[{"id":188,"title_es":"'Jard\u00edn salvaje', de Marina N\u00fanez","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes acoge la exposición Jardín salvaje<\/em>, de Marina Núñez. La muestra, comisariada por Yolanda Peralta, se puede visitar en este centro de arte contemporáneo hasta el 2 de junio, de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.<\/p>\r\n\r\n

Marina Núñez. Jardín Salvaje <\/strong><\/em><\/p>\r\n\r\n

El lugar que ocupa el ser humano en la naturaleza y el modo en que se relaciona con esta resulta contradictorio y hasta cierto punto ambiguo.  Desde la religión, la naturaleza fue concebida como una obra de Dios y por tanto debía ser respetada. La titularidad y el dominio del mundo -y de la naturaleza- le correspondía a Dios, centro de todo el Universo. Con posterioridad se producirá la separación entre los humanos y los animales, y la naturaleza, sin el ser humano, fue entendida como algo sin valor, una propiedad y una posesión que podía ser explotada de forma ilimitada con el único fin de servir a los intereses de sus habitantes. El ser humano se ha sentido insignificante en el Universo pero también ha creído ser el centro del mismo; se ha percibido en conexión con la naturaleza y ha querido conocerla para saber dónde situarse como especie, pero a su vez ha ansiado su dominio y control.<\/p>\r\n\r\n

Estas contradicciones, que parecen marcar la relación de la humanidad con la naturaleza, son el punto de partida de la exposición Jardín salvaje <\/em>de Marina Núñez, un título que es también una contradicción en sí misma: ¿es posible la existencia de un “jardín salvaje”? El jardín simboliza la naturaleza domesticada y aquello que denominamos “salvaje” no permite control ni dominación. ¿Realmente existe algún lugar en la Tierra que no haya sido tocado por el ser humano, en definitiva, no domesticado? Jardín salvaje<\/em> parte, por tanto, de una ficción, un deseo y un fracaso. La ficción que supone creer que todavía existen lugares en la naturaleza que podemos considerar salvajes porque no han sido alterados y modificados, una idea que nos atrae pero que, lejos de ser una realidad, se torna en una utopía. El deseo del ser humano por controlar y dominar la naturaleza, la Tierra, la vida, el Universo, derivado de un primigenio afán de conocimiento que con el tiempo se convirtió en una obsesión: entender el mundo, primero desde la religión y más tarde a través de la ciencia, llevaría a la humanidad al autoconocimiento, pero la falta de empatía, la desconexión y la distancia hicieron posible la dominación. Y por último, el fracaso que deriva de los intentos de explotación, control y domesticación de la naturaleza y a su vez del choque entre las fuerzas naturales incontrolables y los avances tecnológicos imprevisibles, con efectos y consecuencias para el planeta pero también para sus habitantes: la colonización de paisajes, la transformación, alteración y modificación de ecosistemas unido a un irreversible proceso de destrucción de los mismos, pero también los experimentos fallidos que han escapado a nuestro control.<\/p>\r\n\r\n

Marina Núñez nos alerta de la necesidad de replantearnos a nivel simbólico nuestra relación con la naturaleza, entendiendo esta como un espacio vital para el ser humano en la línea de lo que ya, en pleno siglo XVII, defendía la naturalista, entomóloga y pintora Maria Sibylla Merian, creadora de una serie de ilustraciones en las que mostraba a animales y plantas en comunidades, relacionándose y conectados entre sí, -en una época en la que tradicionalmente las especies se representaban separadas unas de otras- reflejando una realidad: la unión de lo vegetal y lo animal, en armonía, formando parte de un todo indisoluble. Quizás, como parece sugerir la videoproyección que cierra la exposición, esto sería posible si el ser humano se situara al mismo nivel que la naturaleza, no por encima de ella y conectara con el mundo vivo desde la empatía, el arraigo y el vínculo, en relaciones de igualdad y respeto, con una perspectiva de lo humano más allá del antropocentrismo y una noción de identidad basada en nuestra relación con el medio natural. <\/p>\r\n\r\n

[Texto de Yolanda Peralta Sierra, comisaria de la exposición]<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","author":"Marina N\u00fa\u00f1ez","start_date":"2019-03-28","end_date":"2019-06-02","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2019-03-19 14:59:19","updated_at":"2019-04-02 10:29:26","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/UXMgYQnCPr1g0Gw52toC.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/jardin-salvaje-de-marina-nunez\/188","styleName":"Mixto","slug":"jardin-salvaje-de-marina-nunez","title":"'Jard\u00edn salvaje', de Marina N\u00fanez","image":"UXMgYQnCPr1g0Gw52toC.jpg","date":"28 mar 2019 > 02 jun 2019","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":189,"title_es":"'Re-Thinking the Trace'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes acoge Re-Thinking the Trace<\/em>, una exposición de M.Lohrum. Se trata de una propuesta dinámica y basada en el dibujo performativo y en el concepto site-specific<\/em> en la que la artista pone de manifiesto el carácter difuso de los límites entre disciplinas en el arte contemporáneo así como la naturaleza inestable y cambiante de la creación artística, que no resulta diferente a la del contexto social del individuo contemporáneo.<\/p>\r\n\r\n

El dinamismo y cambio que caracterizan esta propuesta expositiva están directamente relacionados con la mecánica del proceso creativo de la propia artista. Re-Thinking the Trace <\/em>se podrá visitar en el Espacio Puente hasta el 2 de junio, de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","author":"M.Lohrum","start_date":"2019-03-28","end_date":"2019-06-02","room_id":6,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":1,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2019-03-21 09:16:08","updated_at":"2019-04-02 10:39:09","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/gUifXB3TdvmgcryfrGSq.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/re-thinking-the-trace\/189","styleName":"Pintura","slug":"re-thinking-the-trace","title":"'Re-Thinking the Trace'","image":"gUifXB3TdvmgcryfrGSq.jpg","date":"28 mar 2019 > 02 jun 2019","style":{"id":1,"name_es":"Pintura","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":185,"title_es":"'Odio sobre lienzo'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes muestra Odio sobre lienzo,<\/em> una exposición del artista tinerfeño Santiago Palenzuela. La exposición, comisariada por Carlos Díaz-Bertrana, se puede visitar en este centro de arte contemporáneo hasta el 5 de mayo, de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.<\/p>\r\n\r\n

[Imágenes © Palenzuela, VEGAP, Santa Cruz de Tenerife, 2019]<\/p>\r\n\r\n

Nacido en el Tenerife de 1967, Santiago Palenzuela es un pintor virtuoso, revolucionario y clásico. Asombrosa es su fértil manipulación de la materia, innovadora y creativa. Sus temas son tradicionales, los de la pintura de género<\/em>, retratos, interiores. Los amigos, las casas donde habita y, en los últimos años, los animales, que meten en su poética lo irracional y lo instintivo; y el fuego, elemento de destrucción y creación. Obviamente, que se ocupe fundamentalmente de unos pocos temas no es casual, pero desempeñan un papel menor en su poética. Lo que le da entidad es su forma única de disponer la materia y el color, las soluciones formales que revelan sus obsesiones y su identidad. No hay relato, es la pura pintura que se significa a sí misma y al artista.<\/p>\r\n\r\n

Apenas dibuja, surge de un dialogo alquímico, metódico y disciplinado que acumula capas de óleo. Material que Palenzuela usa tanto para pintar como para hacer altorrelieves o esculturas, en un proceso que define la forma unimismando experiencia, encuentros fortuitos, expresividad, inmediatez y palimpsesto; la sabiduría que le permite emerger colores y organizar el espacio pictórico con una potente singularidad.<\/p>\r\n\r\n

Hay algo salvaje y primitivo en las obras de Palenzuela, de despilfarro de materia y de energía, de caricatura y de grotesco, de sexualidad húmeda y de pulsión vital. Es un mundo de extremos, de materia cruda y de soluciones exquisitas, creado por un agricultor que es también un orfebre. Donde los cuadros son de pequeño o de gran formato, sin medianías, sin piedad.<\/p>\r\n\r\n

Casi todas las obras de esta exposición han sido realizadas en la última década. El título, Odio sobre lienzo<\/em>, es una vindicación de la pintura, esa milenaria vieja zorra que entierran y renace según las modas. No es irónico, sino una carcajada que lanza a ese tropel de artistas que se creen ingeniosos o filósofos, que odian a los buenos pintores como Palenzuela,  a los que dominan el oficio, tienen sensibilidad, han asimilado y transformado la tradición, y le han añadido una huella personal y una dimensión conceptual…También se dice que el odio mantiene joven.<\/p>\r\n\r\n

(Texto de Carlos Díaz-Bertrana, comisario)<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","author":"Santiago Palenzuela","start_date":"2019-01-31","end_date":"2019-05-05","room_id":1,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":1,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2019-01-14 13:22:46","updated_at":"2019-03-11 13:11:52","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/Hs1UvJJoSPFWV89gN4rb.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/odio-sobre-lienzo\/185","styleName":"Pintura","slug":"odio-sobre-lienzo","title":"'Odio sobre lienzo'","image":"Hs1UvJJoSPFWV89gN4rb.jpg","date":"31 ene 2019 > 05 may 2019","style":{"id":1,"name_es":"Pintura","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":184,"title_es":"'Cebri\u00e1n Poldo Cebri\u00e1n. Dos generaciones (1949-2019)'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes, a través del Centro de Fotografía Isla de Tenerife, acoge la exposición Cebrián Poldo Cebrián: Dos generaciones (1949-2019),<\/em> una muestra que se puede visitar en este centro de arte contemporáneo del Cabildo hasta el 10 de marzo, de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.<\/p>\r\n\r\n

Cebrián Poldo Cebrián: Dos generaciones (1949-2019)<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Tal vez por su decidido compromiso con la búsqueda de un lenguaje singular en el contexto de la escena artística canaria y su obsesiva labor creativa en el ámbito de la imagen, la figura de Poldo Cebrián (La Palma, 1948) ha merecido el reconocimiento a una labor de gran alcance en el marco de la experimentación fotográfica.<\/p>\r\n\r\n

La suya ha sido una trayectoria ligada a uno de los nombres propios de la fotografía española del siglo XX: Cebrián. Dos fotógrafos marcados por dos generaciones, pero que comparten, más allá de un nombre, la búsqueda de una voz propia y la misma fascinación por llevar a la imagen fotográfica, con ojos de niño, la sorpresa del mundo que les tocara vivir.<\/p>\r\n\r\n

Desde que en 1949 naciera su primer estudio en la isla de La Palma, Cebrián (Burgos, 1919 - Tenerife, 1999) nos ha dejado en herencia un valioso archivo fotográfico de toda una vida dedicada a aquello que realmente movía su espíritu inquieto y creador: ser fotógrafo, labor que emprendería, a toda costa, incluso renunciando a una posición menos arriesgada. A partir de este instante y, con algunos conocimientos que pronto evolucionarían gracias a su deseo de transformar en imágenes todo lo que motivara su sensibilidad, Cebrián incrementa su curiosidad por la fotografía.<\/p>\r\n\r\n

Estos dos “obreros de la fotografía”, han abordado desde sus diferentes perspectivas diversos temas que les son comunes: la mirada sobre el paisaje atlántico y sus habitantes, la sobreabundancia de la Naturaleza insular, así como otros motivos  a los que ambos han dedicado buena parte de su producción: el desnudo y el enardecimiento de la belleza del cuerpo; el retrato de los protagonistas de su época o las escenas cotidianas de un tiempo siempre recomenzante<\/em>.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición a dos voces, Cebrián Poldo Cebrián: Dos generaciones (1949-2019)<\/em>, ofrece un recorrido antológico por setenta años de labor fotográfica, reuniendo más de un centenar de obras de ambos artistas. Se trata, así pues, de toda una celebración de la producción fotográfica realizada desde las Islas, coincidiendo con el centenario del nacimiento de quien fuera uno de los grandes protagonistas de la fotografía en Canarias.<\/p>","author":null,"start_date":"2018-12-20","end_date":"2019-03-10","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":2,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-11-30 12:33:40","updated_at":"2019-02-26 13:06:45","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/81gQt6C2qrXSR9fyDVha.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/cebrian-poldo-cebrian-dos-generaciones-1949-2019\/184","styleName":"Fotograf\u00eda","slug":"cebrian-poldo-cebrian-dos-generaciones-1949-2019","title":"'Cebri\u00e1n Poldo Cebri\u00e1n. Dos generaciones (1949-2019)'","image":"81gQt6C2qrXSR9fyDVha.jpg","date":"20 dic 2018 > 10 mar 2019","style":{"id":2,"name_es":"Fotograf\u00eda","created_at":null,"updated_at":"2009-01-13 19:28:50"}},{"id":181,"title_es":"'Campos de batalla'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes exhibeCampos de batalla<\/em>, una exposición de Mireia Sallarès. La muestra, comisariada por Yolanda Peralta, se podrá visitar en este centro de arte hasta el 3 de febrero de 2019.<\/p>\r\n\r\n

Mireia Sallarès (Barcelona, 1973) ha hecho de la praxis artística su forma de vida y de lo imprevisible su método artístico, concibiendo el arte como un espacio de relaciones en el que todo está en tránsito y en continua transformación: las personas, las fronteras, los conceptos, la identidad.  Le atraen los proyectos difíciles y complejos, las batallas perdidas. “Tu cuerpo es un campo de batalla” (“Your body is a battleground”) señalaba un icónico cartel del arte feminista con el que la artista Barbara Kruger reclamaba en 1989 el derecho de las mujeres sobre su propio cuerpo: el cuerpo físico pero también el vivido. Para Sallarès también el cuerpo es un espacio de resistencia en el que se acumulan placeres, deseos y problemáticas condicionadas por la raza, la clase, el género, la orientación sexual o el estatus económico y social.<\/p>\r\n\r\n

Sus proyectos los construye alrededor del concepto de vida vivida<\/em>, que la artista define como “aquello que cada uno hace con lo que la vida le da y con lo que la vida le quita, y que la UNESCO debería declarar Patrimonio Universal de la Humanidad”. Es este el tema central de su obra, a partir del cual derivan otros muchos: el trabajo, el amor, el dolor, el placer, la verdad, la violencia o el poder. En sus trabajos emprende procesos de investigación de larga duración, abiertos a lo inesperado, con la experiencia vivencial como vía de conocimiento: necesita hacer para entender defendiendo que la verdadera conceptualización es siempre posterior a la práctica. Conocer mundo es para Sallarès una forma de conocimiento personal que tiene su origen en la inseguridad y vulnerabilidad que le otorga sentirse siempre extranjera, una condición contemporánea que para la artista nos atraviesa a todos.<\/p>\r\n\r\n

De ahí su empeño por viajar, en tránsito continuo, para salir a buscar historias de vida, como las de las 30 mujeres a las que entrevista en México acerca de sus experiencias en torno al orgasmo (Las Muertes Chiquitas<\/em>, México, 2006-2009); las de los serbios supervivientes de la Guerra de los Balcanes, que sobreviven en los márgenes de las fronteras europeas y al margen del capital  (Kao malo vode na dlanu\/Cómo un poco de agua en la mano. Un proyecto sobre el amor en Serbia<\/em>, 2014-2018) o la historia de Zahïa, una inmigrante argelina que trabajaba vendiendo pizzas en las calles y a la que la gentrificación expulsa del que había sido su lugar de trabajo durante 20 años (Le camión de Zahïa. Conversations après le paradis perdú<\/em>,  Francia, 2001-2005). Vidas vividas y reales de personas, grupos, colectivos y especialmente mujeres, con las que Sallarès establece una relación horizontal, entrelazando su vida con esas vidas en una narración que es también la suya propia.<\/p>\r\n\r\n

El trabajo artístico de Mireia Sallarès parte del convencimiento de que la narración es un campo de batalla en el que narrar deviene en un ejercicio de resistencia frente a una sociedad injusta, planteando relatos alternativos que deriven de experiencias singulares y que contribuyan a hacer más digna la experiencia humana.<\/p>\r\n\r\n

[Texto de la comisaria Yolanda Peralta Sierra]<\/p>","author":"Mireia Sallar\u00e8s","start_date":"2018-10-31","end_date":"2019-02-03","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-10-16 12:01:33","updated_at":"2018-12-21 11:44:51","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/CY0HkprmtkIxmp4TsAtn.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/campos-de-batalla\/181","styleName":"Mixto","slug":"campos-de-batalla","title":"'Campos de batalla'","image":"CY0HkprmtkIxmp4TsAtn.jpg","date":"31 oct 2018 > 03 feb 2019","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":182,"title_es":"'La colecci\u00f3n del doctor Ambrosio Betancor Perdomo'","subtitle_es":null,"description_es":"

'La colección del doctor Ambrosio Betancor Perdomo', de Nicolás Laiz Placeres (Lanzarote, 1975), es una exposición que se inspira en el pasado lejano de las Islas y en el nacimiento de la antropología en Canarias, es un ejercicio de imaginación-construcción-falsificación con la que Nicolás Laiz Placeres plantea, a partir de vestigios y fragmentos, la colección de objetos pertenecientes a un personaje imaginario, Ambrosio Betancor Perdomo y que recoge la memoria de un pueblo prehistórico.<\/p>\r\n\r\n

La colección del doctor Ambrosio Betancor Perdomo <\/em>se podrá visitar de manera gratuita en Espacio TEA Candelaria hasta el 2 de febrero. A través de espacios como este de Candelaria, el Cabildo descentraliza la cultura para que la actividad cultural no solo se desarrolle en el área metropolitana sino que esta pueda circular por toda la Isla. Se trata de una iniciativa del Área del Cultura, enmarcada dentro de la Estrategia 2030.<\/p>\r\n\r\n

Este trabajo se plantea como una instalación de diferentes elementos en el espacio expositivo, manteniendo la estructura de un gabinete de curiosidades o proto-museo de antropología. Con ello, el artista pretende reflexionar sobre el pasado, sobre la conservación de la memoria, sobre la organización de estos objetos en función de la narrativa histórica y la proyección del pasado lejano hacia el futuro, teniendo en cuenta las necesidades del presente.<\/p>\r\n\r\n

De este modo, La colección del doctor Ambrosio Betancor Perdomo<\/em> convierte el Espacio TEA Garachico de un museo ficticio de antropología donde se muestra la colección del doctor Ambrosio Betancor, compuesta por diversos objetos que van desde estatuaria, elementos de la vida cotidiana como vasijas y herramientas, ídolos mágicos, abalorios hasta restos humanos. Todo lo expuesto son recreaciones-falsificaciones que no concuerdan con la estricta realidad histórica-científica sino que más bien persiguen que el mito y la leyenda sean los que dicten el guión para recrear la narración de la historia de ese pueblo.<\/p>\r\n\r\n

Este pseudomuseo-gabinete de curiosidades es como una máquina del tiempo que proyecta al visitante hacia un mundo imaginario, que tiene por premisa alimentar el mito, la leyenda y presentar evidencias de tales historias. Todas las piezas que forman esta muestra, tanto las expuestas (restos arqueológicos, huesos, vasijas o totems) como el mobiliario (tarimas y vitrinas) han sido realizadas empleando diferentes materiales como porexpan, escayola y resinas.<\/p>\r\n\r\n

Para este proyecto, Nicolás Laiz Placeres ha tomado como bibliografía básica una de las obras clave de la etnografía clásica mundial, Tristes trópicos<\/em>, de Claude H. Levy-Strauss, y la obra del Doctor Chil y Naranjo, Los Guanches<\/em>, que supuso la introducción de la antropología científica en Canarias.<\/p>\r\n\r\n

"El doctor Ambrosio Betancor Perdomo (Lanzarote, 1884-1968) fue un intelectual, un poeta, un científico, un loco, un humanista, un apasionado, un cuerdo, un sabio, un amante, un adelantado a su época, una mirada premonitoria, un descubridor de realidades, un creador de falacias bellas, de verdades arqueológicas, un escritor de la historia, un inventor de certezas, un constructor de objetos, un descubridor de tesoros, un coleccionista de restos arqueológicos. Un alter ego y un heterónimo", escribe el crítico y comisario de exposiciones Fernando Gómez de la Cuesta, que detalla que esta nueva muestra "recoge la memoria de un pueblo prehistórico a partir de sus vestigios y de sus fragmentos, un ejercicio de hallazgo y de imaginación".<\/p>\r\n\r\n

Nicolás Laiz Placeres es <\/strong>Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y tiene un Master en Bellas Artes por la Universidad de Londres, Goldsmiths College. Ha participado como becario en varias instituciones nacionales como Bilbaoarte y Canarias Crea e internacionales como el Ministerio de Cultura de Austria o el Departamento Pedagógico del museo de arte contemporáneo KUB Kunst Haus Bregenz en Austria. Además de ello, ha sido seleccionado en varias exposiciones colectivas como Circuitos de arte contemporáneo de la Comunidad de Madrid, Versos<\/em> en la Galería Manuel Ojeda o Parai\u0301so alternativo<\/em>.<\/p>\r\n\r\n

Ultrasuvenir <\/em>(CIC El Almacén, Arrecife y Sala de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de Tenerife, 2017), Guiris y dioses<\/em> (Galería La Isla, Madrid, 2017), El Jardín en Movimiento<\/em> (Sala El Aljibe, Haría, Lanzarote, 2014), Una menos en Canarias<\/em> (Sala De Arte Santo Domingo, Lanzarote, 2008), Historias en Pintura<\/em> (Galería df, Santiago de Compostela, 2008) o Micropaisajes macroeconómicos (Galería df, Santiago de Compostela, 2005) son algunas de las exposiciones individuales que hasta la fecha ha realizado Nicolás Laiz Placeres.<\/p>","author":"Nicol\u00e1s Laiz Placeres","start_date":"2018-11-02","end_date":"2019-02-02","room_id":null,"permanent":null,"area60":0,"space_id":2,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-10-26 13:50:38","updated_at":"2018-10-26 13:50:38","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/WBlIcloEzDWjNb4QpxfK.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/la-coleccion-del-doctor-ambrosio-betancor-perdomo\/182","styleName":"Mixto","slug":"la-coleccion-del-doctor-ambrosio-betancor-perdomo","title":"'La colecci\u00f3n del doctor Ambrosio Betancor Perdomo'","image":"WBlIcloEzDWjNb4QpxfK.jpg","date":"02 nov 2018 > 02 feb 2019","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":178,"title_es":"Yapci Ramos","subtitle_es":"'Show Me'","description_es":"

Show Me<\/em>, de Yapci Ramos.<\/p>\r\n\r\n

La exposición, comisariada por Yolanda Peralta, se puede visitar en este centro de arte contemporáneo hasta el 13 de enero de 2019, de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas.<\/p>\r\n\r\n

En continua y constante indagación en torno a lo autobiográfico, la obra de la fotógrafa y video artista Yapci Ramos (Tenerife, 1977) nos acerca a problemáticas y realidades de las sociedades contemporáneas en contextos geográficos diversos, para confrontarnos con temas que aún hoy día siguen siendo considerados un tabú.<\/p>\r\n\r\n

Algunas de sus obras audiovisuales y fotográficas más destacadas, realizadas entre los años 2005 y 2018, forman parte de Show Me<\/em>, la primera individual de Yapci Ramos en Canarias, tras veinte años de trayectoria artística. El título de esta exposición remite a un sutil ejercicio de exhibicionismo en el que a través de relatos, historias y vidas ajenas, y la suya propia, Ramos indaga en el autoconocimiento en busca de respuestas acerca de la construcción de la identidad, la sexualidad y las pulsiones más próximas a las experiencias corpóreas.<\/p>\r\n\r\n

La artista hace uso de la imagen fotográfica y el vídeo para dar forma a una propuesta expositiva con obras en las que progresivamente ha ido incorporando dinámicas y elementos cercanos a lo instalativo y lo performativo.<\/p>\r\n\r\n

El viaje, la relación y diálogo con el\/la otro\/a, la inmersión en el contexto social del que se trate y la implicación personal son elementos que configuran la metodología que Ramos emplea en sus procesos de trabajo. Ramos se formó en fotografía en el Central Saint Martins College of Arts & Design de Londres y en documental de creación en la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona y ha participado con sus trabajos en exposiciones celebradas en galerías, centros de arte, ferias y bienales nacionales e internacionales. Vive en tránsito entre Barcelona, Tenerife, Nueva York y otras ciudades -muchas de ellas en África- en las que lleva a cabo sus proyectos artísticos.<\/p>\r\n\r\n

(Texto, Yolanda Peralta)<\/p>","author":"Yapci Ramos","start_date":"2018-10-18","end_date":"2019-01-13","room_id":1,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-10-03 07:30:14","updated_at":"2018-11-09 21:31:11","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/gDFeRfqfaeQxS0FFaTtv.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/yapci-ramos\/178","styleName":"Mixto","slug":"yapci-ramos","title":"Yapci Ramos","image":"gDFeRfqfaeQxS0FFaTtv.jpg","date":"18 oct 2018 > 13 ene 2019","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":179,"title_es":"'Fazer horas'","subtitle_es":null,"description_es":"

Espacio TEA Garachico -lugar desde el que TEA Tenerife Espacio de las Artes presenta diferentes proyectos expositivos y culturales- acoge una exposición de Daniel Jordán. Fazer horas<\/em> es el título de esta muestra que permanecerá abierta en este espacio hasta el 13 de enero, de lunes a sábado de 11:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 19:00 horas. En Fazer horas<\/em> el público encontrará una serie de elementos cotidianos, que se integran y que dialogan con el espacio, buscando generar estados de sorpresa en el espectador. Y es que al artista le interesa poner de relevancia situaciones cotidianas que podrían parecer insignificantes.<\/p>\r\n\r\n

A través de espacios como este de Garachico -que está localizado en la primera planta del Espacio de Arte La Casa de Piedra- el Cabildo descentraliza la cultura para que la actividad cultural no solo se desarrolle en el área metropolitana sino que esta pueda circular por toda la Isla. Se trata de una iniciativa del Área del Cultura, enmarcada dentro de la estrategia Tenerife 2030.<\/p>\r\n\r\n

Mediante Fazer horas<\/em>, Daniel Jordán intenta repensar la visita a las salas expositivas, entenderlas de manera que el espectador no tenga una función únicamente contemplativa en su diálogo con la muestra, sino un papel activo. “Estas reflexiones me han llevado a unas obras de naturaleza interactiva -algunas tienen sensor de movimiento que se activan con la presencia del espectador-, así como a una distribución no lineal, en la que variará la percepción de las obras dependiendo del momento del recorrido en el que se encuentre el visitante”, adelanta el artista que detalla que el título de este nuevo proyecto expositivo es una expresión portuguesa que viene a significar matar el tiempo. <\/em>“Creo que el título simboliza las acciones y elementos que integran esta exposición”, añade al respecto.<\/p>\r\n\r\n

Daniel Jordán es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia (2008), donde también realiza el Máster en Producción Artística. Ha participado en exposiciones colectivas como La presencia y la figura<\/em> (2012) en el Museo Centro del Carmen de Valencia, Asphyxia<\/em> (2013) en Hardy Tree Gallery de Londres o ¿Quién es ese hombre? <\/em>(2016) en TEA Tenerife Espacio de las Artes.<\/p>\r\n\r\n

Durante su trayectoria ha participado en ferias como JustMad’16, obtenido becas como Proyecto 3 del Consorcio de Museos de la Comunidad Valenciana y realizado residencias artísticas en Fundación BilbaoArte y en Lugar a dudas (Colombia). Ha sido seleccionado en convocatorias internacionales como Call’16 de la Galería Luis Adelantado de Valencia y en el V Encontro de Artistas Novos de Santiago de Compostela. En los últimos meses ha realizado intervenciones específicas para instituciones como el Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali y el Museo de Arte Contemporáneo de Lanzarote.<\/p>","author":"Daniel Jord\u00e1n","start_date":"2018-10-05","end_date":"2019-01-13","room_id":null,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-10-05 19:33:10","updated_at":"2018-10-05 19:39:19","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/KMcRacVo0PwoxEKnrEZo.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/fazer-horas\/179","styleName":"Mixto","slug":"fazer-horas","title":"'Fazer horas'","image":"KMcRacVo0PwoxEKnrEZo.jpg","date":"05 oct 2018 > 13 ene 2019","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":177,"title_es":"'Tensar la carne'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes exhibe Tensar la carne, <\/em>la tercera y última exposición de la octava temporada de Área 60. Participan como artistas en esta muestra Paula Calavera, Dortiz, Uve Navarro y Antonio Torres. La exposición, comisariada de manera conjunta por Raquel G. Ibáñez y Semíramis González, se puede visitar en TEA hasta el 6 de enero, de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. Entrada libre.<\/p>\r\n\r\n

Tensar la carne<\/em><\/p>\r\n\r\n

La noción de Norma se configura como un modelo a seguir que, a través de la disciplina entre los individuos y la regularización de las masas, comprende los cuerpos y su performatividad desde las lógicas de la eficiencia y la productividad. La Norma<\/em> entonces se reviste bajo la apariencia de “verdad absoluta”, operando y cristalizando en nuestra sociedad con naturalidad.<\/p>\r\n\r\n

¿Cómo nos posicionamos ante La Norma<\/em>? ¿Es acaso la idea del Canon Occidental -y la búsqueda de subversión del mismo- una noción despojada de profundidad, una vez es fagocitada por el propio sistema que habitamos? ¿Es la exposición, el museo, un espacio que alimenta esa propia normatividad, incluso en discursos de resistencia?<\/p>\r\n\r\n

Tensar la carne<\/em> aborda estas problemáticas que atañen al arte contemporáneo -y a nuestras vidas- y las posibilidades de subvertir el canon establecido por la Historia del Arte Occidental que opera más allá de los museos. Las obras que conforman esta muestra nos enfrentan ante el impacto de estos procesos de re-configuración y resistencia mediante la investigación del cuerpo político y su representación desde un espectro masivo, hegemónico y mercantilizado -como son los Media, la Academia o las salas de exposiciones- hasta la vida cotidiana y la esfera de lo íntimo, y las distintas voces, privilegios, contradicciones y conflictos que cohabitan la misma.<\/p>\r\n\r\n

Podemos encontrar obras de artistas como Paula Calavera que, desde su práctica pictórica, utiliza la propia naturaleza de la pintura academicista para abordar la representación del cuerpo masculino desnudo, en una respuesta a la imagen clásica de las mujeres como musas despojadas de ropa que llenan los museos. Por su parte, el artista Dortiz trabaja desde el collage, elaborando, a través de la fragmentación y reensamblaje, un imaginario de cuerpos no normativos. Uve Navarro y Antonio Torres parten del cuerpo, de la carne, para desarrollar sus respectivos proyectos de investigación. Los cuerpos que captura Navarro se muestran constreñidos, marcados a través de unas prendas despojadas de todo erotismo y que miran hacia el frente, creando una atmósfera extraña y asfixiante donde revisitar nuestra relación con las violencias invisibles ejercidas a diario sobre nuestros cuerpos. Antonio Torres, a su vez, expande su investigación en torno a la gordura como posición política en contra de la norma desde un choque entre su vivencia en primera persona, la performance y la investigación académica.<\/p>\r\n\r\n

(Raquel G. Ibáñez y Semíramis González, comisarias de la exposición)<\/p>","author":"Paula Calavera, Dortiz, Uve Navarro y Antonio Torres","start_date":"2018-09-20","end_date":"2019-01-06","room_id":null,"permanent":null,"area60":1,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-09-10 13:26:43","updated_at":"2018-10-23 07:50:36","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/PjAsaEwMgPFKh59th9bh.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/tensar-la-carne\/177","styleName":"Mixto","slug":"tensar-la-carne","title":"'Tensar la carne'","image":"PjAsaEwMgPFKh59th9bh.jpg","date":"20 sep 2018 > 06 ene 2019","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":180,"title_es":"'Adiestrada. Ensayo para decir S\u00ed o No'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes exhibe Adiestrada. Ensayo para decir Sí o No<\/em> de Julia Galán. La exposición, comisariada por Yolanda Peralta, se puede visitar en el Cuarto Oscuro de este centro de arte contemporáneo hasta el 5 de enero de 2019. (El 6 de enero TEA Tenerife Espacio de las Artes estará cerrado)<\/p>\r\n\r\n

La obra de Galán pone en evidencia la problemática naturaleza de la construcción de lo femenino frente a las normas, tradiciones, reglas y roles marcados por el sistema patriarcal y el poder hegemónico que siempre ha intentado adiestrar, amaestrar, adoctrinar, domesticar y amansar a la mujer.<\/p>\r\n\r\n

En esta oportunidad el proyecto expositivo de la artista está marcado por su fuerte compromiso feminista, social y político, el cual despliega a través de cuatro acciones diferenciadas. La primera de ellas es una pieza de videoarte que da nombre a la exposición, la cual será proyectada en el Cuarto Oscuro de TEA.<\/p>\r\n\r\n

Acciones colaborativas<\/strong><\/p>\r\n\r\n

La segunda y la tercera son dos acciones colaborativas paralelas -#YoDigoS<\/em>í <\/em>#YoDigoNo<\/em> y Tu voz en el TEA-<\/em>, las cuales son llevadas a cabo con la participación de personas de todas partes del mundo y de los asistentes a la exposición, respectivamente. Y la cuarta acción consiste en una serie de intervenciones realizadas por la artista en diversos espacios públicos.<\/p>\r\n\r\n

Convocatoria #YoDigoSí #YoDigoNo<\/em><\/strong><\/p>\r\n\r\n

Julia Galán y TEA invitan a todas las personas del mundo, sin distinción de género, orientación o identidad sexual, a elevar sus voces y pronunciarse ante las normas, leyes, tradiciones y roles socialmente impuestos a la mujer por el hecho de ser mujer.<\/p>\r\n\r\n

Para formar parte del proyecto #YoDigoSí #YoDigoNo<\/em> envía una fotografía de tu boca. Acompáñala de una frase usando el hashtag #YoDigoSí para reivindicar los derechos y la dignidad de tantas mujeres históricamente vulneradas. Y otra frase usando el hashtag #YoDigoNo para rechazar las normas y roles impuestos a la mujer por el sólo hecho de ser mujer.<\/p>\r\n\r\n

La participación será anónima y podrás enviarla hasta el 30 de enero de 2019.<\/p>\r\n\r\n

Participar en #YoDigoSí #YoDigoNo <\/em>(<\/u>https:\/\/tinyurl.com\/Adiestrada<\/a>)<\/p>\r\n\r\n

Ver acción colaborativa #YoDigoSí #YoDigoNo<\/em> (https:\/\/www.instagram.com\/yodigosiyodigono)<\/p>\r\n\r\n

Acción Tu Voz en el TEA<\/em><\/strong><\/p>\r\n\r\n

Usando tu voz ejerces tu derecho de decir Sí o No a todas aquellas normas que crees que defienden o vulneran tus derechos, dignidad y liberad. Por eso invitamos a los asistentes a la exposición a transformar el espacio de la sala usando su propia voz.<\/p>\r\n\r\n

Para ello disponen de pegatinas con los hashtag #YoDigoSí y YoDigoNo, en las cuales pueden escribir sus ideas y compartirlas, posicionándose ante cualquier orden o norma que el sistema patriarcal y el Poder hegemónico haya impuesto a todas las personas, y muy especialmente a las mujeres.<\/p>\r\n\r\n

Estas pegatinas formarán parte de la exposición y una selección de ellas aparecerá en un libro que recogerá el desarrollo de este proyecto.<\/p>\r\n\r\n

Julia Galán <\/strong><\/p>\r\n\r\n

Artista Interdisciplinar. Doctora en Bellas Artes por la UPV y profesora en la Universitat Jaume I. Sus proyectos giran entorno a la ficción, al juego de espejos, la identidad, y las cuestiones de género y violencia. Ha trabajado como artista en residencia en ciudades como Berlín y Nueva York. A lo largo de su trayectoria ha expuesto en diversas Instituciones, Museos, Galerías y Ferias de Arte Nacionales e Internacionales.<\/p>\r\n\r\n

Exposiciones: Fundación Telefónica (Madrid), Centro de Arte La Regenta (Las Palmas de Gran Canarias), II Festival Miradas de Mujeres MAV (Palma de Mallorca), Galería Ferrán Cano (Palma de Mallorca–Barcelona), Sala la Gallera (Valencia), Artium. Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Fundación FotoColectania (Barcelona), Centre Cultural Conde Duque (Madrid), Museo IVAM (Valencia), EACC. Espai d´Art Contemporani (Castellón), Galería Luis Adelantado (Valencia), Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Sofía Imber (Venezuela), Ludwig-Fórum Museum Aschen (Alemania), Les Brasseurs Art Contemporain (Bélgica), Centro Cultural Recoleta (Argentina), Centro de Convenciones de Pernambuco (Brasil), Mosteiro de Tibaes (Portugal)  Galería d´Museo (Caracas-Venezuela), Feria ARCO (Madrid), Art Chicago (USA), Art Miami (USA), Art Bolonia (Italia), Art Cologne (Alemania), Art Basel (Suiza), Feria de los Angeles (USA), Art Frankfurt (Alemania).<\/p>\r\n\r\n

 <\/p>","author":"Julia Gal\u00e1n","start_date":"2018-11-08","end_date":"2019-01-06","room_id":5,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":6,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-10-11 11:09:24","updated_at":"2019-01-02 14:27:18","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/kUWKc5BjUDAJ40dHwMKt.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/adiestrada-ensayo-para-decir-si-o-no\/180","styleName":"Audiovisual","slug":"adiestrada-ensayo-para-decir-si-o-no","title":"'Adiestrada. Ensayo para decir S\u00ed o No'","image":"kUWKc5BjUDAJ40dHwMKt.jpg","date":"08 nov 2018 > 06 ene 2019","style":{"id":6,"name_es":"Audiovisual","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":183,"title_es":"'Land-ing'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes inaugura el 30 de noviembre a partir de las 19:00 horas Land-ing, <\/em>una instalación de sonido multicanal de los artistas Barbara Held (Estados Unidos) y Daniel Neumann (Alemania), que desarrollarán exclusivamente a partir de grabaciones que realizarán en Tenerife. Durante este acto, los artistas harán una presentación pública de este trabajo. Esta muestra se podrá ver en este espacio hasta el 14 de diciembre. Proyecto comisariado por Juan Matos Capote.<\/p>\r\n\r\n

Durante varios días emprenderán viajes de campo alrededor de la isla con el fin de buscar posibles terrenos, paisajes y edificios acústicamente interesantes. En esos lugares, Held tocará su flauta e instrumentos similares creados a medida, y Neumann hará sonar tonos de prueba (ruido rosa y ondas sinusoidales) con el fin de articular fenómenos acústicos específicos de los sitios encontrados. El procedimiento que llevarán a cabo es una cita exploratoria y una colaboración con el paisaje de la isla -y con el concepto de paisaje- que como actividad los artistas denominan Land-ing<\/em>. <\/em>Emplearán <\/em>micrófonos altamente sensibles para capturar las reacciones de los espacios, a veces desde cerca de los instrumentos, a veces desde lejos. Esas grabaciones se utilizarán para componer la instalación de sonido multicanal. En el espacio acústico de la instalación en TEA Tenerife Espacio de las Artes, el paisaje existirá como un eco, como huellas auditivas en capas, en nuestras cabezas, y como su propio lugar en la isla. Acompañarán a los elementos de carácter sonoro de la instalación, mapas con información visual de los sitios donde los artistas llevaron a cabo las grabaciones. <\/p>\r\n\r\n

Land-ing<\/em> es la tercera participación durante 2018 de artistas sonoros en la serie Prácticas Territoriales<\/em> comisariada por Juan Matos Capote como parte del Laboratorio de Acción en TEA Tenerife Espacio de las Artes. Matos Capote, codirector de Agencia de Tránsitos Culturales, define Prácticas Territoriales<\/em> como un conjunto de prácticas colaborativas entre los artistas que visitan Tenerife y varias comunidades locales o partes que conforman la isla. Basada principalmente en investigaciones a través de la escucha, el sonido es un elemento fundamental, tanto como generador de significados como fenómeno puramente acústico. A parte de Barbara Held y Daniel Neumann, los otros artistas participantes han sido Anna Raimondo y Brandon LaBelle. En la participación de Anna Raimondo, la colaboración tuvo lugar con un grupo heterogéneo de mujeres y en la de Brandon LaBelle con un grupo de bailarinas, ambas en el marco de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife. En esta tercera participación, Held y Neumann trabajarán en entornos isleños más naturales, colaborando con los territorios mismos en la forma de conversaciones sonoras. Por un lado, los artistas reaccionarán al sitio según las características de éste, produciendo unos sonidos determinados con diferentes instrumentos, y por otro, el sitio reaccionará a los artistas según los sonidos producidos por los artistas. Estas conversaciones -activas desde ambos frentes- serán el material sonoro para la instalación multicanal denominada Land-ing.<\/em><\/p>","author":"Barbara Held y Daniel Neumann","start_date":"2018-11-30","end_date":"2018-12-14","room_id":6,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2018-11-15 12:05:13","updated_at":"2018-11-23 12:51:18","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/KvWgnK237gDq0kEixhiS.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/land-ing\/183","styleName":"Mixto","slug":"land-ing","title":"'Land-ing'","image":"KvWgnK237gDq0kEixhiS.jpg","date":"30 nov 2018 > 14 dic 2018","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":174,"title_es":"'Casi el azar: \u00d3scar Dom\u00ednguez, la decalcoman\u00eda y sus derivas'","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes muestra hasta el 2 de diciembre la exposición Casi el azar: Óscar Domínguez, la decalcomanía y sus derivas, <\/em>muestra comisariada por Isidro Hernández y que cuenta con el patrocinio de JTI. <\/p>\r\n\r\n

La técnica de la decalcomanía -según la explicación de André Breton y tal y como aparece en el Dictionnaire Abrégé du Surréalisme<\/em> que sirvió de catálogo para la Exposición Internacional<\/em> de 1938 en la Galerie de Beaux-Arts de París- resulta sencilla, ingenua como el más dócil de los juegos, y al realizarse con materiales rudimentarios, se encuentra, en verdad, al alcance de cualquier persona que quiera distraerse experimentando con pinceles y colores. La intervención del autor se reduce a extender gouache<\/em> negro, más o menos diluido y satinado, sobre una superficie; seguidamente, a cubrir la superficie pintada con otra hoja ejerciendo una leve presión. Como en un golpe de dados, al levantar esta segunda hoja queda al descubierto la sombra de un paisaje indescriptible, una materia en gestación a punto de aflorar desde el mundo de lo informe al de lo verosímil. Si los primeros lienzos surrealistas de quien fuera el inventor de este procedimiento, Domínguez se nutre de la recreación de la atmósfera del sueño, la decalcomanía nos introduce de lleno en el sueño mismo, en su nebulosa indefinida, como el durmiente que, al despertar, no puede recordar lo que ha soñado.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición recoge diversas obras de la Colección TEA pertenecientes a Óscar Domínguez como punto de partida para reflexionar sobre automatismos y procesos de pintura gestual que han querido explorar y ampliar las posibilidades de esta técnica. En el caso de Óscar Domínguez, el artista trabaja conjuntamente con Marcel Jean en la introducción de elementos que aportan nuevos hallazgos, y así surge la utilización de plantillas que combinan la intervención libre y caprichosa del azar con la intencionalidad y el deseo, como en el caso de las figuras del león y la ventana en la serie denominada Grisou<\/em>, que estará presente en la muestra. En el caso de Óscar Domínguez y Marcel Jean la elección de los motivos no es casual; todo parece indicar que los elementos han sido escogidos siguiendo las pautas marcadas por el imaginario surrealista. El león frente a la ventana o, lo que es lo mismo, el deseo voraz, insaciable, inaugura un mundo nuevo desde la mirada. Estas decalcomanías realizadas con Marcel Jean suponen, por tanto, una declaración de principios para el arte surrealista, una metáfora del deseo que supera todos los obstáculos para escrutar los territorios insospechados de la creación.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición, Casi el azar <\/em>presenta la obra de diversos artistas internacionales que han trabajado la técnica de la decalcomanía<\/em> en su experimentación sobre el automatismo gestual pictórico. Autores internacionales como Raoul Ubac, Val Telberg, Man Ray,Jindrich o Heisler, contemporáneos de Óscar Domínguez, así como otros que en su experiencia fotográfica desarrollaron esta técnica, como en el caso de los fotógrafos Zhang Huan y Wolfgang Tillmans, u otros rigurosamente actuales como Gianfranco Foshino o Jeremy Everett.<\/p>\r\n\r\n

Mención especial merece la instalación de la artista alemana de origen noruego Bente Stokke, en cuya obra descubrimos una continua reinterpretación de la decalcomanía y el automatismo a través del impulso gestual de sus dibujos e instalaciones.<\/p>\r\n\r\n

A una generación más actual pertenecen Sema Castro y Gabriel Roca, también presentes en la muestra y quienes desde sus diferentes trayectorias han sabido rein­terpretar la técnica de la decalcomanía, <\/em>inventada, tal y como André Breton y Paul Éluard subrayan en el Dictionnaire Abrégé du Surréalisme <\/em>(1938), por el pintor Óscar Domínguez (Tenerife, 1906 – París, 1957),  en palabras del crítico Juan Manuel Bonet “junto con Miró y Dalí el tercer gran nombre que España dio a la pintura surrealista”. En la obra de cada uno de ellos asistimos a una sorprendente experimentación con las posibilidades de esta técnica resultante de la espontaneidad, el azar y el dominio técnico en el uso de los procedimientos pictóricos.<\/p>\r\n\r\n

Las obras parecen cobrar vida propia, pues el creador participa pero no determina la realización final. La imagen última proyectada sobre la superficie del papel, la tabla o la tela no es la culminación de un proceso sino, más bien, una aparición sobre la tela. Así, lo imprevisto, incontrolado e informe de la mancha inicial de la pintura toma cuerpo por una necesidad —casi el azar<\/em>—; quizás por la perfecta coopera­ción de lo consciente y lo inconsciente; quizás porque el artista ha de trabajar como la caprichosa Naturaleza, sin objetivo ni significados previos, como una válvula de escape, como una intensa energía que no precisa de modelos. En todos los casos, y desde sus distintos procesos de experimentación, estos artis­tas presentan unos resultados diversos, ya en el uso de la fotografía, la pintura o la técnica mixta.<\/p>\r\n\r\n

Listado de artistas<\/u><\/p>\r\n\r\n

Óscar Domínguez<\/p>\r\n\r\n

Armenia Acosta<\/p>\r\n\r\n

Juan Carlos Batista<\/p>\r\n\r\n

Sema Castro<\/p>\r\n\r\n

Suso de la Rosa<\/p>\r\n\r\n

Raúl Domínguez<\/p>\r\n\r\n

Jeremy Everett<\/p>\r\n\r\n

Paco Guillén<\/p>\r\n\r\n

Gonzalo González<\/p>\r\n\r\n

Laurent Grasso<\/p>\r\n\r\n

Lecuona y Hernández<\/p>\r\n\r\n

Lola Masieu<\/p>\r\n\r\n

Ana Mendieta<\/p>\r\n\r\n

Man Ray<\/p>\r\n\r\n

Gabriel Roca<\/p>\r\n\r\n

Bente Stokke<\/p>\r\n\r\n

Val Telberg<\/p>\r\n\r\n

Wolfgang Tillmans<\/p>\r\n\r\n

Raoul Ubac<\/p>","author":"Varios","start_date":"2018-07-26","end_date":"2018-12-02","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":1,"hidden_web":0,"created_at":"2018-07-06 14:57:17","updated_at":"2018-10-23 07:50:08","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/jtXfpwHk1rj9ZusZRgU7.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/casi-el-azar-oscar-dominguez-la-decalcomania-y-sus-derivas\/174","styleName":"Mixto","slug":"casi-el-azar-oscar-dominguez-la-decalcomania-y-sus-derivas","title":"'Casi el azar: \u00d3scar Dom\u00ednguez, la decalcoman\u00eda y sus derivas'","image":"jtXfpwHk1rj9ZusZRgU7.jpg","date":"26 jul 2018 > 02 dic 2018","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}}]