Pliegue, dedicado a celebrar la cultura queer (2022-2024). Por otro lado, se aproxima a la curaduría de la mano de Carla Marzán con Paisajes del intersticio <\/em>(2023) o junto a Abraham Riverón en la coordinación de la Sección de Arte del Ateneo de La Laguna desde 2023.<\/p>\r\n\r\n

A Oumaima Manchit Laroussi se le otorga el programa de residencia artística gracias a un proyecto <\/em>de investigación <\/em>en el que se sitúa en el presente para explorar la autoficción como un dispositivo que permite habitar el duelo de cuerpos marcados por la herencia oral del territorio norafricano. Diversas figuras han sido moldeadas por relatos coloniales que exotizan, demonizan o patologizan cuerpos femeninos, racializades o marginales. Estos relatos no solo describen la realidad: la producen, reconstruyen socialmente la vida de quienes son señaladas, convirtiendo una mujer en amenaza o transformando el dolor en monstruo, legitimando el aislamiento bajo la apariencia de tradición.<\/p>\r\n\r\n

El proyecto propone abrir un espacio donde lo narrado permanezca como un archivo vivo, que no aspire a cerrar la herida, sino a habitarla; que permita preguntarnos qué parte del miedo pertenece al mito y cuál a la historia, qué parte del monstruo fue fabricada por el silencio y qué cuerpos han sido convertidos en leyenda para no nombrar la violencia que los atravesó.<\/p>\r\n\r\n

Oumaima Manchit Laroussi es Licenciada en Bellas Artes y ya ha iniciando su tesis. Su trabajo se sitúa en la intersección entre lenguaje, memoria y resistencia, abordando la construcción de la memoria en comunidades de origen beduino dentro del Sur Global, donde la oralidad ha sido el principal vehículo de transmisión del conocimiento. En contextos marcados por la colonialidad y la reconfiguración forzada de los modos de vida, su investigación se centra en la recogida de archivo y documentación de saberes que han resistido la imposición del lenguaje escrito como única forma de validación histórica.<\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-10","publish_time":"08:00:00","image":"Xvv1K99NXUexQJhZmlSl.jpg","created_at":"2026-04-08 13:12:43","updated_at":"2026-04-10 09:44:49","date":"10 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/Xvv1K99NXUexQJhZmlSl.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/el-museo-tea-selecciona-a-lucia-dorta-abad-y-a-oumaima-manchit-laroussi-para-sus-residencias-en-matadero-madrid\/2774","slug":"el-museo-tea-selecciona-a-lucia-dorta-abad-y-a-oumaima-manchit-laroussi-para-sus-residencias-en-matadero-madrid","title":"El museo TEA selecciona a Luc\u00eda Dorta Abad y a Oumaima Manchit Laroussi para sus residencias en Matadero Madrid"},{"id":2773,"title_es":"El museo TEA proyecta esta semana la nueva pel\u00edcula del cineasta canario Jose Alay\u00f3n, 'La lucha'","subtitle_es":"El filme, que se estren\u00f3 en el Festival de Cine de San Sebasti\u00e1n, explora la identidad canaria y el duelo familiar","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes proyecta esta semana la nueva película del cineasta canario Jose Alayón, La lucha<\/em>. El filme, que se estrenó en la sección New Directors del Festival de San Sebastián y que acaba de ser seleccionado en el XXVII BAFICI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (siendo el único largometraje español de la competencia internacional), ofrece un retrato doble: el de un pueblo que se reconoce en un rito ancestral, el de la lucha canaria, y el de una familia que aprende a vivir con la ausencia. Ambas luchas, la colectiva y la íntima, hablan de lo mismo: de la necesidad de resistir. Con este trabajo, que se proyecta desde mañana (viernes 10) hasta el domingo (día 12), a las 19:00 horas, el director se propone que el espectador sienta esa resonancia, que pueda descubrir no sólo un deporte, sino un pulso vital que nos recuerda quiénes somos y por qué seguimos aquí.<\/p>\r\n\r\n

La actriz Yazmina Estupiñán y el veterano y reconocido luchador Tomasín Padrón encabezan el reparto de este trabajo, que se pasa en versión original en español. El director del filme Jose Alayón será el encargado de presentar el pase del viernes (día 10) junto a Adrián González, miembro del IFIC Instituto de Formación en Investigación Cinematográfica, y al actor Aridany Pérez. Tras la proyección tendrá lugar un debate sobre la película.<\/p>","description_es":"

La lucha<\/em> -explica Alayón- pretende “ser un homenaje a uno de los pocos espacios de resistencia identitaria que permanecen vivos en el Archipiélago. La lucha canaria es una expresión de fuerza, pero también de bondad, de competición y de amistad. Es un mundo que abarca mucho más de lo que el espectador ve en el terrero, y por eso quisimos adentrarnos con la cámara hasta lo más profundo de sus personajes, tratando de traducir en imágenes emociones que trascienden las palabras”.<\/p>\r\n\r\n

La película se articula en torno a una relación familiar: la de un padre y una hija que han perdido a la madre tras una enfermedad. En ese vacío, en ese duelo, la lucha aparece como refugio, como espacio de resistencia y de transmisión. La lucha <\/em>es también una película sobre la pérdida, sobre el aprendizaje de dejar cosas atrás en el camino que nos impone la vida. El duelo se convierte en una forma de combate silencioso, y en ese terreno físico y emocional conviven lo personal y lo colectivo<\/p>\r\n\r\n

En la árida isla de Fuerteventura, Miguel y su hija Mariana intentan seguir adelante tras la muerte de su esposa, una pérdida que los ha dejado a la deriva. La lucha canaria es su refugio, su forma de hacerse un lugar en el mundo. Pero el cuerpo de Miguel empieza a fallar, y la rabia de Mariana la empuja a desafiar las normas. Con la final del campeonato cerca, padre e hija buscan reencontrarse antes de que sea demasiado tarde.<\/p>\r\n\r\n

Figura clave del actual cine canario, Jose Alayón es el fundador de El Viaje Films, productora que ha contribuido al impulso del panorama cinematográfico de las islas desde 2004. Debutó como director con Slimane<\/em> (2013), una película atrevida que utiliza las formas del documental y la ficción para narrar la historia de dos jóvenes expulsados de un centro de menores al cumplir su mayoría de edad. Las formas, las texturas y el paisaje se utilizan como elementos narrativos que describen a unos personajes muy realistas. Este largometraje cosechó grandes críticas y marcó la línea editorial de la productora en los primeros años.<\/p>\r\n\r\n

Además Alayón ha participado activamente en numerosas películas aclamadas en festivales internacionales con la doble función de productor creativo y director de fotografía. En su filmografía destacan títulos como Blanco en blanco<\/em> (Théo Court), premio Fipresci y mejor director en la sección Orizzonti del Festival de Venecia; La Hojarasca<\/em> (Macu Machín) y Entre perro y lobo<\/em> (Irene Gutiérrez), estrenadas ambas en Berlinale Forum; Eles transportan a morte (Helena Girón y Samuel M. Delgado), premiada en la Semana de la crítica de Venecia; La ciudad oculta<\/em> (Víctor Moreno), ganadora del Premio Feroz a mejor documental; o el cortometraje Aitana<\/em> (Marina Alberti), seleccionado también en la sección Orizzonti del Festival de Venecia. Su trabajo como director de fotografía le ha valido además prestigiosos galardones, incluido los premios a la mejor fotografía en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, en el Festival de Cine de El Cairo y en la Academia de cine de Chile.<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-09","publish_time":"09:00:00","image":"pzOlZlnTsXHEjGyRZBhL.jpg","created_at":"2026-04-08 12:54:24","updated_at":"2026-04-08 12:54:24","date":"09 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/pzOlZlnTsXHEjGyRZBhL.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/el-museo-tea-proyecta-esta-semana-la-nueva-pelicula-del-cineasta-canario-jose-alayon-la-lucha\/2773","slug":"el-museo-tea-proyecta-esta-semana-la-nueva-pelicula-del-cineasta-canario-jose-alayon-la-lucha","title":"El museo TEA proyecta esta semana la nueva pel\u00edcula del cineasta canario Jose Alay\u00f3n, 'La lucha'"},{"id":2772,"title_es":"Yinka Esi Graves explora la conexi\u00f3n entre ritmo y cuerpo en un taller intensivo en el museo TEA","subtitle_es":"La artista brit\u00e1nica imparte \u2018A la escucha de un cuerpo r\u00edtmico\u2019 del 13 al 17 de este mes en el marco del programa \u2018La Plaza\u2019","intro_es":"

La coreógrafa, creadora y artista flamenca británica Yinka Esi Graves ofrece en el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes el taller A la escucha de un cuerpo rítmico. <\/em>La formación, que se desarrollará del 13 al 17 de este mes en horario de 16:00 a 20:00 horas, propone una inmersión en la idea africanista de la unión indisoluble entre danza y música. Esta actividad forma parte de La Plaza. Taller de prácticas compartidas,<\/em> una plataforma abierta para explorar y cuestionar las representaciones artísticas y las prácticas colectivas contemporáneas.<\/p>\r\n\r\n

Yinka Esi Graves, arraigada en la idea africanista de que la danza y la música son inseparables, guiará a los participantes para que despierten su cuerpo expresivo, receptivo y comunicativo a través de la exploración del ritmo, la comunidad y la improvisación. Al igual que en su trabajo artístico, su labor pedagógica está en constante conversación con el flamenco, aunque este taller está abierto a todas las personas interesadas en el movimiento.<\/p>\r\n\r\n

Esta edición de La Plaza -<\/em>espacio de encuentro que busca poner en práctica conocimientos situados y testimoniales, atendiendo a las formas de transmisión culturales, los saberes populares, la descolonización, los feminismos y otras disidencias identitarias y políticas- ha sido propuesta por el equipo de Pensamiento TEA, integrado por Roberto Gil, Yaiza Hernández Velázquez, Inés Plasencia, Rocío Robles Tardío, Néstor Delgado, Narelys Hernández, Joel Peláez, Alejandro Castañeda y Sergio Rubira. El ciclo se completará a lo largo del año con la participación de destacados nombres como Loueila Sif Ahmed Ndiaye, Teresa Correa, Juan Tomás Ávila y Asier Mendizabal.<\/p>","description_es":"

Esta actividad está dirigida a todos los públicos adultos, estén o no familiarizados con el arte contemporáneo. Las personas interesadas en formar parte de este taller, que es gratuito, tendrán que inscribirse previamente enviando un correo electrónico a la dirección laplaza.tallerestea@gmail.com, indicando nombre completo, DNI\/ NIE\/ otros y número de teléfono. Se recomienda la asistencia a las cinco jornadas para completar el proceso pedagógico.<\/p>\r\n\r\n

El trabajo de Yinka Esi Graves explora los vínculos entre el flamenco y otras formas contemporáneas desde una perspectiva personal situada en la afrodiáspora. Con una extensa trayectoria en el flamenco, se formó en la escuela Amor de Dios de Madrid y, más tarde, en Sevilla con maestros como La Lupi, Andrés Marín, Yolanda Heredia y Juana Amaya. Como bailaora, destaca su colaboración con artistas de renombre como Remedios Amaya o Concha Buika. Su labor más reciente junto a las creadoras y pensadoras Nora Chipaumire y Ama Wray ha contribuido a definir un lenguaje propio que abarca desde piezas escénicas hasta obras de composición in situ<\/em>, tanto en solitario como en colaboración. Su co-creación Clay<\/em>, junto a la coreógrafa Asha Thomas (exbailarina de Alvin Ailey), marcó el inicio de un enfoque más investigativo y experimental en su carrera. Asimismo, su trabajo se nutre de colaboraciones en producciones como Cuerpos Celestes<\/em> y Origen<\/em>, de la Cía. Marco Vargas & Chloé Brûlé, o Mailles<\/em>, de la artista Dorothée Munyaneza, con las que ha recorrido festivales de todo el mundo.<\/p>\r\n\r\n

Su primera obra escénica en solitario, The Disappearing Act<\/em>, se estrenó en el Festival Flamenco de Nîmes (Francia) en 2023, un trabajo que culmina su exploración sobre la invisibilidad. Previamente, presentó en la Bienal de Flamenco de Sevilla 2022 una conferencia ilustrada basada en el corpus teórico de su investigación: The Disappearing Act: una conversación desde un cuerpo disidente<\/em>. Actualmente, Graves desarrolla varios proyectos que se estrenarán durante el periodo 2025-2026.<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-08","publish_time":"08:00:00","image":"O8qNUBheN2qFcvLUX9d0.jpg","created_at":"2026-04-07 16:08:41","updated_at":"2026-04-07 16:08:41","date":"08 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/O8qNUBheN2qFcvLUX9d0.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/yinka-esi-graves-explora-la-conexion-entre-ritmo-y-cuerpo-en-un-taller-intensivo-en-el-museo-tea\/2772","slug":"yinka-esi-graves-explora-la-conexion-entre-ritmo-y-cuerpo-en-un-taller-intensivo-en-el-museo-tea","title":"Yinka Esi Graves explora la conexi\u00f3n entre ritmo y cuerpo en un taller intensivo en el museo TEA"},{"id":2771,"title_es":"Francisco J. Hern\u00e1ndez Adri\u00e1n analiza en el museo TEA el universo art\u00edstico de Teresa Correa","subtitle_es":"El catedr\u00e1tico de Estudios Hisp\u00e1nicos y Cultura Visual en la Universidad de Durham imparte el s\u00e1bado (d\u00eda 11) una ponencia sobre la artista","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes recibe el sábado (día 11), a las 12:00 horas, al Catedrático de Estudios Hispánicos y Cultura Visual en la Universidad de Durham (Reino Unido), Francisco J. Hernández Adrián, que impartirá la conferencia Teresa Correa. Tres regresos<\/em>. En ella, analizará las intersecciones entre la antropología, la arqueología y el arte contemporáneo que caracterizan la propuesta visual de la autora. La entrada a esta nueva actividad programa No-Todo: Ciclo de Pensamiento TEA <\/em>es de acceso libre hasta completar el aforo de la sala.<\/p>\r\n\r\n

El programa No-Todo<\/em> —propuesto por el equipo de Pensamiento TEA, formado por Roberto Gil, Yaiza Hernández Velázquez, Inés Plasencia, Rocío Robles Tardío, Néstor Delgado, Narelys Hernández, Joel Peláez, Alejandro Castañeda y Sergio Rubira— se propone evidenciar cómo el relato del pasado ha sido construido de forma intencionada —a través de selecciones, omisiones y apropiaciones— y abrir un espacio desde el que ensayar otras formas de imaginar el futuro.<\/p>","description_es":"

La programación de No-Todo <\/em>de este año, que <\/em>se extenderá durante los próximos meses con una serie de encuentros mensuales, contará con la participación de Louisa Yousfi el 9 de mayo. El ciclo concluirá la primera parte de su programación anual el sábado 13 de junio con la intervención de Stefanos Geroulanos. A partir de septiembre No-Todo<\/em> seguirá con nuevas intervenciones.<\/p>\r\n\r\n

Los trabajos de investigación de Francisco Javier Hernández Adrián giran en torno a la producción cultural del Atlántico insular y postcolonial, el cine y la fotografía en Latinoamérica, y las políticas y estéticas medioambientales del Sur Global. Ha participado en equipos de investigación y colaborado con cineastas e investigadores locales en Alemania, Bangladesh, Canarias, Colombia, Cuba, Gran Bretaña, Estados Unidos, India y Vietnam.<\/p>\r\n\r\n

Hernández Adrián es autor de un estudio reciente sobre las construcciones estéticas y políticas de la insularidad en el Caribe Hispano y Francófono, y en Canarias, durante las décadas de la vanguardia y el surrealismo. Ha coeditado colecciones de ensayos sobre precariedad y medios audiovisuales en deltas y archipiélagos fluviales, y sobre el cine de islas en Latinoamérica. Actualmente trabaja en una serie de textos críticos sobre la fotógrafa colombiana Joana Toro, el escritor británico John Berger, y el fotógrafo norteamericano Walker Evans.<\/p>\r\n\r\n

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El artista Francesc Ruiz imparte esta semana en el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes el taller Scriptorium et necessarium.<\/em> Entre el espacio público y el espacio privado, entre la idea de publicación y la de ocultación o cifrado, el taller propone articular un comando de inscripción e intervención grafitera en puertas de lavabos públicos. Las personas participantes orbitarán en torno a la orgía gráfica, el arte correo, los memes dibujados, el shentai y otras prácticas de composición colectiva, defendiendo el dibujo “malo” como territorio de exploración formal y moral. Esta actividad, integrada en el programa público Onda Corta. Laboratorio de documentación<\/em>, se celebrará este sábado (día 11), de 10:00 a 14:00 y de 16:00 a 20:00 horas. El taller, dirigido a mayores de 18 años, es gratuito previa inscripción enviando un correo a ondacorta.tea@gmail.com<\/a>.<\/p>","description_es":"

Huyendo de los ladrones de tiempo y atención, en Scriptorium et necessarium <\/em>se <\/em>abandonarán las máquinas por un día, se pondrá fin al fanzine, a la riso y a la fotocopiadora, y se volverá al scriptorium, a las capas del palimpsesto y a la marginalia. De este modo, las personas participantes se convertirán en un organismo reproductor en busca de contra públicos que viralicen rastros, deseos y necesidades.<\/p>\r\n\r\n

En la obra de Francesc Ruiz, el mundo se dibuja, se compone, se publica y se distribuye ocupando de manera crítica los espacios del capitalismo impreso. El cómic expandido, las arquitecturas informacionales de los quioscos, las pornotopías manga o la logística contemporánea son algunos de los lugares de intervención desde donde ha desarrollado su trabajo durante los últimos veinte años, realizando instalaciones y publicaciones que se insertan en contextos específicos transformando las narrativas colectivas que genera el espacio público.<\/p>\r\n\r\n

Su obra se ha podido ver en diferentes centros de arte y museos nacionales e internacionales: FRAC Bretagne (Rennes), EACC (Castellón), CA2M (Madrid), IVAM (Valencia), MACBA (Barcelona), Gasworks (Londres), FRAC PACA (Marsella), Weserburg Museum (Bremen) y en bienales como la de Venecia de 2015, la de Gotemburgo de 2017, la Bienal Momentum, Moss, Noruega en 2019, la Bienal de Busan, Corea del Sur, en 2020 o la Trienal de Dunkerque en 2023.<\/p>\r\n\r\n

Además, ha alternado la práctica artística individual con otros proyectos de carácter colectivo como el equipo de comisariado experimental CREATURES (junto con Amanda Cuesta, Maribel López y Glòria Pou), el Grupo de Dibujo Radical (con Efrén Álvarez), el fanzine feminista y queer PIPA (con Maite Garbayo, ferranElOtro y Roger Adam) o el Instituto de Estudios del Porno (con Ona Bros y Lucía Egaña).<\/p>\r\n\r\n

Comisariado por Narelys Hernandez y Joel Peláez, Onda Corta<\/em> experimenta con los procesos de registro, documentación y archivo dentro de las líneas de trabajo del centro, repensando y expandiendo los límites y las formas en que entendemos los modos de registro tradicional. Junto al Centro de Documentación, la Biblioteca de Arte y la programación de exposiciones y actividades del museo, en Onda Corta<\/em> se plantean dinámicas con las que explorar cómo TEA se relaciona con la ciudadanía y de qué maneras su edificio puede ser habitado, tratando de evidenciar la cualidad pública, plural y compartida de estos espacios.<\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-06","publish_time":"09:00:00","image":"pYmcN0AQ9kdfRSzCxPhu.jpeg","created_at":"2026-04-06 10:50:34","updated_at":"2026-04-06 10:50:34","date":"06 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/pYmcN0AQ9kdfRSzCxPhu.jpeg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/el-museo-tea-programa-un-taller-gratuito-de-intervencion-grafitera-con-el-artista-francesc-ruiz\/2770","slug":"el-museo-tea-programa-un-taller-gratuito-de-intervencion-grafitera-con-el-artista-francesc-ruiz","title":"El museo TEA programa un taller gratuito de intervenci\u00f3n grafitera con el artista Francesc Ruiz"},{"id":2769,"title_es":"El museo TEA proyecta \u2018Manas\u2019, un thriller social de Marianna Brennand sobre la resiliencia femenina","subtitle_es":"La cinta, premiada en Venecia y nominada al Goya, se podr\u00e1 ver desde el viernes (d\u00eda 3) hasta el domingo (d\u00eda 5), a las 19:00 horas","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes proyecta desde el viernes (día 3) hasta el domingo (día 5), a las 19:00 horas, Manas<\/em>, el primer largometraje de ficción de la cineasta brasileña Marianna Brennand, tras una trayectoria destacada en el cine documental. La película, especialmente recomendada por el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. (ICAA) para el fomento de la igualdad de género, aborda la dura realidad del abuso patriarcal e intrafamiliar en la selva brasileña y la transmisión generacional del trauma, entendiendo que representar el abuso no requiere exhibición, sino atención y sensibilidad.<\/p>\r\n\r\n

Este thriller social, que se pasa en versión original en portugués con subtítulos en español y que está protagonizado por Jamilli Correa, Fátima Macedo, Rômulo Braga, Dira Paes, Emily Pantoja y Samira Eloá, sigue la historia de Marcielle, una joven de 13 años que vive en la Isla de Marajó (Brasil). Atrapada por la resignación de su madre e impulsada por la idealización de su hermana mayor, Marcielle decide enfrentarse al engranaje violento que rige su familia y su comunidad, tomando las riendas de su propio destino. Manas<\/em> es una película necesaria, valiente y profundamente humana, contemporánea y comprometida, que ofrece una mirada honesta sobre la violencia de género y la fuerza del despertar femenino.<\/p>","description_es":"

Manas<\/em> ha cosechado un sólido reconocimiento internacional, destacando su paso por los circuitos más prestigiosos del cine. Entre sus galardones sobresale el premio a la Mejor Dirección en la Giornata degli Autori del Festival de Venecia. Asimismo, tuvo un paso triunfal por el Festival de Huelva de Cine Iberoamericano, donde se alzó con el Colón de Plata Premio Especial del Jurado y el favor de la audiencia con el Premio del Público. También estuvo nominada a la Mejor Película Iberoamericana en los Premios Goya. Estos reconocimientos consolidan a Manas<\/em> como una de las películas latinoamericanas más importantes del circuito internacional contemporáneo, destacando por su capacidad de abordar temas sociales complejos con sensibilidad y profundidad.<\/p>\r\n\r\n

La cineasta brasileña Marianna Brennand ha desarrollado su carrera principalmente en el ámbito del documental antes de dar el salto a la ficción con Manas<\/em>. Su obra se caracteriza por un enfoque profundo en temáticas sociales y humanas, con especial atención a la realidad de las mujeres y comunidades vulnerables. Brennand combina la sensibilidad narrativa con un estilo visual cuidado, buscando siempre representar la realidad con respeto, evitando la explotación del dolor y el trauma, y apostando por la reflexión y la conciencia crítica. Con este nuevo trabajo, Brennand confirma su compromiso con historias que, aunque localizadas en la Amazonia, poseen un mensaje universal sobre el abuso, la violencia de género y la resiliencia.<\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-04-01","publish_time":"08:00:00","image":"BACAeUvlGTBXHqQl7XNQ.jpg","created_at":"2026-03-31 14:55:39","updated_at":"2026-03-31 14:55:39","date":"01 abr 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/BACAeUvlGTBXHqQl7XNQ.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/el-museo-tea-proyecta-manas-un-thriller-social-de-marianna-brennand-sobre-la-resiliencia-femenina\/2769","slug":"el-museo-tea-proyecta-manas-un-thriller-social-de-marianna-brennand-sobre-la-resiliencia-femenina","title":"El museo TEA proyecta \u2018Manas\u2019, un thriller social de Marianna Brennand sobre la resiliencia femenina"},{"id":2768,"title_es":"TEA se suma un a\u00f1o m\u00e1s a La hora del planeta","subtitle_es":null,"intro_es":"

El sábado (día 28) se celebra 'La hora del planeta' y el museo TEA se unirá un año más a esta iniciativa en la que algunas de las principales ciudades del mundo se quedarán a oscuras entre las 20:30 y las 21:30 horas. Se trata de una gran llamada a la acción promovida por la organización WWF para luchar contra el cambio climático. Durante esos sesenta minutos, TEA apagará parte de su alumbrado exterior así como las lámparas decorativas de la biblioteca.<\/p>","description_es":"

Sin embargo, las luces de las mesas de la biblioteca de este centro de arte contemporáneo permanecerán encendidas y serán los propios usuarios quienes decidan si apagarlas o no de manera voluntaria. Se trata de un gesto simbólico a través del cual se desea concienciar a la población sobre los efectos del cambio climático.<\/p>\r\n\r\n

https:\/\/www.horadelplaneta.es\/<\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-03-27","publish_time":"15:25:00","image":"pIWohO6zQMcSGlo0k3G3.jpeg","created_at":"2026-03-27 15:34:27","updated_at":"2026-03-27 15:34:27","date":"27 mar 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/pIWohO6zQMcSGlo0k3G3.jpeg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/tea-se-suma-un-ano-mas-a-la-hora-del-planeta\/2768","slug":"tea-se-suma-un-ano-mas-a-la-hora-del-planeta","title":"TEA se suma un a\u00f1o m\u00e1s a La hora del planeta"},{"id":2767,"title_es":"El museo TEA presenta cuatro exposiciones que revisan el arte contempor\u00e1neo y el legado de la vanguardia en las islas","subtitle_es":"\u2018C\u00e1ndido Camacho. Ritos del deseo\u2019, \u2018Para que podamos vivir. La Laguna, 1968-1983\u2019, \u2018\u00d3scar Dom\u00ednguez. Cartas a Marcelle Ferry\u2019 y \u2018Jugueteando\u2019 se inauguran ma\u00f1ana (viernes 27), a las 19:00 horas","intro_es":"

El museo TEA Tenerife Espacio de las Artes inaugura mañana (viernes 27), a las 19:00 horas, cuatro nuevas exposiciones que abarcan diversas trayectorias y lenguajes artísticos: <\/em>Cándido Camacho. Ritos del deseo,<\/em> <\/em>comisariada por Alejandro Castañeda y Marta Sesé;<\/em> Para que podamos vivir. La Laguna, 1968-1983<\/a>, exposición comisariada por el equipo de TEA, coordinado por Néstor Delgado y Vanessa Rosa Serafín, Juan Albarrán, Daniasa Curbelo y Servando Rocha; Óscar Domínguez. Cartas a Marcelle Ferry<\/a>, comisariada por Isidro Hernández; y Jugueteando, <\/em>en un renovado Espacio MiniTEA y realizada en colaboración con el artista Sema Castro y la artista Elena Galarza.<\/p>\r\n\r\n

Con este conjunto de aperturas, el museo ofrece una visión plural que combina la recuperación de figuras clave del arte contemporáneo en Canarias, la puesta en valor de los fondos artísticos y los archivos documentales del museo y el inicio de un ciclo de colaboraciones entre el departamento de educación del museo y artistas contemporáneos. <\/em>La entrada a estas cuatro muestras, que podrán visitarse de martes a domingo y festivos, de 10:00 a 20:00 horas, es libre y gratuita. <\/em><\/p>","description_es":"

El consejero de Cultura y Museos del Cabildo de Tenerife, José Carlos Acha, y el director artístico de TEA, Sergio Rubira, presentaron estas nuevas muestras acompañados de los comisarios de las cuatro muestras. En este acto, Acha puso en valor la ambición de esta nueva programación, señalando que la oferta actual del centro permite proyectar el talento insular hacia el exterior mientras se refuerza el compromiso pedagógico de la institución a través de sus nuevos ciclos de colaboración. El consejero también subrayó el papel del museo como un espacio de pensamiento y encuentro, señalando que “TEA no solo es un lugar para la exhibición, sino un centro vivo donde se investiga y se educa, permitiendo que el patrimonio artístico sea accesible y comprensible para toda la ciudadanía”.<\/p>\r\n\r\n

Sergio Rubira señaló que este nuevo programa expositivo “responde a una voluntad de pensar el museo como un espacio de articulación entre tiempos, prácticas y contextos diversos, donde la investigación, la exhibición y la mediación se entrelazan de forma orgánica”. En este sentido, destacó que las cuatro exposiciones “no solo recorren distintas trayectorias y lenguajes, sino que proponen modos complementarios de aproximarse a la producción artística y a sus contextos de sentido”.<\/p>\r\n\r\n

El director artístico de TEA subrayó asimismo que esta programación “combina la revisión defiguras clave del arte en Canarias con una activación crítica de los fondos y archivos del museo, entendidos no como depósitos estáticos, sino como materiales vivos desde los que producir nuevas lecturas y relatos”.<\/p>\r\n\r\n

Rubira incidió también en la dimensión pedagógica del proyecto, destacando “el inicio de nuevos ciclos de colaboración entre el departamento de educación del museo y artistas contemporáneos, que nos permiten expandir el museo como espacio de aprendizaje compartido y de experimentación colectiva”. Finalmente, apuntó que “con este conjunto de exposiciones, TEA refuerza su vocación como un lugar de pensamiento y de encuentro, donde la práctica artística se conecta con las transformaciones sociales, culturales y políticas de su contexto”.<\/p>\r\n\r\n

Marta Sesé, <\/em>comisaria de <\/strong><\/em>Cándido Camacho. Ritos del deseo,<\/em> explicó que “esta exposición es, sobre todo, una oportunidad para volver a mirar y repensar la figura de Cándido Camacho. Aunque fue un artista con una producción constante entre finales de los sesenta y principios de los noventa y estrechamente vinculado a la Sala Conca y su órbita, posteriormente, su trabajo, no ha tenido la visibilidad que merece para gran parte de los públicos. Treinta años después de su última exposición antológica, reunir estas 60 piezas hoy, significa hacer un ejercicio de memoria con él y con su entorno, mostrando cómo su arte estaba totalmente unido a su experiencia de vida”.<\/p>\r\n\r\n

Por su parte, Alejandro Castañeda afirmó que lo que más les “interesa de Camacho es cómo su imaginario, lleno de referencias a la religión o la mitología, se adelantó a debates que hoy tenemos muy presentes. Cuestiones como la identidad de género, el cuerpo o las disidencias son temas que él ya exploraba desde una posición muy personal y libre, y sin tener cerca todas las referencias que podemos tener ahora. A través de materiales poco comunes, técnicas como el uso del fuego y un dibujo extremadamente refinado, creó una obra que rompe con las estructuras rígidas y que conecta con muchas de las preocupaciones y problemáticas contemporáneas”.<\/p>\r\n\r\n

En relación con Para que podamos vivir. La Laguna, 1968–1983<\/em>, los comisarios destacaron que “la exposición propone leer La Laguna como un caso de estudio en el que se cruzan procesos culturales, políticos y urbanos de gran intensidad, alejándose de una visión patrimonial estática para atender a su condición de espacio vivo”. En palabras de Juan Albarrán, “la muestra pone de relieve la actividad magmática y heteróclita de la ciudad en aquellos años, entendida como un territorio en constante transformación, donde convivieron prácticas artísticas, formas de movilización social y nuevas sensibilidades críticas”.<\/p>\r\n\r\n

Los comisarios han señalado que “la exposición toma como punto de partida la propia colección del museo -tanto los fondos fotográficos como los plásticos, entre ellos los vinculados a la Sala Conca- para reinscribir estas obras en el contexto histórico en el que fueron producidas y exhibidas”. En este sentido, apuntan que “más que reconstruir un relato cerrado, el proyecto activa materiales y documentos que permiten entender La Laguna como un ecosistema cultural complejo, atravesado por tensiones, desplazamientos y formas de experimentación que desbordan los marcos institucionales”.<\/p>\r\n\r\n

Asimismo, Néstor Delgado, comisario y conservador de exposiciones del museo, añade que “esta aproximación permite no solo releer la colección, sino también abrirla a nuevas interpretaciones, conectando las prácticas artísticas con los procesos sociales y políticos que las hicieron posibles”. Además, dice “esta exposición, que tensiona el mito patrimonial con el pasado de rebelión cultural y artística de La Laguna, reinterpreta, activa y reconstruye la historia de la ciudad desde el comisariado colaborativo y la memoria colectiva”.<\/p>\r\n\r\n

Por su parte, la también comisaria Vanessa Rosa Serafín destaca que “el proyecto colectivo Mural 76,<\/em> es un fiel reflejo del espíritu de colectividad y colaboración propio de este momento. Capitaneado por Raúl de la Rosa, desde la sección de arte del Ateneo de La Laguna, esta instalación colectiva reúne un total de cuarenta y ocho artistas que trabajaron en una pieza común, un gran mural inspirado en la obra Nacimiento de Venus de Boticelli”. “Se trata de una obra ecléctica que retoma la diversidad de lenguajes y de materiales de cada uno de los artistas. Esta investigación ha permitido la recuperación de obras de algunas de las artistas mujeres que en revisiones posteriores han quedado por lo general excluidas del canon”, afirma.<\/p>\r\n\r\n

El Gabinete Óscar Domínguez estará destinado a la exposición permanente de Óscar Domínguez y permitirá realizar investigaciones sobre momentos precisos de la trayectoria del pintor surrealista, propiciando, además, la conservación de este fondo. Óscar Domínguez. Cartas a Marcelle Ferry<\/em>, comisariada por Isidro Hernández Gutiérrez, es el resultado de una investigación de largo recorrido con uno de los fondos documentales de la Colección TEA.<\/p>\r\n\r\n

Esta muestra -señala Hernández- “está dedicada a varios años cruciales en la vida de Domínguez, entre 1935 y 1938, momento de su idilio con la poeta surrealista Marcelle Ferry, del que dan testimonio sus cartas de amor apasionado y, a veces, desesperado. Es el período, además, del último viaje de Óscar a Tenerife”. Por otra parte, Acha valoró que “con el Gabinete Óscar Domínguez, abrimos un lugar dedicado al estudio profundo de su figura, lo que nos permite no solo conservar mejor nuestra colección, sino investigar con mayor precisión el legado de este referente del surrealismo”.<\/p>\r\n\r\n

En cuanto al ámbito educativo, el Espacio MiniTEA inaugura una nueva etapa con el proyecto Jugueteando<\/em>, que permanecerá abierto hasta el próximo mes de septiembre. Este particular espacio del museo, dedicado a la educación artística y al fomento de la creatividad, comienza un nuevo ciclo en el que la novedad fundamental es la colaboración con diferentes agentes vinculados al arte y a la educación (artistas, docentes y profesionales de la pedagogía). La propuesta es que cada uno de los proyectos que a partir de ahora se implementen en MiniTEA surja de la conversación y el intercambio entre el Departamento de Educación del museo y dichos agentes.<\/p>\r\n\r\n

“Este primer programa gira en torno al universal concepto de juguete, en relación al que el Departamento de Educación de TEA ha colaborado con dos artistas de Canarias, Sema Castro y Elena Galarza. Invitados a participar en este proyecto por las particulares características de sus respectivas obras, ambos han transformado el Espacio MiniTEA para invitar a los visitantes del museo a adentrarse en él y reflexionar sobre un elemento tan universal como imprescindible y tan cotidiano como poderoso para un feliz crecimiento de las personas. Durante esta nueva etapa que ahora se inaugura MiniTEA mantendrá su idiosincrasia, y su filosofía y modo de funcionamiento seguirán siendo los mismos que lo han caracterizado desde su apertura hace casi una década”, detalla Paloma Tudela, responsable del Departamento de Educación de TEA.<\/p>","quote_es":null,"title_en":null,"subtitle_en":null,"intro_en":null,"quote_en":null,"description_en":null,"publish_date":"2026-03-26","publish_time":"13:20:00","image":"YZzaHDnyhDGiM7dTslxq.jpg","created_at":"2026-03-26 13:22:38","updated_at":"2026-03-26 13:22:38","date":"26 mar 2026","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/news\/YZzaHDnyhDGiM7dTslxq.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/noticia\/el-museo-tea-presenta-cuatro-exposiciones-que-revisan-el-arte-contemporaneo-y-el-legado-de-la-vanguardia-en-las-islas\/2767","slug":"el-museo-tea-presenta-cuatro-exposiciones-que-revisan-el-arte-contemporaneo-y-el-legado-de-la-vanguardia-en-las-islas","title":"El museo TEA presenta cuatro exposiciones que revisan el arte contempor\u00e1neo y el legado de la vanguardia en las islas"}]