[{"id":234,"title_es":"Jorge Eduardo Eielson","subtitle_es":"El nudo vertical","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes expone hasta el 10 de septiembre la exposición Jorge Eduardo Eielson. El nudo vertical.<\/em><\/p>\r\n\r\n

Comisariado: Imma Prieto<\/p>\r\n\r\n

Coproducción con Es Baluard Museo de Arte Contemporáneo de Palma<\/p>\r\n\r\n

De marcado carácter disidente, la figura del poeta, escritor y artista visual Jorge Eduardo Eielson (Lima, 1924-Milán, Italia, 2006) supuso la aparición de una voz rupturista en los procesos de la modernidad latinoamericana. La exposición «El nudo vertical», brinda la oportunidad de examinar su producción artística desde finales de los años cincuenta hasta sus últimos trabajos realizados. La complejidad de su trabajo, vinculado a una biografía marcada por la disidencia, hace de Eielson uno de los artistas plásticos y poetas más radicales, en el sentido íntegro de la palabra, y poliédricos, con diversos modos de cuestionar el mundo en el que vivimos a través de una síntesis de elementos gráficos y referencias culturales.<\/p>\r\n\r\n

Jorge Eduardo Eielson. El nudo vertical<\/em><\/strong><\/p>\r\n\r\n

El universo se abre en la tela a partir de nudos infinitos, cuerdas anudadas que son escritura, símbolo y comunicación. Tensiones en el espacio que horadan el lugar en el que se encuentran para llegar a un más allá físico, real e invisible a los ojos humanos. Un espacio, otro, encontrado en ese cuerpo estelar que tantos significados nos esconde aún. Jorge Eduardo Eielson (Lima, 1924 - Milán, 2006) abre y facilita espacios verticales que cambian el rumbo del tiempo en un modo chamánico, sabiendo que lo temporal es una complejidad donde toda imagen proviene de una visión previa e infinita.<\/p>\r\n\r\n

La exposición que presentamos, titulada «El nudo vertical», brinda la oportunidad de examinar su producción artística desde finales de los años cincuenta hasta sus últimos trabajos. Eielson es un artista con una poética radical poliédrica que presenta diversos modos de cuestionar el mundo en el que vivimos a través de una síntesis de elementos gráficos y referencias culturales. Este carácter retrospectivo inédito en Europa explora la relación que tiene el espacio de las artes plásticas con la literatura poética desde un diálogo fructífero en el que aparece la reflexión estética alrededor del lenguaje. Una estructura en la cual el símbolo apunta hacia un origen que corresponde a códigos gráficos y visuales que apelan a la razón y la intuición.<\/p>\r\n\r\n

Eielson es conocido, por su labor, como uno de los poetas renovadores de la Generación del 50, junto a exponentes de la literatura peruana tan importantes como la poeta Blanca Varela o escritores como Julio Ramón Ribeyro, Sebastián Salazar Bondy o Javier Sologuren. Cabe señalar la importancia de su obra desarrollada desde el autoexilio europeo, un complejo y siempre cambiante cuerpo de obra con el cual va a iniciar un diálogo inédito con aspectos de la cultura precolombina, teniendo como elemento clave una significativa influencia y actualización de los khipus o nudos de la cultura andina. Los khipus configuran un sistema de nudos o cuerdas anudadas utilizadas en el registro de información contable y\/o narrativa en los Andes. Esta forma de escritura sin palabras ni papel combinaba la experiencia táctil y visual para codificar y decodificar significados. El nudo aparece como una fórmula de representación universal metafórica de la complejidad que caracteriza al conjunto de la sociedad. Si su escritura de los años cincuenta y sesenta nos acerca a lugares que orbitan en torno a la imagen poética, sus telas presentan paisajes y cuerpos de una manera contemporánea.<\/p>\r\n\r\n

En sus paisajes iniciales, el espacio blanco camina hacia nuestros ojos como una superficie arañada y torsionada por la memoria. El lugar que encontramos no es solo la tierra vista o recordada, sino esas instancias vividas en fragmentos matéricos que se reconocen desde una experiencia corporal y física. Son cuerpos que se desdoblan desde la ausencia y la presencia de un espacio infinito y atemporal que acoge imágenes vívidas. Es importante señalar la aparición de la grieta y el desgarro como una huella que abarca un nuevo horizonte. Estas obras tempranas creadas bajo el auspicio del paisaje de la costa de Perú son el testimonio de un espacio ambivalente, entre el horizonte comprendido como una línea espacial y el hueco y la hendidura que conducen hacia una tridimensionalidad adecuada a un instante de eternidad.<\/p>\r\n\r\n

En sus paisajes se filtran las distintas tonalidades de la costa que lo vio nacer, una tierra gris, caliginosa y neblinosa en proyección. Una cromática matérica que muestra cómo Eielson introduce en su pintura objetos y volúmenes que contienen un cuerpo encarnado. Son restos de ropa, retazos de camisas, pantalones o corbatas como símbolos de un desgarro compartido en la desfiguración, son signos del autoexilio en el que vivió casi toda su vida. Como si el paisaje fuese una imagen que contiene mucho más de lo que presenta, las telas amplían esta presencia de la materia, donde la memoria nos dirige hacia el ser humano.<\/p>\r\n\r\n

De un modo simultáneo, Eielson juega con esas tensiones derivadas del tejido, telas que acercan hacia lo que será una de sus constantes a lo largo de toda su trayectoria. Las operaciones de escritura y lectura de los khipus estaban en manos de los khipukamayoc, auténticos detentores y guardianes de la gramática, como un orden estructural de un mundo en el que la información ya era auténtico poder. Las relaciones entre el pasado precolombino y su tiempo llevaron a Eielson a realizar representaciones en las que ese orden cósmico chamánico y ritual queda sintetizado a partir de una expresión de lo esencial. Cuerpos y presencias que dan vida a formas procedentes de visiones a través de escenas originadas a partir de la experiencia de otros estadios de conciencia.<\/p>\r\n\r\n

Conocedor del sistema lingüístico de su tierra natal, Eielson no diferencia la escritura que dispone en el lienzo o en la hoja porque se propone desvelar espacios de acogida de aquellos signos que comunican cuerpo y lenguaje. Es así como va a generar un nuevo espacio caracterizado por la utilización de estos nudos. Serán, de nuevo, paisajes, entendidos como una interfaz donde se abren grietas capaces de mostrar otras formas de pensamiento, como ponen de manifiesto sus amplias series de khipus o, sobre todo, la obra titulada Alfabeto (1973). Los espacios se abrirán y dialogarán en la superficie de la tela con los nudos y el color, llevando a cabo una simplificación y depuración de elementos y conceptos que nos llevan a preguntarnos qué hay más allá. Ese cuerpo infinito que es el universo se convertirá en obsesión y guía donde pensar lo ilimitado.<\/p>\r\n\r\n

De algún modo, sus nudos empezarán a habitar el espacio real en el que se encuentran, generando nuevas situaciones y presencias. Sus investigaciones se dirigen a pensar el espacio en toda su amplitud y a señalar cómo algunos elementos parten de una serie de tensiones que apuntan al más allá, donde lo infinito atraviesa el universo. Algunas de las tensiones generadas apuntan de nuevo fuera de campo, dándonos a conocer que todo prosigue. Es importante subrayar que estos trabajos conducen a otro tipo de ejercicio donde el cuerpo se introduce en la escena generando movimiento. Serán cuerpos cubiertos con telas anudadas, escrituras imposibles que generan nuevas danzas de significado, como la performance que presentó en la Bienal de Venecia en 1972 titulada El cuerpo de Giulia-no, la obra Paracas-Pyramid [Pirámide Paracas] (1974) o la instalación-performance Primera muerte de María (1988), presentes en esta exposición.<\/p>\r\n\r\n

El trabajo de Jorge Eduardo Eielson es un corpus de mundos que convergen y dialogan: el pasado precolombino y el azul de cierta mitología mediterránea, la escritura y la plástica, la concreción del signo y el infinito del espacio. En definitiva, un lugar que se construye a partir de la comunicación entre símbolos que se saben deudores de realidades diferentes, generando una entidad nueva que apunta a la comunicación. Su obra abre significados del pasado que señalan hacia un futuro donde las constelaciones y sus correspondencias son simbiosis abstractas que vinculan memoria, escritura e infinito.<\/p>\r\n\r\n

[Texto: Imma Prieto]<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":"Jorge Eduardo Eielson","start_date":"2023-06-30","end_date":"2023-09-10","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-06-07 12:17:04","updated_at":"2023-07-03 12:20:19","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/hFVcf4raBmEeR2PqEO0K.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/jorge-eduardo-eielson\/234","styleName":null,"slug":"jorge-eduardo-eielson","title":"Jorge Eduardo Eielson","image":"hFVcf4raBmEeR2PqEO0K.jpg","date":"30 jun 2023 > 10 sep 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":231,"title_es":"Lo que pesa una cabeza","subtitle_es":"Escultura tras el 73","description_es":"

Los dos únicos encuentros de Escultura en la Calle celebrados en Tenerife en 1973 y en 1994 plantearon cuestiones distintas y sin embargo consecutivas. En el primero parecía planear la idea de la escultura como una disciplina capaz de resignificar el espacio público. Frente al que entonces era un poder asfixiante, se presentaban un rosario de elementos que convocaban y acompañaban a la ciudadanía como una eclosión colectiva e ilusionante que no celebraba victorias o derrotas, sino cuestiones aparentemente más triviales, pero centrales en el discurrir de la vida. Fue en ese sentido y tras una convocatoria masiva que un buen número de obras plantearon infinidad de variantes, lenguajes y posibilidades. El segundo encuentro, sin embargo, giró en torno a las ideas nacidas de un simposio celebrado a tal efecto, y en el que se cuestionaba si el espacio público necesitaba, ya por aquel entonces, más escultura.<\/p>\r\n\r\n

¿Esto que vemos en sala es un tercer encuentro? No, no aspira a serlo, pero sí recoge de nuevo las preguntas e intenta contestar de manera por supuesto sesgada a alguna de ellas. En 2023 cuando nuestras relaciones públicas e íntimas parecen estar casi sublimadas al campo de lo virtual y cuando la esfera de lo público es cada vez más cuestionada, debemos preguntarnos en qué modo la escultura puede ser un reflejo de la disolución de todo lo que hasta ahora dábamos por sentado. Al reinstalar Penetrable<\/em> de Jesús Soto, la misma obra acaba por confirmar el carácter premonitorio que ya tuvo en los dos encuentros. Frente a otra de las obras más emblemáticas como es El Guerrero de Goslar <\/em>de Henry Moore —esta obra es en realidad posterior ya que en 1973 se presentó Figura Reclinada<\/em>— Soto plantea algo que no es escultura per se, que tiene un innegable carácter lúdico y a causa de esto se vuelve perecedera.<\/p>\r\n\r\n

El pavor a un accidente, la duda de si puede o no pervivir sin vigilancia, hacen que la misma sólo exista, y esto es probablemente lo más fascinante, en la mente de quienes la vieron o creyeron verla. La cuestión es que Soto, que encarna lo mejor del modernismo latinoamericano y en muchos aspectos el optimismo de una América que no fue, acabada por el desgaste de sus propias piezas; alineándose de manera involuntaria con escultoras como Eva Hesse o Franz West, que ahondando en cualidades tan poco escultóricas como lo blando, lo informe y lo inaprensible, vislumbraron un tiempo de desesperanza que es el nuestro. Penetrable <\/em>nos recuerda algo tan simple y que, sin embargo, no siempre percibimos, como que la vida nos desgasta. Así lo que encontraremos en estas salas son obras, digamos miedosas en cuanto dan por perdida la batalla del tiempo, no pretenden en la mayor parte de las ocasiones perdurar, sino que, al contrario, se presentan como reflexiones urgentes sobre la fragilidad de lo material y del propio espacio.<\/p>\r\n\r\n

Así el yeso, el papel maché, lo textil, pero también las fibras plásticas y el vidrio hacen lo que hace habitualmente la escultura: ocupar un espacio y presentar toda su carga ideológica. No olvidemos que hasta la evasión apelando a lo estético es una actitud política, pero lo hacen en un espacio que se resiste a perder su dimensión pública, el museo, como reducto de lo que aún aspiramos sea un foro de desacuerdo cordial. Joan Miró vuelve a estar presente, como lo estuvo en 1973, pero a través de una serie de marionetas que inactivas son esculturas blandas y que, sin embargo, en el video de Sarah Maldoror, cobran la dimensión del cuerpo que nos remite a las opciones que abrió ese primer encuentro. Planteamos así una opción que no fue tal, entre lo inamovible, como es el caso de Femme Bouteille<\/em> —la obra actualmente instalada en Avenida Asuncionistas— o lo ambulante, lo móvil y lo disruptivo que nos remite a toda esa tradición que la escultura, digamos rígida, es a veces incapaz de recoger.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición junto con Este puede ser el lugar<\/em> en la sala C deben entenderse entre el conflicto y el diálogo, como un tándem en el que la escultura y las artes vivas o en movimiento, juegan un papel fundamental como escenario de nuevas formas artísticas. Tenemos las mis mas dudas pero quizá cincuenta años después respuestas nuevas<\/p>\r\n\r\n

Curaduría: <\/strong>Néstor Delgado + Gilberto González + equipo TEA<\/p>\r\n\r\n

Artistas: <\/strong>David Bestué, Juan Bordes, Tony Cruz Pabón, Victoria Encinas, Petrit Halilaj, Esther Ferrer, Adelaida Arteaga Fierro, Fuentesal Arenillas, Eduardo Gregorio, Guenda Herrera, José Herrera, Lecuona y Hernández, Eva Lootz, Paula García-Masedo, Sarah Maldoror, Mónica Mays, David Medalla, Ana Mendieta, Laura Mesa, María Belén Morales, Aurelia Muñoz, Mònica Planes, Carlos Rivero, Lotty Rosenfeld, Jorge Satorre, Teresa Solar, Jesús Rafael Soto, Peter Fischli & David Weiss<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2023-03-03","end_date":"2023-06-04","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-02-16 10:09:12","updated_at":"2023-04-27 11:41:48","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/EtL9XRCL6nxuAWh1tqTy.JPG\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/lo-que-pesa-una-cabeza\/231","styleName":null,"slug":"lo-que-pesa-una-cabeza","title":"Lo que pesa una cabeza","image":"EtL9XRCL6nxuAWh1tqTy.JPG","date":"03 mar 2023 > 04 jun 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":232,"title_es":"Este puede ser el lugar","subtitle_es":"Performar el museo","description_es":"

A modo de coreografía hemos pensado este espacio, como una composición de piezas de diversas disciplinas artísticas, entre ellas el teatro y la danza. No reconocidas hasta hace bien poco por el museo. Piezas híbridas por su naturaleza, por el ámbito en la que se ha situado a quien las crea, por estar descontextualizadas, pero con algo siempre en común, el cuerpo y el gesto performativo como materia prima. El cuerpo interviene para transformar la materia, como el campo de acción y batalla, como obra sometida al gesto.<\/p>\r\n\r\n

Ponemos el foco en las fricciones al relacionar las artes escénicas y los museos evidenciando una artificialidad ante las ausencias de las denominadas artes vivas, y cuyas fronteras con otras manifestaciones artísticas no son tan claras.<\/p>\r\n\r\n

Bajo un mismo espacio expositivo se integran piezas materiales e inmateriales, voces y gestos, restos de acciones, pero también piezas escénicas y fílmicas, así como los cuerpos de los intérpretes -archivos de la memoria- junto a los propios movimientos de los visitantes que activan las obras.<\/p>\r\n\r\n

¿Qué ocurre al poner estas piezas en diálogo? pero de tú a tú, en un mismo espacio, ¿Qué ocurre si colocamos una escenografía a modo de instalación artística en una sala expositiva? ¿Podemos proyectar en el museo una grabación de una obra de teatro del mismo modo que una pieza de videoarte? ¿Qué diferencia existe entre el video de una performance cuyo creador proviene de las artes visuales y la grabación de una pieza de danza por parte de un coreógrafo? ¿Cuál es el valor en el mercado de una escenografía de un artista visual y una escenografía de un director de escena? O ¿qué lugar ocupan las piezas escénicas frente al arte de acción o el happening en la colección de un museo?<\/p>\r\n\r\n

En este sentido el objetivo no es reclamar un espacio de lo escénico dentro del museo sino el diálogo de una disciplina artística con el resto, de modo que se enriquezca una institución que pretende ser el reflejo de la sociedad y el tiempo en la que vivimos. De ahí que el título de la exposición quede como un final abierto: Este puede ser el lugar.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición junto con Lo que pesa una cabeza<\/em> en la sala B deben entenderse entre el conflicto y el diálogo, un tándem en el que la escultura y las artes vivas juegan un papel fundamental como escenario de nuevas formas artísticas.<\/p>\r\n\r\n

Artistas: <\/strong>El Conde de Torrefiel, Lucinda Childs, Bob Fosse, Bruce Nauman, William Forsythe, Pedro Garhel, Laia Estruch, Isidoro Valcárcel Medina, Nora Chipaumire, Radouan Mriziga , Alberto Portera, Manolo Millares, Heidi Bucher, Pina Bausch, La Ribot, Les Luthiers, Angélica Liddell, Pipo Hernández\/Israel Galván, Trajal Harrell y Cecilia Bengolea, François Chaignaud, Jérôme Bel, <\/em>Lia Rodrigues, Dimitris Papaioannou y María Jerez.<\/p>\r\n\r\n

Curaduría:<\/strong> Natalia Álvarez Simó y Javier Arozena<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2023-03-03","end_date":"2023-05-30","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-02-16 10:11:48","updated_at":"2023-05-22 13:09:42","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/P3gEJxufq7WBVgr1Dl8s.jpeg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/este-puede-ser-el-lugar\/232","styleName":null,"slug":"este-puede-ser-el-lugar","title":"Este puede ser el lugar","image":"P3gEJxufq7WBVgr1Dl8s.jpeg","date":"03 mar 2023 > 30 may 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":225,"title_es":"Museo moderno, desandar el camino","subtitle_es":"Colecciones TEA","description_es":"

Museo moderno, desandar el camino<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Con la modernidad, como proyecto ilustrado de transformación radical, parecía activarse la promesa de un futuro brillante que superase la tradición, la clase, la raza, el género... pero su motor, movido por la historia, como narración de un progreso lineal, no ha parado de griparse por la incapacidad para procesar las impurezas de la vida colectiva. El museo se presenta así, como humo, fruto de la combustión de este motor renqueante que acaba por impregnar todo de un hollín untuoso e irritante.<\/p>\r\n\r\n

El dispositivo museístico es una estructura que se convierte en ciencia a través de su práctica -la museología y la archivística-. Tiende así a homogeneizar las imágenes como parte de su propio proceso metabólico, sustituyendo la carga política de cada objeto por la veneración. Esto es, en parte, porque como institución buscamos un consenso universalista y difícilmente podemos mostrar el arte como expresión -individual o colectiva- de una posición política consciente. Por ello, como templo de un nuevo orden -probablemente también seamos ya de otro tiempo-, sustituimos un sistema de concepción teológico por otro en el que el autor acaba por sustituir a Dios.<\/p>\r\n\r\n

Esta propuesta expositiva persigue acercarnos a través de cinco ámbitos a una serie de obras que de un modo u otro niegan o evidencian la imposibilidad de presentar la historia como una sucesión homogénea a la que cada generación estaría convocada. Para ser del todo sinceros, la exposición parte también de la necesidad de hacer evidente un conflicto institucional. ¿Somos un Museo Moderno o un Museo Contemporáneo? La cuestión, al menos para quienes hacemos el museo y por tanto sus colecciones, es fundamental porque el término moderno, que en sí mismo es confuso -modernidad, modernismo, más las variantes anglosajonas e historiográficas-, cierra en cierta forma la posibilidad del cuestionamiento como estructura y allana el camino hacia el gran archivo que, a modo de repositorio, habría de hacernos entender un pasado común. En el término contemporáneo, sin embargo, encontraremos la imposibilidad de ese pasado común sustituyéndolo por la certeza de que llegamos a este presente con mochilas muy distintas, haciendo sumamente difícil un espacio de confluencia, pero, y esto es vital, tanto si optáramos por uno u otro debemos preguntarnos a qué orden social sirve el museo y qué espacio ocupa cada persona en él.<\/p>\r\n\r\n

El hilo narrativo de esta presentación de la colección recae en algunas imágenes del Archivo Francisco Lora (ca. 1925-2000) donado a su muerte al CFIT-TEA. En concreto, en aquellas pertenecientes al periodo de los últimos años 70 y principios de los 80, justo antes de iniciarse muchos de los grandes planes de infraestructura y modernización económica propiciados en parte por los Fondos Europeos. Lora documenta Santa Cruz, con especial atención al barrio de San Andrés, situado entre los procesos desarrollistas del tardo franquismo y los difíciles primeros años de democracia. En la mayor parte de las ocasiones son retratos de vida, tanto de la calle como de escenas domésticas, en las que muchos de nosotros hemos de reconocernos. Pero es en este relato cruzado, donde las imágenes nos interpelan más que ningunas otras de las que entraron al museo, como parte del gran relato del arte y que, sin embargo, acaban por preguntar lo mismo: quiénes éramos y quiénes somos.<\/p>\r\n\r\n

Gilberto González [Director artístico de TEA Tenerife Espacio de las Artes]<\/p>\r\n\r\n

Museo moderno, desandar el camino<\/em> exhibe obra de Elvira Alfageme, Vasco Araújo, Jon Mikel Euba, Adrián Alemán Bastarrica, Tony Gallardo, Bernardino Hernández, Pérez y Requena, Carlos Schwartz, Santiago Palenzuela, Martín Chirino, Engel Leonardo, Pilar Cotter, Stipo Pranyko, Dominique Ratton, Aurèlia Muñoz, Juana Fortuny, Janusz Maria Brzeski, Francis Joseph Bruguière, Óscar Domínguez, André Breton, Victor Brauner, Jacques Herold, Remedios Varo, Jacqueline Lamba, Wifredo Lam, José Luis Alexanco, Eulàlia Grau, Cándido Camacho, Ilse Bing, Barbara Morgan, Dan Graham, Wolfgang Tillmans, Pipo Hernández, Magnolia Soto, Laura Gherardi, René Magritte, Jorge Oramas, Juana Francés, Hector Hyppolite, Franz Roh, Pepa Izquierdo, Carlos Chevilly, Silvia Navarro, Lola Massieu, Manolo Millares, César Manrique, Amalia Avia, Muntean\/Rosenblum, NRED Arquitectos, Juan Hidalgo, Walter Marchetti, Eusebio Sempere, Francisco Lora, José Luis Fajardo, Joaquín Rubio Camín, Esperanza D’Ors, Olga de la Nuez, Juan Botas Ghirlanda, Pancho Lasso, Claude Cahun, Pino Ojeda, Julio Le Parc, Carmen Arozena, Céline Condorelli, Mariano Benlliure y Gil, Robert Hobbs y del programa Por Asalto.<\/p>\r\n\r\n

Abierta de martes a domingos, de 10:00 a 20:00 horas, Museo moderno, desandar el camino<\/em> se enriquece además con una serie de obras en préstamo que refuerzan el discurso de la exposición como son las piezas de Pancho Lasso y de Julio Le Parc, de la Colección del Museo Internacional de Arte Contemporáneo MIAC-Castillo de San José; de Juan Botas Ghirlanda, de una colección particular; el busto de Simón Bolívar, del Museo Municipal de Bellas Artes; y un textil de Olga de la Nuez y un grabado con dibujo de Carmen Arozena, del Museo Insular de La Palma.<\/p>\r\n\r\n

Filtraciones. <\/strong>TEA presentó el viernes 14 de octubre <\/strong>una nueva obra de la artista Raisa Maudit (La Palma, 1986), una instalación escultórica y sonora titulada La Grieta La Revelación<\/em>.<\/strong> Esta creación, que se muestra dentro de la exposición Museo moderno. Colecciones TEA<\/em>, forma parte de de Filtraciones,<\/em> un programa de curaduría para artistas en la Colección TEA que se presenta como un espacio de reflexión sobre el acto de coleccionar y exponer. <\/p>\r\n\r\n

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The Modern Museum, Retracing Our Steps<\/p>\r\n\r\n

Modernity, inasmuch as an enlightened project of radical transformation, appeared to hold out the promise of a brilliant future that would overcome tradition, class, race, gender... but its engine, driven by a history narrated in linear progression, has never stopped seizing up because it is unable to process the impurities of collective life. The museum is like the exhaust fumes, the result of the combustion of this spluttering engine which ends up covering everything with an irritating coat of oily grime. The museum device is a structure turned into a science through its practice of museology and archivism. Accordingly, as part of its metabolic process, it tends to homogenize images and replace the political charge of each object with veneration. This is partly due to the fact that, as an institution, we look for a universalist consensus and it is difficult for us to show art as an individual or collective expression of a consciously adopted political position. For this reason, as a temple of a new order—and probably also of another time-—we replace a theologically conceived system for another in which the artist ends up taking the place of God.<\/p>\r\n\r\n

The idea behind this exhibition is to bring us closer, through five different areas, to a series of works that, in one way or another, refute or evince the impossibility of presenting history as a homogeneous succession each new generation is invited to prolong. To be perfectly honest, the exhibition is also spurred by a need to manifest an institutional conflict. Are we a Modern Museum or a Contemporary Museum? The question, at least for those of us who make the museum, and therefore its collections, is crucial because the term ‘modern’—in itself highly fraught: modernity, modernism and its manifold historiographic variants-somehow forecloses the possibility of questioning as a structure and paves the way towards a grand archive that, as a repository, would be charged with making us understand a shared past. In the term ‘contemporary’, conversely, we are faced with the impossibility of this common past, replacing it with the certainty that we all arrive to the present with our own different baggage, making any shared ground highly unlikely, but, and this is critical, no matter whether we opt for one or the other we still have to ask ourselves which social order the museum serves and what space each person occupies in it.<\/p>\r\n\r\n

The thread running through this presentation of the collection are images from the archive of Francisco Lora (ca. 1925-2000) bequeathed to CFIT-TEA. More specifically, the images span from the late-seventies to the early-eighties, just before many of the grand plans for new infrastructure and the economic modernization brought about by the influx of European Funds. Lora documented the city of Santa Cruz, paying special attention to the neighbourhood of San Andrés, caught between the developmental processes of late-Francoism and the difficult early years of democracy. For the most part, the images are portraits of everyday life, both on the street and in domestic settings, in which many of us will readily recognize ourselves. But it is in these overlapping stories where the images question us more than any of the works that have entered the museum as part of the grand narrative of art and, nevertheless, they ask us the same questions: who were we then and who are we now.<\/p>","author":null,"start_date":"2022-03-12","end_date":"2023-03-26","room_id":1,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-03-05 09:03:06","updated_at":"2023-03-22 11:29:03","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/DSmw3o6C7LuM9btiisgi.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/museo-moderno-desandar-el-camino\/225","styleName":null,"slug":"museo-moderno-desandar-el-camino","title":"Museo moderno, desandar el camino","image":"DSmw3o6C7LuM9btiisgi.jpg","date":"12 mar 2022 > 26 mar 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":230,"title_es":"Cabilla","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes acoge hasta el 12 de febrero de 2023 Cabilla<\/em>, un proyecto de Sol Calero. Con la participación de Ana Alenso, ArchivOlares, Rubén D'hers, tropical papers, Ernesto Paredano, Lucía Pizzani, Armando Rosales y Christian Vinck.<\/p>\r\n\r\n

La exposición parte de imágenes de la modernidad venezolana de los 60 y 70 del pasado siglo como paradigma de la modernidad en Latinoamérica fruto del auge de la explotación petrolífera y procesos intensivos en el campo agrícola. La llegada masiva de migrantes desde Canarias crea un trasvase económico, pero también de imágenes, que conforman utopías y distopías entre un territorio y el otro. Articulado en torno a una instalación de la canario-venezolana Sol Calero, se propone el rastreo de esa identidad co-construida y muchas veces rechazada por la “alta cultura”.<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2022-10-07","end_date":"2023-02-12","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-09-21 08:22:51","updated_at":"2022-12-15 11:52:40","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/BSj0c3GfQa2Q8kko5fbM.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/cabilla\/230","styleName":null,"slug":"cabilla","title":"Cabilla","image":"BSj0c3GfQa2Q8kko5fbM.jpg","date":"07 oct 2022 > 12 feb 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":229,"title_es":"Concretos","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes exhibe 'Concretos', una exposición curada por Gilberto González y Pablo León de la Barra. <\/p>\r\n\r\n

Con la participación de Talles Lopes, Rafa Munarriz, Pablo Accinelli, Andreas Valentín, Josep Vilageliu, Federico Assler, Nancy Holt, Guy Tillim, June Crespo, Jane & Louise Wilson, Alexander Apóstol, Marcelo Cidade, Pérez y Requena, Esther Gatón, Adrien Missika, Clara Ianni, Céline Condorelli, Federico Herrero, Andreas Angelidakis, Abraham Riverón y Cyprien Gaillard.<\/p>\r\n\r\n

Esta muestra estará abierta hasta el 8 de enero de 2023. Entrada libre.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición es una coproducción entre TEA y MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.<\/p>\r\n\r\n

Dentro del programa de TEA, la arquitectura como materialización de una imagen tiene un papel central. Al recurrir al cemento como elemento sobre el que sustentar relaciones entre obras, somos conscientes de la aparente insustancialidad discursiva. Sin embargo, al circunscribirla a un periodo concreto de la tardomodernidad se establecen una serie de conexiones vinculadas a los flujos de capital y los procesos políticos. Como material de una enorme ductilidad permitió una renovación plástica de la arquitectura a la vez que supuso una emancipación de los cánones estilísticos, por otro lado supone el acceso de capas de la población, especialmente en el ámbito urbano, a procesos de autoconstrucción con programas propios en relación a la capacidad transformadora del material.<\/p>\r\n\r\n

La irrupción del brutalismo y todas sus neo variantes sin embargo vienen a coincidir en Latinoamérica con el inicio del fin de los procesos democráticos que son antesala de los programas neoliberales. Paradójicamente en España vienen a suponer la plasmación procesos de apertura que sin embargo afianzan el programa de igual forma neoliberal. La exposición plantea una constelación de artistas que a través del concreto -cemento- analizan los procesos de quiebra social y reforzamiento del capital hasta desembocar en procesos neofeudalistas.<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2022-10-07","end_date":"2023-01-08","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-09-21 08:17:34","updated_at":"2022-10-10 13:05:24","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/odClwzWU2D0fqruLIZ4n.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/concretos\/229","styleName":null,"slug":"concretos","title":"Concretos","image":"odClwzWU2D0fqruLIZ4n.jpg","date":"07 oct 2022 > 08 ene 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":228,"title_es":"Colapso","subtitle_es":"Contener el residuo, habitar la ruina","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes muestra hasta el 18 de septiembre la exposición Colapso<\/em>. Contener el residuo, habitar la ruina<\/em>. Comisariada por Yosi Negrín y Paula Ramos Mollá. Entrada libre.<\/p>\r\n\r\n

Colapso<\/em> busca plantear una aproximación filosófica y artística al concepto de residuo, de aquello “que sobra”, a aquella materia fuera de lugar, que es concebida como desecho. Queremos experimentar el espacio expositivo como una acumulación de estratos residuales.<\/strong> Una exposición que amalgama desechos metafísicos, humanos, ecológicos y en la cual distintas capas estéticas se van superponiendo, no fijas en un instante, sino evolucionando con el paso del tiempo, haciendo que la experiencia de la misma sea siempre cambiante.<\/p>\r\n\r\n

Como parte de la exposición Young Boy Dancing Group (YBDG) presentó la pieza Young Boy Dancing Group 2022 <\/em>el 2 de julio, día que se inauguró esta muestra. Este colectivo de danza performática está dirigido por el artista suizo Manuel Scheiwiller en estrecha colaboración con Maria Metsalu, de Estonia, y Nicolás Roses, de Argentina. El grupo aborda, de manera crítica, los modos de producción de la danza, la cultura digital, la institucionalización y la autenticidad, haciendo constante referencia a la artista visual Elaine Sturtevant.<\/p>\r\n\r\n

El trabajo abarca videos, moda, esculturas y, en su esencia, presentaciones de danza en vivo que usualmente consisten en estructuradas improvisaciones influenciadas por un escenario postapocalíptico, así como por acrobacia, posthumanismo y métodos y estética DIY (Hazlo Tú Mismo). YBDG tiene una identidad queer por naturaleza, siguiendo pautas sexuales y corporales positivas con el fin de crear un espacio seguro donde la libertad de los intérpretes puede ser explorada al mismo tiempo que se desafían las normas del imaginario heteronormativo de nuestra sociedad. Young Boy Dancing Group 2022<\/em> es una performance que puede herir sensibilidades.<\/p>\r\n\r\n

Artistas: <\/strong>Amy Balkin, Lucía Bayón, Marcin Dudek, Berenice Olmedo, Céline Struger, Inés Miño, Mon Cano e Íñigo de Barrón, Bat-Ami Rivlin, Luis Lecea, Marina González Guerreiro, Cajsa von Zeipel, Maï Diallo y Lucía Dorta, Shanie Tomassini, Rafael Pérez Evans, Jack Almgren y Young Boy Dancing Group.<\/p>\r\n\r\n

Colabora: <\/strong>Por Asalto<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2022-07-02","end_date":"2022-09-18","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-06-21 14:59:30","updated_at":"2022-07-11 12:57:33","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/TBnHoItyNW4R82horFcJ.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/colapso\/228","styleName":null,"slug":"colapso","title":"Colapso","image":"TBnHoItyNW4R82horFcJ.jpg","date":"02 jul 2022 > 18 sep 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":227,"title_es":"Velar la forma","subtitle_es":"Jos\u00e9 Herrera","description_es":"

Velar la forma, <\/em>de José Herrera, es una muestra que recorre a través de una cuidada selección de obras su proceso de investigación a lo largo de los últimos 40 años incluyendo algunas de las obras de Museo Nacionales como Patio Herreriano y Reina Sofía. Esta  propuesta expositiva, comisariada por Gilberto González, puede visitarse de manera gratuita hasta el 11 de septiembre<\/p>\r\n\r\n

José Herrera (La Laguna 1956) formado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, a la que siguió vinculado como docente hasta su jubilación, encarna una de las trayectorias más coherentes y tenaces del panorama nacional. Se inscribe en la generación de los 80 del pasado siglo y entre quienes propiciaron la renovación de los lenguajes plásticos en las islas. Se establece en ese momento una serie de particularidades que vinculan a las islas, más a corrientes centroeuropeas y latinoamericanas, que a la formalización del resto del estado. En la obra de Herrera resulta complejo definir su trabajo en torno a categorías como escultura, pintura o dibujo.<\/p>\r\n\r\n

De múltiples formas persigue la expansión de la línea como elemento esencial del dibujo pero procurando alcanzar la tridimensionalidad tensando así el espacio en un extraño equilibrio entre la distorsión y la serenidad. Definido muchas veces como artista del silencio y simplicidad acaba por encerrar en su trabajo de manera paradójica una complejidad procesual que sin embargo acaba por quedar oculta a ojos del espectador. <\/p>\r\n\r\n

Velar la forma<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Velar la Forma<\/em> recoge cuarenta años de la trayectoria de José Herrera comprendida entre 1982 y 2022. Esta exposición, sin embargo, no se ha planteado en términos cronológicos, ni pretende hacer entender al visitante una evolución estilística como mero devenir de un medio a otro. Fieles a la forma de percibir su propio trabajo, se ha procurado que quienes participen de ella lo hagan bajo la premisa de una experiencia espacial tal y como Herrera ha trabajado siempre. Así, obras de distintas procedencias y periodos coinciden por primera vez en estas salas con el fin de desvelarnos el tránsito coherente y riguroso de éste.<\/p>\r\n\r\n

La obra de Herrera siempre se ha vinculado a la idea de silencio y esto es cierto, tanto en su actitud vital, como en el modo en que hace manifiesta las formas. Sin embargo, no es menos cierto que resulta ser un silencio clamoroso pues al apelar a la idea de equilibrio reclama toda nuestra atención. Así, su trabajo, nos enfrenta a un estado de suspensión temporal que nos obliga al menos, por un instante, a abstraernos del ruido ambiental y mental.<\/p>\r\n\r\n

Es fundamental entender que igualmente en él, subyacen dos principios centrales. El primero, que lo ausente es igual de importante que lo presente y el segundo, la introspección como modo de sentir el hacer. Herrera dibuja el objeto en el espacio haciendo evidente el vacío. Alineado con el pensamiento oriental, entiende que la ausencia de materia ya es espacio y debe tenerse por ello presente. Asistimos así a la representación de un todo donde acabaremos por comprender el valor de lo atmosférico más allá de la propia obra. Por ello el modo de iluminar y la colocación son cuestiones que estudia de la misma forma minuciosa en la que asume la ejecución. Quien necesite más claves tiene en la arquitectura un buen recurso. Desde la contención Herrera asume que la construcción de un artificio requiere que se entienda como una extensión de nuestro cuerpo, ni más, ni menos, tal y como hace la buena arquitectura cuando dialoga con el medio. El objeto es en sí, una visión especular de nosotros mismos.<\/p>\r\n\r\n

Al interrogar a José Herrera sobre su obra no acaba nunca de definir si lo que vemos es escultura o pintura. Parece, eso sí, nacer de la pulsión del dibujante quien infatigable ensaya posibilidades. En el pliegue de las sábanas, en las capas de veladuras de óleo, en los materiales pobres como la escayola que requiere de capas y capas se nos presenta una fe inquebrantable en el trabajo que alimenta lo introspectivo al igual que los interiores profusamente dibujados que sólo él conoce.<\/p>\r\n\r\n

[Texto: Gilberto Gonzalez]<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":"Jos\u00e9 Herrera","start_date":"2022-06-10","end_date":"2022-09-11","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-06-02 12:20:39","updated_at":"2022-07-21 11:09:15","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/b24odNdSVWygxhbN1yN3.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/velar-la-forma\/227","styleName":null,"slug":"velar-la-forma","title":"Velar la forma","image":"b24odNdSVWygxhbN1yN3.jpg","date":"10 jun 2022 > 11 sep 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":226,"title_es":"Etel Adnan","subtitle_es":"Tras la l\u00ednea del horizonte","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes expone hasta el 5 de junio Etel Adnan. Tras la línea del horizonte<\/em>, la primera exposición retrospectiva que se le dedica en España a la pintora, académica, poeta y escritora libanesa, Etel Adnan (Beirut, 1925-París, 2021). Esta retrospectiva, co-producida por TEA y el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A, aborda la amplia actividad creativa y experimentación formal de Adnan.<\/p>\r\n\r\n

Etel Adnan. Tras la línea del horizonte <\/em>puede visitarse de manera gratuita de martes a viernes, de 12:00 a 20:00 horas, y los sábados, domingos y festivos, de 10:00 a 20:00 horas. <\/p>\r\n\r\n

Etel Adnan. Tras la línea del horizonte<\/strong><\/em><\/p>\r\n\r\n

Pintora, académica, poeta y escritora, Etel Adnan ha desafiado cualquier intento de clasificación durante su trayectoria. Esta exposición muestra su faceta como artista y recoge una amplia selección de su obra desde los años 60, para centrarse en los trabajos de las últimas dos décadas. La exhibición recoge todas y cada una de sus áreas de interés artístico, e incluye por igual pinturas, dibujos, leporellos<\/em>, cerámicas y textiles. A cada uno de estos soportes Adnan se aproxima de manera singular y única, construyendo corpus<\/em> de obras que pueden leerse de manera autónoma entre sí. Su estilo ha evolucionado durante su recorrido desde posiciones cercanas a la abstracción geométrica más pura, y se ha ido acercando al paisaje a partir de los años 70, aunque sin abandonar su relación con la abstracción. Este carácter orgánico y luminoso es uno de los rasgos más reconocibles de sus óleos. Viaje a Mount Tamalpais<\/em> se considera como uno de sus libros emblemáticos por su relación con el territorio y el paisaje, y resume muchas de las ideas que ha practicado en su obra plástica. Es la idea del horizonte, precisamente la que da título a la muestra. La vida como un constante horizonte de nuevos lugares, mediatizado por el viaje y el exilio, ese más allá desde el que ha germinado y fusionado vida, arte y escritura.<\/p>\r\n\r\n

Etel Adnan ha vivido en un mundo en constante transformación geopolítica y nace tras el fin del Imperio Otomano. Se acerca al ámbito de la cultura a través de las letras y a finales de los años 40 estudia en la Universidad de la Sorbona (París). Tras una estancia en Harvard (Cambridge), se traslada a vivir a California, donde da clases durante dos décadas. En los años 70 regresa a Beirut, ciudad en la ocupa un lugar preeminente en la vida cultural, y donde comparte estudio con Simone Fattal. Abandona Beirut al ver peligrar su vida con el estallido de la guerra civil de Líbano y, tras un breve periodo en California, se traslada a vivir a París, donde residió hasta su fallecimiento en 2021.<\/p>\r\n\r\n

[Álvaro Rodríguez Fominaya. Comisario]<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":"Etel Adnan","start_date":"2022-03-19","end_date":"2022-06-05","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-03-14 11:51:44","updated_at":"2022-05-26 13:07:27","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/j1g8MuRHcCxWw0yoX01S.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/etel-adnan\/226","styleName":null,"slug":"etel-adnan","title":"Etel Adnan","image":"j1g8MuRHcCxWw0yoX01S.jpg","date":"19 mar 2022 > 05 jun 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":224,"title_es":"Maud, c'est la vie!","subtitle_es":null,"description_es":"

Maud, c´est la vie!<\/em><\/p>\r\n\r\n

Del 28 de enero hasta el 3 de mayo. Curaduría: Pilar Carreño<\/p>\r\n\r\n

Maud Bonneaud (Limoges, 1921-Madrid, 1991), conocida además como Maud Domínguez y Maud Westerdahl, cuando hacía balance de su trayectoria vital, recordó que André Breton le había regalado el Dictionnaire abrégé du surréalisme<\/em>, editado con motivo de la Exposition International du Surréalisme<\/em> en la Galerie de Beaux-Arts de París en 1938 y mientras lo ojeaba se preguntaba: “Que me digan por qué estos tres nombres -Breton, Domínguez y Westerdahl- están reunidos aquí como tres hitos de mi historia, que no me digan que no anduvo por ahí el azar objetivo con sus manejos invisibles e incontrolables. Lo normal habría sido hacer mi vida en un mundo de médicos, ingenieros, profesores o algo así. Algo serio”.<\/p>\r\n\r\n

Con su llegada a Tenerife se inicia otro nuevo capítulo en su vida en el que el salón de su casa, su forma de hacer y relacionarse con los otros acabo por prefigurar la idea de institución colectiva en Tenerife y una particular visión de la modernidad. Esta es la primera exposición retrospectiva dedicada a su figura como artista y agitadora cultural con el fin de desentrañar su enorme complejidad y peso opacado por visiones previas en la que se entendía siempre como “esposa de” y no como una pieza fundamental del hacer y acontecer cultural.<\/p>\r\n\r\n

Más de 300 piezas -entre fotografías, pinturas, dibujos, esmaltes, acuarelas, esculturas, revistas, catálogos, litografías, decalcomanías, poemas manuscritos, libros, álbumes familiares, libros de cocina, tarjetas, joyas, aguafuertes, fotocollages, cartas y linograbados- datadas entre 1923 y 1985 conforman Maud, c’est la vie!<\/em> En esta exposición, las creaciones de Maud Bonneaud (conocida también como Maud Domínguez y Maud Westerdahl) —muchas de las cuales se muestran el público por primera vez— se exhiben junto a obras y documentos de Óscar Domínguez, André Breton, Paul Éluard, Eduardo Westerdahl, Pablo Picasso, Raoul Hausmann, Valentine Penrose, Roland Penrose, Man Ray, Izis (Israëlis Biedermanas), Tanja Tamvelius. Eileen Agar, Manolo Millares, Man Ray, Apel-les Fenosa, Dora Maar, Pedro Flores, Honorio García-Condoy, André Marchand, José Abad, Martín Chirino, Françoise Gilot, Paul Éluard, César Manrique, Pablo Serrano, Valentine Penrose, Cándido Camacho, Maribel Nazco, Fernando Mignoni, Gjon Mili, Jacqueline Breton, Jeanne Megnen, Françoise Gilot, Michette Mabille, Guy Bernard-Delapierre, José Hernández Muñoz, Juliet Man Ray y Old\u0159ich Šimá\u010dek.<\/p>\r\n\r\n

Maud, c’est la vie!<\/em> se completa con la edición del catálogo de la muestra, una publicación realizada por Pilar Carreño, fruto de su proyecto de investigación. Este libro ahonda en la figura de Maud Bonneaud desde distintos aspectos y recoge además de su cronología y de un catálogo de obras y documentos, entrevistas con la creadora.<\/p>\r\n\r\n

La exposición se estructura en tres ámbitos: Maud esmaltadora, Breton y Domínguez <\/em>y <\/em>Círculo de amigos I-II.<\/em> El recorrido de la muestra se inicia con Maud esmaltadora<\/em>. Fue su etapa vital más productiva artísticamente desde que se trasladó a vivir a Santa Cruz de Tenerife (1954), periodo en el que desarrolla su faceta de esmaltadora —cuya andadura inicial en esta técnica se incluye en este apartado—, con un lenguaje plástico que hunde sus raíces en el Surrealismo, pero también en el mundo antiguo, medieval y contemporáneo. Sus joyas y objetos surrealistas se ubican en el centro de la sala dentro de una vitrina-estrella.<\/p>\r\n\r\n

Además, se exponen dibujos y bocetos de sus obras, así como distintos elementos y piezas que nos acercan a su complejo proceso técnico. Asimismo, se exponen catálogos y carteles de las exposiciones individuales y colectivas en las que participó. En la segunda sala, los visitantes pueden acercarse al mundo de la cocina al que alude en algunas de sus obras. Se completa con un apartado documental y fotográfico dedicado a Eduardo Westerdahl. Por último, se pueden visualizar los múltiples contenidos de los álbumes familiares expuestos en vitrinas.<\/p>\r\n\r\n

Breton y Domínguez<\/em>. Este espacio lo comparten Breton y Domínguez, dos figuras antagónicas dentro del grupo surrealista. Breton le abrió las puertas de su universo y le marcó intelectualmente, como se desvela en las cartas del poeta, al que conoció en su época de estudiante universitaria en Poitiers durante la Segunda Guerra Mundial. Esta amistad se mantuvo durante el exilio americano de Breton mientras Maud era la pareja de Óscar Domínguez, si bien concluyó al poco tiempo de su regreso a París. Por otra parte, su intensa relación amorosa con Domínguez, quien asumió plenamente la figura del minotauro, se muestra en una selección de cartas, dibujos y obras del pintor canario, además de otros ejemplos de sus trabajos en común —Les deux qui se croisent<\/em> y Les mouches<\/em>—, al igual que la presencia de Maud se atisba en la producción de Domínguez. Asimismo, la vida doméstica y social que ambos compartieron se recoge en un conjunto de fotografías con amigos en distintos momentos. Cierra la sección el manuscrito Memoires sans importance<\/em>, así como una serie de artículos escritos por Maud, relacionados con Breton, Domínguez y con el Surrealismo.<\/p>\r\n\r\n

Círculo de amigos I-II<\/em>. De la larga lista de amigos y conocidos se han seleccionado aquellos artistas e intelectuales que Maud conoció en sus años en Francia y de los que han quedado huellas tangibles de su amistad, como Paul Éluard, Pablo Picasso, Man Ray, Dora Maar, Roland Penrose, Valentine Penrose, André Marchand, Michette Mabille, François Gilot, Guy Bernard, Man Ray, Izis Bidermanas, Raoul Hausmann, Apel les Fenosa, Pedro Flores y Honorio García Condoy, a los que se suma la artista surrealista Eileen Agar que conoció en Tenerife. Se expone una serie de obras, además de libros, fotografías y documentos que aportan luz sobre sus relaciones con Maud, tanto en su periodo con Domínguez como posteriormente con Westerdahl.<\/p>\r\n\r\n

En la última sala se ha ubicado una selección de obras de los artistas con los que Maud mantuvo una estrecha relación en España, tales como Pablo Serrano, Maribel Nazco, Manolo Millares, Martín Chirino, César Manrique y José Abad, además de otros pintores sobre los que escribió textos de presentación en los catálogos de alguna de sus exposiciones —José Hernández o Cándido Camacho—, unos representados con obras a las que alude en sus escritos y otros con los catálogos en los que escribió. Se cierra la muestra con una proyección visual de la protagonista.<\/p>\r\n\r\n

Entre las obras que se exhiben en esta exposición se encuentran piezas como Homenaje a Asur <\/em>o El conquistador<\/em> (1979), Broche [Pájaro azul]<\/em> (1947), Homenaje a los escitas <\/em>(1980), Homenaje a Man Ray<\/em> (1985), Sin título (Cabeza)<\/em> (c.1945), Homenaje a Braque y Matisse<\/em> (1979), Brazo de Judith<\/em> (1972), de Maud Bonneaud; Mesa y personaje<\/em> (1944), de Óscar Domínguez; Maud en Tenerife<\/em> (1954), de Eduardo Westerdahl; Dictionnaire abrégé du Surréalisme<\/em> (2ª ed. 1969), de André Breton y Paul Éluard; Sin título [Téléphone 3]<\/em> (c. 1944-1945), de Óscar Domínguez; Cuadro 111<\/em> (1960), de Manolo Millares; Créole<\/em> (1938), de Man Ray; Cabeza de Maud<\/em> (c. 1945-1947), de Apel les Fenosa; Paisaje<\/em> (c. 1957), de Dora Maar; Sin título<\/em> (1957), de Pablo Picasso; Aeróvoro <\/em>(1974), de Martín Chirino; o la fotografía con tiraje de época Maud y Dood en Limoges<\/em> (1923).<\/p>\r\n\r\n

Maud Bonneaud<\/strong>. El 4 de enero de 1921 nacía en Limoges, Madeleine Annette Bonneaud, a la que, en su etapa de estudiante en la Facultad de Letras de la Universidad de Poitiers, con 18 años, se cruzó en su camino el poeta André Breton, una relación de amistad que le abriría las recónditas puertas del universo surrealista y le marcaría su posterior trayectoria intelectual. En 1940 el sueño de Maud Bonneaud era viajar a Estados Unidos para continuar allí sus estudios universitarios, pero la Segunda Guerra Mundial lo impidió; por este motivo finalizó sus estudios en Poitiers y posteriormente inició una maîtrise <\/em>sobre aspectos como la psicología del miedo y métodos de terror en la novela gótica inglesa en la Universidad de Clermont-Ferrand, que no concluyó, pero que la situaba dentro de los múltiples intereses del Surrealismo.<\/p>\r\n\r\n

A finales de 1942 se traslada a París en busca de nuevos horizontes y comienza a relacionarse con los círculos artísticos e intelectuales, hasta que Dina Vierny, la modelo de Aristide Maillol, le presenta a Óscar Domínguez. Después de unos cinco intensos años de convivencia con el minotauro contraen matrimonio en 1948, pero solo dos años más tarde la relación se rompe, aunque no finaliza definitivamente hasta 1952 y su divorcio no se materializa hasta dos años después. La irrupción en su vida del crítico de arte y amigo de Domínguez, Eduardo Westerdahl, defensor del arte abstracto y del racionalismo arquitectónico, le ofrece una vida tranquila en Tenerife, isla de la que tanto le habían hablado Breton, Lamba y el propio Domínguez.<\/p>\r\n\r\n

Después de un periodo de adaptación a su nueva vida, que no debió ser nada fácil para Maud, comienza a trabajar con una mayor intensidad en sus esmaltes, cuyos inicios en esta técnica se sitúan en París con Domínguez, y a hacer exposiciones de sus obras, joyas, objetos como piezas diminutas, que van evolucionando con el tiempo; a la vez que escribe y publica de forma ocasional artículos sobre arte. En toda esta etapa en Tenerife no pierde el contacto con sus amigos y conocidos, Pablo Picasso, Raoul Hausmann, Dora Maar, Man Ray, Valentine Penrose, Roland Penrose, Izis Bidermanas, entre otros muchos, a los que visita en sus viajes anuales a Europa, amigos a los que se han sumado ahora los de Westerdahl, Domingo Pérez Minik, Pedro García Cabrera, Maribel Nazco, María Belén Morales, Manolo Millares, Elvireta Escobio, Martín Chirino, Pablo Serrano, José Abad, Luc y Jenny Peire, así como las nuevas amistades que compartirán juntos.<\/p>\r\n\r\n

El nacimiento de su único hijo, Hugo, en octubre de 1957 colma de felicidad a la pareja, que se vuelca en dejar constancia de los primeros años del pequeño, como muestran los dos álbumes familiares que Westerdahl realizó con fotos, tarjetas postales, cartas, dibujos, páginas de revistas, textos manuscritos, etc., como recuerdo de sus vidas en común desde 1956 a 1962. El domicilio en la calle Enrique Wolfson y, más tarde, en la Avenida de las Asuncionistas, de Westerdahl-Bonneaud se convierte en un punto obligado de reunión, abierto a artistas e intelectuales tanto insulares como de visita en la Isla. Además, allí se gestaron e impulsaron numerosos proyectos culturales, como la exposición antológica de Óscar Domínguez (1968) o la Exposición de Escultura en la calle, organizada por el COAC en 1973.<\/p>\r\n\r\n

Años después de fallecer Westerdahl, Maud Bonneaud, con una salud en precario, decide trasladar su residencia a Madrid. Su hijo se había instalado en la capital y otro de los motivos barajados para su marcha fue la exposición que estaba preparando sobre Óscar Domínguez para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, aunque volvería a la Isla en algunas ocasiones, como para la exposición homenaje a Domingo Pérez Minik en el Círculo de Bellas Artes de Tenerife o para la inauguración del Centro Atlántico Arte Moderno. En su última etapa madrileña comenzó a escribir unas memorias o recuerdos de su vida en Francia, por sugerencia de su amigo Carlos Gaviño, que titularía Mémories sans importance<\/em>. [Texto de la biografía: Pilar Carreño]<\/p>\r\n\r\n

Pilar Carreño Corbella<\/strong> es una reputada comisaria e investigadora en el ámbito de las vanguardias españolas y, especialmente, en el período anterior a la Guerra Civil española, donde su labor ha sido fundamental para poner de manifiesto el papel que jugaron en el ámbito nacional, tanto publicaciones como Pajaritas de papel<\/em> y Gaceta de Arte<\/em>, como el grupo de intelectuales asociados a ellos. Entre otras publicaciones de Carreño podemos destacar El triángulo de las artes<\/em> (2018), pero también otras como las vinculadas a la Biblioteca de autores canarios BAC, que han servido para recuperar figuras como la de Juan Botas Ghirlanda o José Julio Rodríguez.<\/p>\r\n\r\n

Ha escrito sobre la vanguardia en Canarias en los libros Movimientos artísticos de vanguardia en Canarias. 1947-1977<\/em> (1988); Eduardo Westerdahl. Suma de la existencia<\/em> (2002); Eduardo Westerdahl. Dar a ve<\/em>r (2003); Óscar Domínguez en tres dimensiones<\/em> (2010); Los surrealistas en Tenerife <\/em>(2015) y en artículos como El minotauro, la doble imagen de Picasso y Domínguez<\/em> (1997) y Salvador Fábregas. La modernidad de La Osa Mayor<\/em> (2000). A su vez, ha formado a varias generaciones de historiadores del arte en su labor de docente en la Universidad de Laguna aportando rigor en los procesos de investigación.<\/p>\r\n\r\n

Las obras presentes en esta propuesta expositiva —en la que además se proyectan dos vídeos con fotografías de Maud Bonneaud— pertenecen a las colecciones de TEA, del Cabildo Insular de Tenerife, del Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), la colección Hugo Westerdahl (Madrid), Presidencia del Gobierno de Canarias, la Pinacoteca del Gobierno de Canarias, el Centro Atlántico de Arte Moderno, de la Real Academia de Bellas Artes de San Miguel Arcángel de Santa Cruz de Tenerife (Fondo Jesús Hernández Perera-María Josefa Cordero), la Casa Colón (Cabildo de Gran Canaria), Fundación Dámaso (Las Palmas de Gran Canaria) y Bibli (Santa Cruz de Tenerife). Otros préstamos proceden de las colecciones Antonio Montes (Madrid), Loro Parque (Puerto de la Cruz), Eduardo Díaz Castro (Tacoronte), Carmensa de la Hoz (Santa Cruz de Tenerife), Isaac y Joelle Benzaquen (Madrid), Navarro-Valero (Madrid), Monzón-Benítez (Las Palmas de Gran Canaria), Clara Trujillo (Santa Cruz de Tenerife), José Luis Escohotado (Santa Cruz de Tenerife), Gonzalo Díaz (La Laguna), Victoria Díaz Zarco y Federico Castro Morales, Archivo Lafuente (Santander) y The Penrose Collection (Inglaterra), así como de otras colecciones particulares de España y de Inglaterra<\/p>\r\n\r\n

 <\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2022-01-28","end_date":"2022-05-03","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-01-17 18:20:34","updated_at":"2022-04-08 10:39:00","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/R511pBecu2uYPJPIhXxg.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/maud-cest-la-vie\/224","styleName":null,"slug":"maud-cest-la-vie","title":"Maud, c'est la vie!","image":"R511pBecu2uYPJPIhXxg.jpg","date":"28 ene 2022 > 03 may 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":223,"title_es":"D\u00edas maravillosos","subtitle_es":"Fotonoviembre 2021","description_es":"

Del 22 de octubre de 2021 al 1 de marzo de 2022<\/p>\r\n\r\n

Artistas: María Laura Benavente, Rubén Acosta, Anna Kanai, Sergio Acosta, Iván Ballesteros, Leopoldo Cebrián Alonso, Sonsoles Company, Rafael García Plaza, Carlos Labrador, Aaron Siskind, Evelyn Hofer, Thomas Ruff.<\/p>\r\n\r\n

Curaduría: Teresa Arozena <\/p>\r\n\r\n

Días maravillosos<\/em> aborda un posible relato fotográfico de la tardomodernidad en el particular territorio de Canarias. Su título hace referencia a la célebre narración de ciencia ficción del año 78 de J.G. Ballard. Bajo una forma epistolar, el autor nos transporta a una distópica isla, Gran Canaria, convertida en un extraño y paradisíaco campo de concentración. Su enorme potencia evocadora era ya capaz de transmitir con nítida claridad una idea inquietante sobre la industria turística y, sobre todo, en torno a ese zeitgeist o signo del tiempo que vino a culminar y definir toda una época de la que somos herederos. A modo de montaje dialéctico, confluyen en ella pasado y presente, imágenes de los fondos documentales, y de los fondos de arte del CFIT –Centro de Fotografía Isla de Tenerife–, dialogan con otras de fotógrafas y fotógrafos del presente de Canarias, que trabajan cuestiones localizadas sobre el territorio<\/p>\r\n\r\n

El valor inconmensurable del dispositivo documental en su potencial interpretativo –como espacio de relaciones donde construir lecturas del devenir de una comunidad– se hace patente a través del legado fotográfico de autores clave en la historia de la fotografía en Canarias como son Leopoldo Cebrián Alonso y Rafael García Plaza, cuyas imágenes contienen una rica memoria visual de ese momento histórico que abarca las décadas que transcurren entre los años sesenta y ochenta en Tenerife, en el que el boom inmobiliario y el desarrollo del turismo de masas como modelo económico prefiguran toda una forma de ordenamiento social. Estas nuevas condiciones no solo afectaron a un modo de darse la economía: formaron parte de una gran transformación estructural, ontológica, que supuso el desarrollo pleno de la modernidad en el mundo, mutación en la cual la noción de la industria del ocio, así como el par fotografía-turismo, suponen un engranaje fundamental.<\/p>\r\n\r\n

El mundo entero cambió, y las islas se salpicaron de paisajes con piscinas, de campos de golf, de grandes resorts y de parques temáticos. Todos ellos, en su representación ficcional de un paraíso impostado, evidenciaban con desparpajo aquello que planeaba en el relato de Ballard. En un clima de larga postguerra y transición democrática, la carga libidinal social liberaba su fantasía en la proyección y construcción de estos pequeños paraísos. El ser moderno escapaba a la insuficiencia, la muerte y el vacío creando una isla donde olvidarlo todo. Si la fotografía desde sus inicios se conceptualizó como «máquina del tiempo» por sus manifiestas funciones retentivas y registrales, tal vez se ha hecho mucho menos hincapié en sus evidentes capacidades de «nave espacial». Ya Berenice Abbott definía en 1941 el medio fotográfico como una «forma de transporte», pues «tiende puentes entre los océanos y los continentes, acerca tierras remotas y nos muestra a las gentes de países a los que no podemos viajar». Esta conquista del espacio por la imagen fotográfica define la esencia de la noción turística: toda una ordenación del conocimiento del mundo. Sistematización que aúna la contradicción de una necesidad romántica de escape y libertad individual con todo un sistema de valores coercitivo que establece un consenso universal sobre una visión del mundo de la que, como en el relato de Ballard, es imposible escapar<\/p>\r\n\r\n

La XVI Bienal Internacional de Fotografía Fotonoviembre,<\/strong> que organiza el Centro de Fotografía Isla de Tenerife, adscrito a TEA Tenerife Espacio de las Artes, se prolongará en parte hasta enero de 2022 y mostrará exposiciones tanto en TEA como en otros espacios culturales de la Isla de distintos municipios. Estructurada en cuatro secciones -Sección Oficial, Artistas en Selección, Atlántica Colectivas<\/em> y Focus<\/em>- la Bienal promueve, igualmente, un foro de encuentro e intercambio por medio de la realización diferentes actividades: talleres, seminarios, proyecciones, y recorridos fotográficos, que se desarrollan en paralelo al programa expositivo.<\/p>\r\n\r\n

Fotonoviembre 2021, festival que dirige la artista, fotógrafa y docente investigadora en la Universidad de La Laguna (ULL), Teresa Arozena, es un evento en el que se integran, bajo el denominador común de la imagen, distintos aspectos relacionados con el arte contemporáneo, las nuevas tecnologías, el patrimonio fotográfico, la creación personal y la evolución del propio medio. Esta bienal, que se celebra en Tenerife desde 1991, cumpliendo en esta edición su 30 aniversario, tiene ya un peso específico en la memoria colectiva de nuestra comunidad y fuera de ella, ofreciendo puntualmente un espacio vivo de encuentro, reflexión y diálogo en torno al medio fotográfico. Su principal misión es la de posibilitar un espacio de especulación y difusión en torno a la imagen entendida como medio de reflexión, comunicación y participación cultural.<\/p>\r\n\r\n

Esta bienal se ha convertido con el paso de los años en uno de los impulsores de la imagen fotográfica tanto en Canarias como en el exterior. Fundamentado, en un principio, en el estudio, la discusión y la difusión de la fotografía, el festival ha ido evolucionando y asumiendo, a lo largo de los años, la complejidad de la visualidad contemporánea, que determina en gran medida nuestra experiencia del mundo. Consolidado a lo largo de su trayectoria por la calidad, rigor y la participación de un gran número de artistas e instituciones, Fotonoviembre trata de tomar el pulso de la fotografía contemporánea y la relación que con ella establecen distintas disciplinas.<\/p>\r\n\r\n

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TEA Tenerife Espacio de las Artes muestra desde el 16 de abril de 2021 hasta el 30 de enero de 2022 Gravedad y órbita. Colecciones TEA.<\/em><\/p>\r\n\r\n

Artistas: <\/strong>Óscar Domínguez, Robert Disraeli, Agustín Jiménez Espinoza, Kurt Seligmann, Dora Maar, Denise Colomb, Wols, Eduardo Westerdahl, Jorge Oramas, Juan Ismael, Gordon Onslow-Ford, Emil Godés Hurtado, Raoul Ubac, Yves Tanguy, Andreas Schulze, Thomas Ruff, César Manrique, Carlos Rivero, Juan de la Cruz, Walter Marchetti, Tracey Moffat, Maribel Nazco, Carlos Matallana, Jorge González Santos, José Julio Rodríguez, Ana Mendieta, Salvo, Perejaume, Juan José Gil, Ana Laura Aláez, Frank Thiel, Adrián Alemán Bastarrica, Juan Bordes, José Pedro Croft, Juan López Salvador, Imi Knoebel, Tiago Carneiro da Cuhna, Pepe Espaliú, Ubay Murillo, Juana Fortuny, Yapci Ramos y Federico García Trujillo.<\/p>\r\n\r\n

Gravedad y órbita<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Una colección opera bajo un sistema supuestamente coherente, si bien la multiplicidad de significados y contextos nos hacen pensar que –al igual que en el cosmos– el caos y el azar son variables también omnipresentes. El irrefrenable deseo museístico por clasificar y ordenar –producir historia parece ser una de las funciones esenciales de los museos– busca siempre la existencia de variables acaso inmutables, como aquellas que apreciamos en el universo. Detectarlas es fundamental en el imparable afán por coleccionar del museo, en el que se aspira a registrar e, incluso, devorar de manera omnívora toda forma de conocimiento y expresión vinculadas a tiempos y momentos concretos. Así, para entender las leyes que ligan un conjunto de objetos en un museo es preciso preguntarnos sobre cuáles son, al menos, los centros gravitatorios de este sistema.<\/p>\r\n\r\n

En el caso de TEA, no hay duda en torno a la obra de Óscar Domínguez como planeta central, que permite trazar un relato de las vanguardias en el que las Islas y quienes las pueblan reclaman un papel que puede leerse como divergente; y precisamente por ello con su propia centralidad. Sin embargo, al abandonar la confortabilidad de ese primer núcleo, percibir si existen otros astros u órbitas resulta más complejo.<\/p>\r\n\r\n

Si obviamos la idea primigenia con la que nacieron cada una de las colecciones –atendiendo, por ejemplo, a la fotografía o a la adscripción a décadas concretas del pasado siglo– resulta más difuso entender el porqué de una u otras obras. No obstante, si nos acercamos atentamente se vislumbra una serie de preocupaciones o análisis que pueden circunscribirse a las inquietudes concretas de esta sociedad que es Tenerife, inscrita a su vez en un campo social más amplio. Territorio y paisaje, la crisis de los modos de vida que entendíamos como ortodoxos y cuestiones auto-referenciales en el arte, como lo matérico y su significado, podrían constituirse en esos ejes gravitatorios, que no graves. De ahí que La notte<\/em> (1961), película de Michelangelo Antonioni, evidencie lo que ya intuimos: la evanescencia de todo lo que creíamos imperturbable. Por ello, acercarnos a estas cuestiones con cierta ironía parece ser la última tabla de salvación.<\/p>\r\n\r\n

[Texto: Gilberto González]<\/p>\r\n\r\n

Programa Filtraciones<\/em><\/strong><\/p>\r\n\r\n

Filtraciones,<\/em> un programa de curaduría para artistas en la Colección TEA que se presenta como un espacio de reflexión sobre el acto de coleccionar y exponer, exhibe desde el sábado 11 de diciembre, a partir de las 12:00 horas, <\/strong>una nueva instalación de Federico García Trujillo<\/strong> (Tenerife, 1988), P. as BTC: Blockchain, pinceladas, planos y otros materiales para la construcción de un hogar. <\/em>Estas nuevas creaciones, en las que García Trujillo ofrece una reflexión en torno a las teorías de la pintura abstracta americana y la especulación financiera digital, <\/strong>pueden verse dentro de la exposición Gravedad y órbita. Colecciones TEA<\/em><\/strong>. En P. as BTC: Blockchain, pinceladas, planos y otros materiales para la construcción de un hogar<\/em>, el artista establece conexiones entre la colección permanente de TEA, su trabajo y el de Kenneth Noland, Frank Stella, Gerhard Richter, Álex Marco, Paulo Monteiro, Luis Palmero y José Luis Medina Mesa. Entrada gratuita.<\/p>\r\n\r\n

A través de Filtraciones<\/em> TEA abre un diálogo entre la práctica artística de distintos artistas y las ideas que subyacen en las colecciones de TEA. Sin embargo, no se trata de un comisariado al uso, si no que es la propia obra del autor o autora invitada la que piensa la intervención específica como un modo de establecer y hacer evidentes nuevas formas de relacionar las obras de la colección. Comisariar no es algo nuevo para los artistas, pero probablemente sean quienes mejor abran un proceso de relaciones entre obras que no puede sólo explicitarse en lo textual. Al igual que hizo Aby Warburg al relacionar imágenes y crear situaciones, la obra y la propia colección se muestram ahora nuevas complejidades que revelan capas antes no percibidas.<\/p>\r\n\r\n

El programa Filtraciones<\/em> se inició con Ubay Murillo (Tenerife, 1978) que presentó en este mismo espacio la intervención Ist das Europa?-La demolición (2021)<\/em>, una obra que explicitaba la relación entre vanguardias y el capital capaz de absorver cualquier proceso de comunicación y depués mostró el trabajo de Juana Fortuny. <\/p>\r\n\r\n

Ámbito 1. Óscar Domínguez<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Con Joan Miró y Salvador Dalí el pintor Óscar Domínguez (Tenerife, 1906-París, 1957) ha sido considerado como el tercer gran nombre que España da a la pintura surrealista. Una definición que de inmediato dibuja la constelación de nombres y la altura crítica en la que es necesario situar la creación plástica de este pintor alineado con las tesis más subversivas del Surrealismo. Óscar Domínguez no ha dejado de sorprendernos por su versatilidad en la inventiva de objetos, sus pinturas y sus múltiples construcciones surrealistas.<\/p>\r\n\r\n

Su incorporación al grupo surrealista de París, que entre 1924 y 1929 publica la más importante de las revistas del grupo La révolution surréaliste,<\/em> se produce, de forma tardía, en 1934. Sin embargo, mucho antes, ya desde sus primeras composiciones, en la obra de Óscar Domínguez asistimos a un planteamiento pictórico incontrolado e imaginativo en el que se inmiscuyen de forma constante las formas caprichosas y sobreabundantes, surrealizantes, que adopta la Naturaleza en Canarias, razón por la que, en el momento de su adscripción al Movimiento Surrealista, merece el calificativo de “surrealista espontaneo”.<\/p>\r\n\r\n

En este primer ámbito expositivo encontramos a Óscar Domínguez en relación a otros autores que, como él, se inscriben dentro de este segundo momento del Surrealismo, al que André Breton se refiere en un texto fundamental denominado “Les tendences les plus récentes de la peinture surréaliste” [“Las últimas tendencias de la pintura surrealista”], publicado en la revista suiza Minotaure, <\/em>en 1939. En este ensayo se describe una relación de autores que alcanzan su madurez creativa a finales de la década de los años treinta del siglo XX, y entre los que se encuentra el mismo Óscar Domínguez, quien en aquellos años se encontraba realizando su “período cósmico”, representado aquí por obras como Los platillos volantes<\/em> (1939).<\/p>\r\n\r\n

Otros autores coetáneos que igualmente practican una pintura alentada y motivada por un impulso gestual son Onslow Gordon Forg, Kurt Séligmann, Yves Tanguy y Raoul Ubac, entre otros, todos ello presentes en la colección TEA. Asimismo, esta primera sección se complementa con una muestra de la actividad editorial del grupo de vanguardia Gaceta de arte <\/em>(1932-1936), en el que, los más activos, serían los escritores Agustín Espinosa, Pedro García Cabrera, Emeterio Gutiérrez Albelo, Domingo López Torres, Domingo Pérez Minik y Eduardo Westerdahl, entre otros protagonistas de aquella señera generación.<\/p>\r\n\r\n

[Texto: Isidro Hernández]<\/p>\r\n\r\n

Gravedad y órbita<\/strong><\/p>\r\n\r\n

We presuppose that a collection is ruled by a coherent system, yet its multiplicity of meanings and contexts would also lead us to believe that, similarly to the universe, it is always subject to chaos and chance. The museum’s inherent desire to classify and order—after all, producing history is one of its basic functions—always looks for supposedly immutable variables, like those we imagine govern the universe. Identifying these variables is fundamental for the museum’s sustained mission to collect, in which it aspires to record and, one would might even say, to omnivorously devour every form of knowledge and expression associated with a specific moment or time. Accordingly, in order to understand the laws that bind a set of objects in a museum we first have to ascertain, at the very least, the system’s centres of gravity.<\/p>\r\n\r\n

In the case of TEA, there is no question that the work of Óscar Domínguez is a central planet, one that enables us to outline a story of the avant-gardes in which the Canary Islands and their inhabitants play a role that can be interpreted as divergent, and precisely because of that, possessing its own centrality. However, when abandoning the comfort of this core nucleus, perceiving the existence of other stars and orbits proves much more complex.<\/p>\r\n\r\n

If we overlook the initial idea that gave rise to each collection—centred, for instance, on photography or on specific decades of the past century—understanding the rationale behind a given artwork becomes much less evident. Having said that, if were to take a closer look, we could discern a series of concerns or analyses that are circumscribed to specific issues affecting this society which is Tenerife, at once inscribed within a much wider social realm. Territory and landscape, the crisis in ways of life which we once believed to be orthodox, and self-referential questions within art such as matter and meaning, would strike us as gravitational (not grave) elements, which is why Michelangelo Antonioni’s film La Notte <\/em>(1961) evinces something we had already intuited: the fleetingness of everything we believed to be unchangeable; and it seems that engaging with these issues, however ironically, is our last hope for salvation.<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2021-04-16","end_date":"2022-01-30","room_id":1,"permanent":1,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2021-04-12 10:45:36","updated_at":"2022-01-11 09:48:59","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/PEuS1Rdm2BBsLwUaMpkP.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/gravedad-y-orbita\/218","styleName":null,"slug":"gravedad-y-orbita","title":"Gravedad y \u00f3rbita","image":"PEuS1Rdm2BBsLwUaMpkP.jpg","date":"16 abr 2021 > 30 ene 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}}]