[{"id":238,"title_es":"\u00bfCu\u00e1nto dura un eco?","subtitle_es":"Fotonoviembre 2023","description_es":"

TEA acoge hasta el 31 de marzo ¿Cuánto dura un eco?,<\/em> exposición que forma parte de la Sección Oficial de la XVII edición de la Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife Fotonoviembre. La muestra se articula en torno a una generación de artistas que durante la segunda mitad de la década de los sesenta y en los setenta fotografiaron un movimiento de mujeres y un feminismo que irrumpió en la esfera pública. Son imágenes que cristalizan un mundo que no contemplaba la subjetividad de la mujer, en relación con las cuales se busca generar un sistema de correspondencias con otras artistas que se enunciaron desde una pluralidad de feminismos. (*La exposición que se muestra en la sala C se clausura el 17 de marzo)<\/p>\r\n\r\n

Curaduría: Violeta Janeiro Alfageme<\/p>\r\n\r\n

Irene de Andrés \/ Pilar Aymerich \/ Colectivo de Cine de Clase (Helena Lumbreras y Mariano Lisa) \/ Costa Badía \/ Cecilia Bartolomé Pina\/ Marcelo Brodsky \/ Cabello\/ Carceller \/ Cooperativa de Cinema Alternatiu \/ Colita\/ Teresa Correa \/ Maribel Domènech \/ Miriam Durango \/ Marisa González\/ Martha Graham \/ Juan Hidalgo \/ Lola Lasurt \/ Jana Leo \/ Manuel López\/ Helena Lumbreras \/ Paz Muro \/ Itziar Okariz \/ Ana Teresa Ortega \/ Paloma Polo\/ Diego del Pozo Barriuso \/ Maruja Roca \/ Florencia Rojas \/ Mireia Sentís \/ Gerda Taro\/ Anna Turbau \/ URA\/UNZ (Lourdes Durán\/ Paloma Unzeta) \/ Darío Villalba\/ María Zárraga \/ Aimée Zito Lema<\/p>\r\n\r\n

https:\/\/fotonoviembre.org\/2023<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2023-11-17","end_date":"2024-03-31","room_id":1,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":2,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-11-06 13:10:33","updated_at":"2024-03-01 11:39:33","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/koLJ4AuVOykruVl7kKn8.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/cuanto-dura-un-eco\/238","styleName":"Fotograf\u00eda","slug":"cuanto-dura-un-eco","title":"\u00bfCu\u00e1nto dura un eco?","image":"koLJ4AuVOykruVl7kKn8.jpg","date":"17 nov 2023 > 31 mar 2024","style":{"id":2,"name_es":"Fotograf\u00eda","created_at":null,"updated_at":"2009-01-13 19:28:50"}},{"id":233,"title_es":"\u00d3scar Dom\u00ednguez","subtitle_es":"La conquista del mundo por la imagen","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes exhibe Óscar Domínguez. La conquista del mundo por la imagen<\/em>, exposición que reúne más de setenta obras del artista tinerfeño, una de las figuras clave de la aventura surrealista y los movimientos de vanguardia del siglo XX. Esta nueva exposición presenta un conjunto de pinturas de los años treinta, su mejor período, con más de una docena de obras inéditas, procedentes de colecciones particulares internacionales y préstamos de algunas instituciones españolas, entre las que se incluyen El Drago de Canarias<\/em> y Cueva de Guanches<\/em>, que se suman a las obras propias de la Colección de TEA.<\/p>\r\n\r\n

Esta muestra -comisariada por el conservador de la Colección TEA, Isidro Hernández- puede visitarse de manera gratuita hasta el 29 de octubre, de martes a domingo y los festivos, de 10:00 a 20:00 horas. <\/p>\r\n\r\n

Junto a las obras de Domínguez, el visitante a la exposición se encontrará con creaciones de Maruja Mallo, Leonora Carrington, Victor Brauner, Roberto Matta , Remedios Varo, André Masson, Dora Maar, Manolo Millares, María Belén Morales, René Magritte, Yves Tanguy, Maribel Nazco, André Breton, Jeannette Tanguy, Georges Hugnet, Germaine Hugnet, Maud Bonneaud, Jacques Hérold, Paul Éluard, Pedro de Guezala, Gordon Onslow-Ford, Wifredo Lam, Marcel Jean, Anton Prinner, Louise Janin, Peter Sachs, Roland d’Ursel, Ernesto Fernando Baena Jover, Hans Bellmer y Luis Ortiz Rosales. Óscar Domínguez. La conquista del mundo por la imagen <\/em>se estructura en varios ámbitos en los que se <\/em>abordan temas cruciales en la obra del artista como son Cueva de Guanches<\/em>, El Drago de Canarias<\/em>, la pintura litocrónica, las creaciones cósmicas y se completa con una sección dedicada a la cronología de Domínguez.<\/p>\r\n\r\n

La conquista del mundo por la imagen<\/strong><\/em><\/p>\r\n\r\n

Si, para el Surrealismo, la imagen era una creación libre del espíritu<\/em>, una invención al margen de cualquier atadura con el mundo aparente o una maquinaria capaz de dinamitar la realidad inmediata y de abrirse a otros espacios imprevisibles, la pintura de Óscar Domínguez (Tenerife, 1906–París, 1957) ofrece una de las versiones más singulares de aquella apertura del pensamiento. La calidad plástica de su iconografía encuentra nuevas posibilidades dentro de la realidad y amplía, hasta el infinito, los horizontes de la imagen, sorprendiéndonos, de pronto, con una descarga onírica y visionaria, con un golpe sorpresivo del azar. Su pintura, sus dibujos y sus objetos constituyen una liberación de la imaginación que atacan, frontalmente, las rutinas, los prejuicios morales, todo lo consabido o adocenado.<\/p>\r\n\r\n

Óscar Domínguez es, en efecto, el visceral e imprevisible, el obsesivo y visionario, el inventor de la decalcomanía y el magnífico constructor de objetos surrealistas, el artífice de inquietantes realidades oníricas que sacuden –en palabras de Agustín Espinosa– “los raíles de un tren en llamas”.<\/p>\r\n\r\n

Su mundo poético procede, sin lugar a dudas, de una ontología propia, directa y vivencial, ligada a su juventud en el norte de la isla de Tenerife, donde se gesta una concepción irracional y sobreabundante del color y de los enigmáticos procesos de metamorfosis que van a acompañar a su obra a lo largo de toda su trayectoria. La suya es, en buena medida, una conquista del mundo por la imagen<\/em>, porque de ninguna otra manera podría calificarse una pintura y una intuición onírica presididas por un espíritu surrealizante en estado puro, impregnada de meta\u0301foras desafiantes y desviadas en perfecta consonancia con la maquinaria clandestina, vertiginosa e irracional del Surrealismo.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición quiere sumarse a los actos de celebración del centenario de la publicación del primer Manifiesto del Surrealismo<\/em>, escrito en el París de 1924. El Surrealismo, que inicialmente nace como una manifestación literaria a partir del libro Les champs magnétiques<\/em> [Los campos magnéticos<\/em>], escrito automáticamente en 1919 por André Breton y Philippe Soupault, se nutre de las ideas de los escritores Guillaume Apollinaire, Lautréamont, Pierre Reverdy y Saint-Pol-Roux, y construye su razón de ser sobre el concepto de la imagen poética, <\/em>extendiendo el alcance de su significación a todos los procesos de creación y dominios del arte. Así, en la redacción del primer Manifiesto del Surrealismo <\/em>(1924), André Breton asume la condición inconsciente<\/em> de la imagen y define el Surrealismo como “un automatismo psíquico puro, por el que se quiere expresar, ya verbalmente, ya por escrito, ya de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”. En efecto, si lo que se plantea es la necesidad de un nuevo lenguaje que exprese el funcionamiento real del pensamiento<\/em>, entonces se busca dar carta de naturaleza al discurso visual, analógico y autónomo de la mente; esto es, un lenguaje que haga de la imagen su principal unidad de acción, ajeno a preocupaciones estéticas y morales, y al margen de control lógico alguno.<\/p>\r\n\r\n

La imagen más surrealista será la que, al servicio de la versatilidad del juego, del sueño o de la enajenación, propicie el encuentro fortuito entre realidades distantes e irreconciliables para que surja la luz de la imagen<\/em>; una chispa visual del pensamiento, radicalmente visionaria, tal y como sucede en la actividad creadora de Óscar Domínguez, ya sea en su práctica pictórica, en la invención de objetos surrealistas, en su arrebatadas creaciones poéticas, o en la tinta libre y acuosa de la decalcomanía sobre papel. Aquí radica una de las claves del Surrealismo: dotar de sentido al ejercicio de la libertad creadora, entendiendo arte y vida como un único impulso en el que el azar, la subjetividad, el deseo, el humor negro y lo irracional se dan la mano.<\/p>\r\n\r\n

Junto con Esteban Francés, Salvador Dalí, Joan Miró y Remedios Varo, Óscar Domínguez conforma la constelación de pintores que España aporta al Movimiento Surrealista Internacional. La conquista del mundo por la imagen <\/em>no quiere ser una muestra antológica de su trayectoria, sino mostrar un conjunto de trabajos suficiente y cabal que den buena cuenta del alcance de su legado creativo.<\/p>\r\n\r\n

[Isidro Hernández. Comisario de la exposición y conservador de la Colección TEA]<\/p>\r\n\r\n

La exposición cuenta con la colaboración del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS), la Fundación Telefónica (Madrid), el Instituto Valenciano de Arte Moderno Centro Julio González (IVAM), ABANCA (A Coruña), Centro Atlántico de Arte Moderno de Gran Canaria (CAAM), Presidencia del Gobierno de Canarias, LM Colección (Tenerife), Gobierno de Canarias, Loro Parque (Tenerife), Fundación CajaCanarias; las galerías Guillermo de Osma (Madrid), Leandro Navarro (Madrid), Applicat-Prazan (París), Galerie Dil (París), Galerie 1900-2000 (París), Galerie Le Minotaure (París), Galerie Malingue (París) y de colecciones privadas de Madrid, Santander, París, Bruselas, Dijon, Basile, Zurich y Tenerife.<\/p>\r\n\r\n

Óscar Domínguez<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Tanto por la calidad subversiva de sus creaciones como por su participación de forma activa en el Surrealismo -episodio crucial en las artes de la Vanguardia del siglo XX-, Óscar Domínguez ha sido considerado, junto con Joan Miró y Salvador Dalí, “el tercer gran nombre” que España da a la pintura surrealista. Si bien la infancia de Domínguez transcurre entre los municipios tinerfeños de La Laguna y Tacoronte -donde su familia contaba con haciendas y plantaciones-, a partir de 1927 combina su residencia en París con varios viajes a su isla natal, hasta que, ya a partir de 1936, la capital francesa se convierte en su hogar definitivo hasta su muerte, el 31 de diciembre de 1957.<\/p>\r\n\r\n

Desde sus composiciones de principios de los años treinta -La bola roja<\/em> (1933) o Le dimanche<\/em> (1935)-; pasando por la genialidad de sus pinturas cósmicas -Los platillos volantes<\/em> (1939)- y superando el período metafísico y la asimilación del estilo picassiano, ya en la década de los cuarenta -Mujer sobre el diván<\/em> (1942)-; hasta alcanzar su técnica del triple trazo y, posteriormente, la etapa informalista que caracteriza a sus últimas obras -Delphes<\/em> (1957)-, la predisposición de Domínguez hacia una imaginación pictórica plena y su permanente experimentación lo convierten en una figura clave en el contexto del movimiento surrealista.<\/p>\r\n\r\n

La contribución fundamental de Óscar Domínguez a las artes del siglo XX fue la invención de la decalcomanía, según explica el Dictionnaire Abrégé du Surréalisme<\/em> firmado por André Breton y Paul Éluard en 1937. Esta técnica pictórica es uno de los procedimientos más emblemáticos del automatismo gestual. El artista tinerfeño se caracteriza por una práctica pictórica de una gran intuición onírica, presidida por un espíritu liberador en estado puro en perfecta consonancia con la maquinaria clandestina, vertiginosa e irracional que propone el Surrealismo.<\/p>\r\n\r\n

 <\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2023-04-28","end_date":"2023-10-29","room_id":1,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":1,"ticket_url":null,"oscar":1,"hidden_web":0,"created_at":"2023-04-18 10:36:48","updated_at":"2023-05-05 13:24:42","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/IjhaIDvAUmOkcm4WpUX3.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/oscar-dominguez\/233","styleName":"Pintura","slug":"oscar-dominguez","title":"\u00d3scar Dom\u00ednguez","image":"IjhaIDvAUmOkcm4WpUX3.jpg","date":"28 abr 2023 > 29 oct 2023","style":{"id":1,"name_es":"Pintura","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":235,"title_es":"Histeria","subtitle_es":"La trasgresi\u00f3n del deseo","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes exhibe Histeria. La trasgresión del deseo, <\/em>una exposición comisariada por Pilar Soler Montes. La muestra, que es de acceso libre, se puede visitar en este espacio hasta el 22 de octubre, de martes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. <\/p>\r\n\r\n

Histeria. La trasgresión del deseo<\/em> transita la influencia y el interés del movimiento surrealista por recuperar el imaginario en torno a la histeria inventado por el doctor Jean-Martin Charcot en su famosa Iconografía fotográfica de la Salpêtrière.<\/em> En los volúmenes que componían este estudio, se clasificó por medio de fotografías a las pacientes que representaban con sus cuerpos diferentes estadios de la enfermedad.<\/p>\r\n\r\n

La idea de la histeria interesó al grupo surrealista desde sus orígenes porque simbolizaba, junto a la criminal y a la prostituta, una mujer contraria a la norma y a la moral burguesa. Y le permitía demostrar aspectos psicológicos y morales representados a través de rasgos fisionómicos y estéticos. Un recurso usado por la ciencia y la antropología desde el siglo xix que sirvió al arte para representar el cuerpo femenino y convertirlo en un producto de consumo.<\/p>\r\n\r\n

En este intento de revisar desde una mirada contemporánea una historia perversa y la naturaleza de las imágenes que ilustran este concepto, se puede observar la ausencia —deliberada— de mujeres artistas en esta exposición, con el fin de remarcar que el tema tratado responde a una mirada masculina que crea un juego de repulsión y deseo determinante en la concepción de la idea que los surrealistas buscaban para escenificar la nueva belleza que estaban inventado, y que en la exposición se muestra por medio de conexiones y encuentros, desplegados en una cartografía para establecer una red de relaciones entre imágenes, obras, y documentos.<\/p>\r\n\r\n

Este intento de revisión del concepto de histeria lo podemos ver en la La revolución surrealista,<\/em> donde André Breton y Louis Aragón celebraron en 1928 el cincuentenario de la histeria, proponiendo además una nueva definición para alejarla de la enfermedad y remarcar su «expresión poética». Esta nueva definición aparecía de nuevo en el Diccionario surrealista<\/em>, editado como catálogo de la exposición que se realizó en 1938 en la Galería de Bellas Artes de París, donde se prometía al público un ataque de histeria que estaría escenificado por la bailarina Hélene Vanel, y que podemos ver en una serie de fotografías que documentan el evento.<\/p>\r\n\r\n

También podemos observar cómo Max Ernst, fascinado por el erotismo de la iconografía de la histeria, recortaría los libros de Charcot para usarlos en sus collages<\/em> e ilustrar Una semana de bondad <\/em>descontextualizando los cuerpos convulsos que mostraban el ataque de histeria para representar a mujeres en éxtasis que levitaban en una serie de historias de amor y violencia.<\/p>\r\n\r\n

En El fenómeno del éxtasis<\/em>, <\/em>Salvador Dalí representó el concepto de «belleza caníbal», al que alude en el texto que acompaña al collage<\/em>, utilizando una foto de Brassai y a su alrededor recortes de imágenes pornográficas, enfermas, partes de cuerpo de fichas policiales para crear una composición que recuerda los atlas criminales realizados por Cesare Lombroso, y que aparecían en libros como La mujer delincuente. La prostituta y la mujer normal.<\/em><\/p>\r\n\r\n

Este imaginario inspiró también los tratados más modernos de danza de la época como Los sentimientos, la música y el gesto<\/em> escrito por Albert de Rochas en 1900. Las fotografías del libro muestran los gestos y movimientos que las bailarinas debían aprender, y reflejan una clara similitud con las posturas de las enfermas fotografiadas en los volúmenes de la iconografía de la histeria. Incluso la clasificación de las fotografías y la manera de justificar las diferentes expresiones sigue el modelo que Charcot inventó.<\/p>\r\n\r\n

En la exposición vemos cómo estas imágenes han seguido influenciando hasta la actualidad a diferentes artistas en su visión, representación e invención del cuerpo femenino, mostrándolo en una serie de movimientos y posturas que convierten a la mujer en un objeto, como en la serie Cowboys and Girlfriends <\/em>realizada en 1992 por Richard Price, o Cargol, homenaje a Topor <\/em>de Joan Foncuberta en 1975, en donde una joven aparece en la misma postura que el doctor Charcot calificó como actitud pasional.<\/p>\r\n\r\n

Texto de la comisaria Pilar Soler Montes<\/p>\r\n\r\n

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 <\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2023-06-23","end_date":"2023-10-22","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-06-08 10:49:58","updated_at":"2023-10-11 12:55:49","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/RwKel24rfRIexSlonWSH.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/histeria\/235","styleName":"Mixto","slug":"histeria","title":"Histeria","image":"RwKel24rfRIexSlonWSH.jpg","date":"23 jun 2023 > 22 oct 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":234,"title_es":"Jorge Eduardo Eielson","subtitle_es":"El nudo vertical","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes expone hasta el 10 de septiembre la exposición Jorge Eduardo Eielson. El nudo vertical.<\/em><\/p>\r\n\r\n

Comisariado: Imma Prieto<\/p>\r\n\r\n

Coproducción con Es Baluard Museo de Arte Contemporáneo de Palma<\/p>\r\n\r\n

De marcado carácter disidente, la figura del poeta, escritor y artista visual Jorge Eduardo Eielson (Lima, 1924-Milán, Italia, 2006) supuso la aparición de una voz rupturista en los procesos de la modernidad latinoamericana. La exposición «El nudo vertical», brinda la oportunidad de examinar su producción artística desde finales de los años cincuenta hasta sus últimos trabajos realizados. La complejidad de su trabajo, vinculado a una biografía marcada por la disidencia, hace de Eielson uno de los artistas plásticos y poetas más radicales, en el sentido íntegro de la palabra, y poliédricos, con diversos modos de cuestionar el mundo en el que vivimos a través de una síntesis de elementos gráficos y referencias culturales.<\/p>\r\n\r\n

Jorge Eduardo Eielson. El nudo vertical<\/em><\/strong><\/p>\r\n\r\n

El universo se abre en la tela a partir de nudos infinitos, cuerdas anudadas que son escritura, símbolo y comunicación. Tensiones en el espacio que horadan el lugar en el que se encuentran para llegar a un más allá físico, real e invisible a los ojos humanos. Un espacio, otro, encontrado en ese cuerpo estelar que tantos significados nos esconde aún. Jorge Eduardo Eielson (Lima, 1924 - Milán, 2006) abre y facilita espacios verticales que cambian el rumbo del tiempo en un modo chamánico, sabiendo que lo temporal es una complejidad donde toda imagen proviene de una visión previa e infinita.<\/p>\r\n\r\n

La exposición que presentamos, titulada «El nudo vertical», brinda la oportunidad de examinar su producción artística desde finales de los años cincuenta hasta sus últimos trabajos. Eielson es un artista con una poética radical poliédrica que presenta diversos modos de cuestionar el mundo en el que vivimos a través de una síntesis de elementos gráficos y referencias culturales. Este carácter retrospectivo inédito en Europa explora la relación que tiene el espacio de las artes plásticas con la literatura poética desde un diálogo fructífero en el que aparece la reflexión estética alrededor del lenguaje. Una estructura en la cual el símbolo apunta hacia un origen que corresponde a códigos gráficos y visuales que apelan a la razón y la intuición.<\/p>\r\n\r\n

Eielson es conocido, por su labor, como uno de los poetas renovadores de la Generación del 50, junto a exponentes de la literatura peruana tan importantes como la poeta Blanca Varela o escritores como Julio Ramón Ribeyro, Sebastián Salazar Bondy o Javier Sologuren. Cabe señalar la importancia de su obra desarrollada desde el autoexilio europeo, un complejo y siempre cambiante cuerpo de obra con el cual va a iniciar un diálogo inédito con aspectos de la cultura precolombina, teniendo como elemento clave una significativa influencia y actualización de los khipus o nudos de la cultura andina. Los khipus configuran un sistema de nudos o cuerdas anudadas utilizadas en el registro de información contable y\/o narrativa en los Andes. Esta forma de escritura sin palabras ni papel combinaba la experiencia táctil y visual para codificar y decodificar significados. El nudo aparece como una fórmula de representación universal metafórica de la complejidad que caracteriza al conjunto de la sociedad. Si su escritura de los años cincuenta y sesenta nos acerca a lugares que orbitan en torno a la imagen poética, sus telas presentan paisajes y cuerpos de una manera contemporánea.<\/p>\r\n\r\n

En sus paisajes iniciales, el espacio blanco camina hacia nuestros ojos como una superficie arañada y torsionada por la memoria. El lugar que encontramos no es solo la tierra vista o recordada, sino esas instancias vividas en fragmentos matéricos que se reconocen desde una experiencia corporal y física. Son cuerpos que se desdoblan desde la ausencia y la presencia de un espacio infinito y atemporal que acoge imágenes vívidas. Es importante señalar la aparición de la grieta y el desgarro como una huella que abarca un nuevo horizonte. Estas obras tempranas creadas bajo el auspicio del paisaje de la costa de Perú son el testimonio de un espacio ambivalente, entre el horizonte comprendido como una línea espacial y el hueco y la hendidura que conducen hacia una tridimensionalidad adecuada a un instante de eternidad.<\/p>\r\n\r\n

En sus paisajes se filtran las distintas tonalidades de la costa que lo vio nacer, una tierra gris, caliginosa y neblinosa en proyección. Una cromática matérica que muestra cómo Eielson introduce en su pintura objetos y volúmenes que contienen un cuerpo encarnado. Son restos de ropa, retazos de camisas, pantalones o corbatas como símbolos de un desgarro compartido en la desfiguración, son signos del autoexilio en el que vivió casi toda su vida. Como si el paisaje fuese una imagen que contiene mucho más de lo que presenta, las telas amplían esta presencia de la materia, donde la memoria nos dirige hacia el ser humano.<\/p>\r\n\r\n

De un modo simultáneo, Eielson juega con esas tensiones derivadas del tejido, telas que acercan hacia lo que será una de sus constantes a lo largo de toda su trayectoria. Las operaciones de escritura y lectura de los khipus estaban en manos de los khipukamayoc, auténticos detentores y guardianes de la gramática, como un orden estructural de un mundo en el que la información ya era auténtico poder. Las relaciones entre el pasado precolombino y su tiempo llevaron a Eielson a realizar representaciones en las que ese orden cósmico chamánico y ritual queda sintetizado a partir de una expresión de lo esencial. Cuerpos y presencias que dan vida a formas procedentes de visiones a través de escenas originadas a partir de la experiencia de otros estadios de conciencia.<\/p>\r\n\r\n

Conocedor del sistema lingüístico de su tierra natal, Eielson no diferencia la escritura que dispone en el lienzo o en la hoja porque se propone desvelar espacios de acogida de aquellos signos que comunican cuerpo y lenguaje. Es así como va a generar un nuevo espacio caracterizado por la utilización de estos nudos. Serán, de nuevo, paisajes, entendidos como una interfaz donde se abren grietas capaces de mostrar otras formas de pensamiento, como ponen de manifiesto sus amplias series de khipus o, sobre todo, la obra titulada Alfabeto (1973). Los espacios se abrirán y dialogarán en la superficie de la tela con los nudos y el color, llevando a cabo una simplificación y depuración de elementos y conceptos que nos llevan a preguntarnos qué hay más allá. Ese cuerpo infinito que es el universo se convertirá en obsesión y guía donde pensar lo ilimitado.<\/p>\r\n\r\n

De algún modo, sus nudos empezarán a habitar el espacio real en el que se encuentran, generando nuevas situaciones y presencias. Sus investigaciones se dirigen a pensar el espacio en toda su amplitud y a señalar cómo algunos elementos parten de una serie de tensiones que apuntan al más allá, donde lo infinito atraviesa el universo. Algunas de las tensiones generadas apuntan de nuevo fuera de campo, dándonos a conocer que todo prosigue. Es importante subrayar que estos trabajos conducen a otro tipo de ejercicio donde el cuerpo se introduce en la escena generando movimiento. Serán cuerpos cubiertos con telas anudadas, escrituras imposibles que generan nuevas danzas de significado, como la performance que presentó en la Bienal de Venecia en 1972 titulada El cuerpo de Giulia-no, la obra Paracas-Pyramid [Pirámide Paracas] (1974) o la instalación-performance Primera muerte de María (1988), presentes en esta exposición.<\/p>\r\n\r\n

El trabajo de Jorge Eduardo Eielson es un corpus de mundos que convergen y dialogan: el pasado precolombino y el azul de cierta mitología mediterránea, la escritura y la plástica, la concreción del signo y el infinito del espacio. En definitiva, un lugar que se construye a partir de la comunicación entre símbolos que se saben deudores de realidades diferentes, generando una entidad nueva que apunta a la comunicación. Su obra abre significados del pasado que señalan hacia un futuro donde las constelaciones y sus correspondencias son simbiosis abstractas que vinculan memoria, escritura e infinito.<\/p>\r\n\r\n

[Texto: Imma Prieto]<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":"Jorge Eduardo Eielson","start_date":"2023-06-30","end_date":"2023-09-10","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-06-07 12:17:04","updated_at":"2023-07-03 12:20:19","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/hFVcf4raBmEeR2PqEO0K.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/jorge-eduardo-eielson\/234","styleName":"Mixto","slug":"jorge-eduardo-eielson","title":"Jorge Eduardo Eielson","image":"hFVcf4raBmEeR2PqEO0K.jpg","date":"30 jun 2023 > 10 sep 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":231,"title_es":"Lo que pesa una cabeza","subtitle_es":"Escultura tras el 73","description_es":"

Los dos únicos encuentros de Escultura en la Calle celebrados en Tenerife en 1973 y en 1994 plantearon cuestiones distintas y sin embargo consecutivas. En el primero parecía planear la idea de la escultura como una disciplina capaz de resignificar el espacio público. Frente al que entonces era un poder asfixiante, se presentaban un rosario de elementos que convocaban y acompañaban a la ciudadanía como una eclosión colectiva e ilusionante que no celebraba victorias o derrotas, sino cuestiones aparentemente más triviales, pero centrales en el discurrir de la vida. Fue en ese sentido y tras una convocatoria masiva que un buen número de obras plantearon infinidad de variantes, lenguajes y posibilidades. El segundo encuentro, sin embargo, giró en torno a las ideas nacidas de un simposio celebrado a tal efecto, y en el que se cuestionaba si el espacio público necesitaba, ya por aquel entonces, más escultura.<\/p>\r\n\r\n

¿Esto que vemos en sala es un tercer encuentro? No, no aspira a serlo, pero sí recoge de nuevo las preguntas e intenta contestar de manera por supuesto sesgada a alguna de ellas. En 2023 cuando nuestras relaciones públicas e íntimas parecen estar casi sublimadas al campo de lo virtual y cuando la esfera de lo público es cada vez más cuestionada, debemos preguntarnos en qué modo la escultura puede ser un reflejo de la disolución de todo lo que hasta ahora dábamos por sentado. Al reinstalar Penetrable<\/em> de Jesús Soto, la misma obra acaba por confirmar el carácter premonitorio que ya tuvo en los dos encuentros. Frente a otra de las obras más emblemáticas como es El Guerrero de Goslar <\/em>de Henry Moore —esta obra es en realidad posterior ya que en 1973 se presentó Figura Reclinada<\/em>— Soto plantea algo que no es escultura per se, que tiene un innegable carácter lúdico y a causa de esto se vuelve perecedera.<\/p>\r\n\r\n

El pavor a un accidente, la duda de si puede o no pervivir sin vigilancia, hacen que la misma sólo exista, y esto es probablemente lo más fascinante, en la mente de quienes la vieron o creyeron verla. La cuestión es que Soto, que encarna lo mejor del modernismo latinoamericano y en muchos aspectos el optimismo de una América que no fue, acabada por el desgaste de sus propias piezas; alineándose de manera involuntaria con escultoras como Eva Hesse o Franz West, que ahondando en cualidades tan poco escultóricas como lo blando, lo informe y lo inaprensible, vislumbraron un tiempo de desesperanza que es el nuestro. Penetrable <\/em>nos recuerda algo tan simple y que, sin embargo, no siempre percibimos, como que la vida nos desgasta. Así lo que encontraremos en estas salas son obras, digamos miedosas en cuanto dan por perdida la batalla del tiempo, no pretenden en la mayor parte de las ocasiones perdurar, sino que, al contrario, se presentan como reflexiones urgentes sobre la fragilidad de lo material y del propio espacio.<\/p>\r\n\r\n

Así el yeso, el papel maché, lo textil, pero también las fibras plásticas y el vidrio hacen lo que hace habitualmente la escultura: ocupar un espacio y presentar toda su carga ideológica. No olvidemos que hasta la evasión apelando a lo estético es una actitud política, pero lo hacen en un espacio que se resiste a perder su dimensión pública, el museo, como reducto de lo que aún aspiramos sea un foro de desacuerdo cordial. Joan Miró vuelve a estar presente, como lo estuvo en 1973, pero a través de una serie de marionetas que inactivas son esculturas blandas y que, sin embargo, en el video de Sarah Maldoror, cobran la dimensión del cuerpo que nos remite a las opciones que abrió ese primer encuentro. Planteamos así una opción que no fue tal, entre lo inamovible, como es el caso de Femme Bouteille<\/em> —la obra actualmente instalada en Avenida Asuncionistas— o lo ambulante, lo móvil y lo disruptivo que nos remite a toda esa tradición que la escultura, digamos rígida, es a veces incapaz de recoger.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición junto con Este puede ser el lugar<\/em> en la sala C deben entenderse entre el conflicto y el diálogo, como un tándem en el que la escultura y las artes vivas o en movimiento, juegan un papel fundamental como escenario de nuevas formas artísticas. Tenemos las mis mas dudas pero quizá cincuenta años después respuestas nuevas<\/p>\r\n\r\n

Curaduría: <\/strong>Néstor Delgado + Gilberto González + equipo TEA<\/p>\r\n\r\n

Artistas: <\/strong>David Bestué, Juan Bordes, Tony Cruz Pabón, Victoria Encinas, Petrit Halilaj, Esther Ferrer, Adelaida Arteaga Fierro, Fuentesal Arenillas, Eduardo Gregorio, Guenda Herrera, José Herrera, Lecuona y Hernández, Eva Lootz, Paula García-Masedo, Sarah Maldoror, Mónica Mays, David Medalla, Ana Mendieta, Laura Mesa, María Belén Morales, Aurelia Muñoz, Mònica Planes, Carlos Rivero, Lotty Rosenfeld, Jorge Satorre, Teresa Solar, Jesús Rafael Soto, Peter Fischli & David Weiss<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2023-03-03","end_date":"2023-06-04","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-02-16 10:09:12","updated_at":"2023-04-27 11:41:48","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/EtL9XRCL6nxuAWh1tqTy.JPG\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/lo-que-pesa-una-cabeza\/231","styleName":"Mixto","slug":"lo-que-pesa-una-cabeza","title":"Lo que pesa una cabeza","image":"EtL9XRCL6nxuAWh1tqTy.JPG","date":"03 mar 2023 > 04 jun 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":232,"title_es":"Este puede ser el lugar","subtitle_es":"Performar el museo","description_es":"

A modo de coreografía hemos pensado este espacio, como una composición de piezas de diversas disciplinas artísticas, entre ellas el teatro y la danza. No reconocidas hasta hace bien poco por el museo. Piezas híbridas por su naturaleza, por el ámbito en la que se ha situado a quien las crea, por estar descontextualizadas, pero con algo siempre en común, el cuerpo y el gesto performativo como materia prima. El cuerpo interviene para transformar la materia, como el campo de acción y batalla, como obra sometida al gesto.<\/p>\r\n\r\n

Ponemos el foco en las fricciones al relacionar las artes escénicas y los museos evidenciando una artificialidad ante las ausencias de las denominadas artes vivas, y cuyas fronteras con otras manifestaciones artísticas no son tan claras.<\/p>\r\n\r\n

Bajo un mismo espacio expositivo se integran piezas materiales e inmateriales, voces y gestos, restos de acciones, pero también piezas escénicas y fílmicas, así como los cuerpos de los intérpretes -archivos de la memoria- junto a los propios movimientos de los visitantes que activan las obras.<\/p>\r\n\r\n

¿Qué ocurre al poner estas piezas en diálogo? pero de tú a tú, en un mismo espacio, ¿Qué ocurre si colocamos una escenografía a modo de instalación artística en una sala expositiva? ¿Podemos proyectar en el museo una grabación de una obra de teatro del mismo modo que una pieza de videoarte? ¿Qué diferencia existe entre el video de una performance cuyo creador proviene de las artes visuales y la grabación de una pieza de danza por parte de un coreógrafo? ¿Cuál es el valor en el mercado de una escenografía de un artista visual y una escenografía de un director de escena? O ¿qué lugar ocupan las piezas escénicas frente al arte de acción o el happening en la colección de un museo?<\/p>\r\n\r\n

En este sentido el objetivo no es reclamar un espacio de lo escénico dentro del museo sino el diálogo de una disciplina artística con el resto, de modo que se enriquezca una institución que pretende ser el reflejo de la sociedad y el tiempo en la que vivimos. De ahí que el título de la exposición quede como un final abierto: Este puede ser el lugar.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición junto con Lo que pesa una cabeza<\/em> en la sala B deben entenderse entre el conflicto y el diálogo, un tándem en el que la escultura y las artes vivas juegan un papel fundamental como escenario de nuevas formas artísticas.<\/p>\r\n\r\n

Artistas: <\/strong>El Conde de Torrefiel, Lucinda Childs, Bob Fosse, Bruce Nauman, William Forsythe, Pedro Garhel, Laia Estruch, Isidoro Valcárcel Medina, Nora Chipaumire, Radouan Mriziga , Alberto Portera, Manolo Millares, Heidi Bucher, Pina Bausch, La Ribot, Les Luthiers, Angélica Liddell, Pipo Hernández\/Israel Galván, Trajal Harrell y Cecilia Bengolea, François Chaignaud, Jérôme Bel, <\/em>Lia Rodrigues, Dimitris Papaioannou y María Jerez.<\/p>\r\n\r\n

Curaduría:<\/strong> Natalia Álvarez Simó y Javier Arozena<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2023-03-03","end_date":"2023-05-30","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2023-02-16 10:11:48","updated_at":"2023-05-22 13:09:42","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/P3gEJxufq7WBVgr1Dl8s.jpeg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/este-puede-ser-el-lugar\/232","styleName":"Mixto","slug":"este-puede-ser-el-lugar","title":"Este puede ser el lugar","image":"P3gEJxufq7WBVgr1Dl8s.jpeg","date":"03 mar 2023 > 30 may 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":225,"title_es":"Museo moderno, desandar el camino","subtitle_es":"Colecciones TEA","description_es":"

Museo moderno, desandar el camino<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Con la modernidad, como proyecto ilustrado de transformación radical, parecía activarse la promesa de un futuro brillante que superase la tradición, la clase, la raza, el género... pero su motor, movido por la historia, como narración de un progreso lineal, no ha parado de griparse por la incapacidad para procesar las impurezas de la vida colectiva. El museo se presenta así, como humo, fruto de la combustión de este motor renqueante que acaba por impregnar todo de un hollín untuoso e irritante.<\/p>\r\n\r\n

El dispositivo museístico es una estructura que se convierte en ciencia a través de su práctica -la museología y la archivística-. Tiende así a homogeneizar las imágenes como parte de su propio proceso metabólico, sustituyendo la carga política de cada objeto por la veneración. Esto es, en parte, porque como institución buscamos un consenso universalista y difícilmente podemos mostrar el arte como expresión -individual o colectiva- de una posición política consciente. Por ello, como templo de un nuevo orden -probablemente también seamos ya de otro tiempo-, sustituimos un sistema de concepción teológico por otro en el que el autor acaba por sustituir a Dios.<\/p>\r\n\r\n

Esta propuesta expositiva persigue acercarnos a través de cinco ámbitos a una serie de obras que de un modo u otro niegan o evidencian la imposibilidad de presentar la historia como una sucesión homogénea a la que cada generación estaría convocada. Para ser del todo sinceros, la exposición parte también de la necesidad de hacer evidente un conflicto institucional. ¿Somos un Museo Moderno o un Museo Contemporáneo? La cuestión, al menos para quienes hacemos el museo y por tanto sus colecciones, es fundamental porque el término moderno, que en sí mismo es confuso -modernidad, modernismo, más las variantes anglosajonas e historiográficas-, cierra en cierta forma la posibilidad del cuestionamiento como estructura y allana el camino hacia el gran archivo que, a modo de repositorio, habría de hacernos entender un pasado común. En el término contemporáneo, sin embargo, encontraremos la imposibilidad de ese pasado común sustituyéndolo por la certeza de que llegamos a este presente con mochilas muy distintas, haciendo sumamente difícil un espacio de confluencia, pero, y esto es vital, tanto si optáramos por uno u otro debemos preguntarnos a qué orden social sirve el museo y qué espacio ocupa cada persona en él.<\/p>\r\n\r\n

El hilo narrativo de esta presentación de la colección recae en algunas imágenes del Archivo Francisco Lora (ca. 1925-2000) donado a su muerte al CFIT-TEA. En concreto, en aquellas pertenecientes al periodo de los últimos años 70 y principios de los 80, justo antes de iniciarse muchos de los grandes planes de infraestructura y modernización económica propiciados en parte por los Fondos Europeos. Lora documenta Santa Cruz, con especial atención al barrio de San Andrés, situado entre los procesos desarrollistas del tardo franquismo y los difíciles primeros años de democracia. En la mayor parte de las ocasiones son retratos de vida, tanto de la calle como de escenas domésticas, en las que muchos de nosotros hemos de reconocernos. Pero es en este relato cruzado, donde las imágenes nos interpelan más que ningunas otras de las que entraron al museo, como parte del gran relato del arte y que, sin embargo, acaban por preguntar lo mismo: quiénes éramos y quiénes somos.<\/p>\r\n\r\n

Gilberto González [Director artístico de TEA Tenerife Espacio de las Artes]<\/p>\r\n\r\n

Museo moderno, desandar el camino<\/em> exhibe obra de Elvira Alfageme, Vasco Araújo, Jon Mikel Euba, Adrián Alemán Bastarrica, Tony Gallardo, Bernardino Hernández, Pérez y Requena, Carlos Schwartz, Santiago Palenzuela, Martín Chirino, Engel Leonardo, Pilar Cotter, Stipo Pranyko, Dominique Ratton, Aurèlia Muñoz, Juana Fortuny, Janusz Maria Brzeski, Francis Joseph Bruguière, Óscar Domínguez, André Breton, Victor Brauner, Jacques Herold, Remedios Varo, Jacqueline Lamba, Wifredo Lam, José Luis Alexanco, Eulàlia Grau, Cándido Camacho, Ilse Bing, Barbara Morgan, Dan Graham, Wolfgang Tillmans, Pipo Hernández, Magnolia Soto, Laura Gherardi, René Magritte, Jorge Oramas, Juana Francés, Hector Hyppolite, Franz Roh, Pepa Izquierdo, Carlos Chevilly, Silvia Navarro, Lola Massieu, Manolo Millares, César Manrique, Amalia Avia, Muntean\/Rosenblum, NRED Arquitectos, Juan Hidalgo, Walter Marchetti, Eusebio Sempere, Francisco Lora, José Luis Fajardo, Joaquín Rubio Camín, Esperanza D’Ors, Olga de la Nuez, Juan Botas Ghirlanda, Pancho Lasso, Claude Cahun, Pino Ojeda, Julio Le Parc, Carmen Arozena, Céline Condorelli, Mariano Benlliure y Gil, Robert Hobbs y del programa Por Asalto.<\/p>\r\n\r\n

Abierta de martes a domingos, de 10:00 a 20:00 horas, Museo moderno, desandar el camino<\/em> se enriquece además con una serie de obras en préstamo que refuerzan el discurso de la exposición como son las piezas de Pancho Lasso y de Julio Le Parc, de la Colección del Museo Internacional de Arte Contemporáneo MIAC-Castillo de San José; de Juan Botas Ghirlanda, de una colección particular; el busto de Simón Bolívar, del Museo Municipal de Bellas Artes; y un textil de Olga de la Nuez y un grabado con dibujo de Carmen Arozena, del Museo Insular de La Palma.<\/p>\r\n\r\n

Filtraciones. <\/strong>TEA presentó el viernes 14 de octubre <\/strong>una nueva obra de la artista Raisa Maudit (La Palma, 1986), una instalación escultórica y sonora titulada La Grieta La Revelación<\/em>.<\/strong> Esta creación, que se muestra dentro de la exposición Museo moderno. Colecciones TEA<\/em>, forma parte de de Filtraciones,<\/em> un programa de curaduría para artistas en la Colección TEA que se presenta como un espacio de reflexión sobre el acto de coleccionar y exponer. <\/p>\r\n\r\n

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The Modern Museum, Retracing Our Steps<\/p>\r\n\r\n

Modernity, inasmuch as an enlightened project of radical transformation, appeared to hold out the promise of a brilliant future that would overcome tradition, class, race, gender... but its engine, driven by a history narrated in linear progression, has never stopped seizing up because it is unable to process the impurities of collective life. The museum is like the exhaust fumes, the result of the combustion of this spluttering engine which ends up covering everything with an irritating coat of oily grime. The museum device is a structure turned into a science through its practice of museology and archivism. Accordingly, as part of its metabolic process, it tends to homogenize images and replace the political charge of each object with veneration. This is partly due to the fact that, as an institution, we look for a universalist consensus and it is difficult for us to show art as an individual or collective expression of a consciously adopted political position. For this reason, as a temple of a new order—and probably also of another time-—we replace a theologically conceived system for another in which the artist ends up taking the place of God.<\/p>\r\n\r\n

The idea behind this exhibition is to bring us closer, through five different areas, to a series of works that, in one way or another, refute or evince the impossibility of presenting history as a homogeneous succession each new generation is invited to prolong. To be perfectly honest, the exhibition is also spurred by a need to manifest an institutional conflict. Are we a Modern Museum or a Contemporary Museum? The question, at least for those of us who make the museum, and therefore its collections, is crucial because the term ‘modern’—in itself highly fraught: modernity, modernism and its manifold historiographic variants-somehow forecloses the possibility of questioning as a structure and paves the way towards a grand archive that, as a repository, would be charged with making us understand a shared past. In the term ‘contemporary’, conversely, we are faced with the impossibility of this common past, replacing it with the certainty that we all arrive to the present with our own different baggage, making any shared ground highly unlikely, but, and this is critical, no matter whether we opt for one or the other we still have to ask ourselves which social order the museum serves and what space each person occupies in it.<\/p>\r\n\r\n

The thread running through this presentation of the collection are images from the archive of Francisco Lora (ca. 1925-2000) bequeathed to CFIT-TEA. More specifically, the images span from the late-seventies to the early-eighties, just before many of the grand plans for new infrastructure and the economic modernization brought about by the influx of European Funds. Lora documented the city of Santa Cruz, paying special attention to the neighbourhood of San Andrés, caught between the developmental processes of late-Francoism and the difficult early years of democracy. For the most part, the images are portraits of everyday life, both on the street and in domestic settings, in which many of us will readily recognize ourselves. But it is in these overlapping stories where the images question us more than any of the works that have entered the museum as part of the grand narrative of art and, nevertheless, they ask us the same questions: who were we then and who are we now.<\/p>","author":null,"start_date":"2022-03-12","end_date":"2023-03-26","room_id":1,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-03-05 09:03:06","updated_at":"2023-03-22 11:29:03","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/DSmw3o6C7LuM9btiisgi.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/museo-moderno-desandar-el-camino\/225","styleName":"Mixto","slug":"museo-moderno-desandar-el-camino","title":"Museo moderno, desandar el camino","image":"DSmw3o6C7LuM9btiisgi.jpg","date":"12 mar 2022 > 26 mar 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":230,"title_es":"Cabilla","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes acoge hasta el 12 de febrero de 2023 Cabilla<\/em>, un proyecto de Sol Calero. Con la participación de Ana Alenso, ArchivOlares, Rubén D'hers, tropical papers, Ernesto Paredano, Lucía Pizzani, Armando Rosales y Christian Vinck.<\/p>\r\n\r\n

La exposición parte de imágenes de la modernidad venezolana de los 60 y 70 del pasado siglo como paradigma de la modernidad en Latinoamérica fruto del auge de la explotación petrolífera y procesos intensivos en el campo agrícola. La llegada masiva de migrantes desde Canarias crea un trasvase económico, pero también de imágenes, que conforman utopías y distopías entre un territorio y el otro. Articulado en torno a una instalación de la canario-venezolana Sol Calero, se propone el rastreo de esa identidad co-construida y muchas veces rechazada por la “alta cultura”.<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2022-10-07","end_date":"2023-02-12","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-09-21 08:22:51","updated_at":"2022-12-15 11:52:40","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/BSj0c3GfQa2Q8kko5fbM.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/cabilla\/230","styleName":"Mixto","slug":"cabilla","title":"Cabilla","image":"BSj0c3GfQa2Q8kko5fbM.jpg","date":"07 oct 2022 > 12 feb 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":229,"title_es":"Concretos","subtitle_es":null,"description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes exhibe 'Concretos', una exposición curada por Gilberto González y Pablo León de la Barra. <\/p>\r\n\r\n

Con la participación de Talles Lopes, Rafa Munarriz, Pablo Accinelli, Andreas Valentín, Josep Vilageliu, Federico Assler, Nancy Holt, Guy Tillim, June Crespo, Jane & Louise Wilson, Alexander Apóstol, Marcelo Cidade, Pérez y Requena, Esther Gatón, Adrien Missika, Clara Ianni, Céline Condorelli, Federico Herrero, Andreas Angelidakis, Abraham Riverón y Cyprien Gaillard.<\/p>\r\n\r\n

Esta muestra estará abierta hasta el 8 de enero de 2023. Entrada libre.<\/p>\r\n\r\n

Esta exposición es una coproducción entre TEA y MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.<\/p>\r\n\r\n

Dentro del programa de TEA, la arquitectura como materialización de una imagen tiene un papel central. Al recurrir al cemento como elemento sobre el que sustentar relaciones entre obras, somos conscientes de la aparente insustancialidad discursiva. Sin embargo, al circunscribirla a un periodo concreto de la tardomodernidad se establecen una serie de conexiones vinculadas a los flujos de capital y los procesos políticos. Como material de una enorme ductilidad permitió una renovación plástica de la arquitectura a la vez que supuso una emancipación de los cánones estilísticos, por otro lado supone el acceso de capas de la población, especialmente en el ámbito urbano, a procesos de autoconstrucción con programas propios en relación a la capacidad transformadora del material.<\/p>\r\n\r\n

La irrupción del brutalismo y todas sus neo variantes sin embargo vienen a coincidir en Latinoamérica con el inicio del fin de los procesos democráticos que son antesala de los programas neoliberales. Paradójicamente en España vienen a suponer la plasmación procesos de apertura que sin embargo afianzan el programa de igual forma neoliberal. La exposición plantea una constelación de artistas que a través del concreto -cemento- analizan los procesos de quiebra social y reforzamiento del capital hasta desembocar en procesos neofeudalistas.<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2022-10-07","end_date":"2023-01-08","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-09-21 08:17:34","updated_at":"2022-10-10 13:05:24","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/odClwzWU2D0fqruLIZ4n.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/concretos\/229","styleName":"Mixto","slug":"concretos","title":"Concretos","image":"odClwzWU2D0fqruLIZ4n.jpg","date":"07 oct 2022 > 08 ene 2023","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":228,"title_es":"Colapso","subtitle_es":"Contener el residuo, habitar la ruina","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes muestra hasta el 18 de septiembre la exposición Colapso<\/em>. Contener el residuo, habitar la ruina<\/em>. Comisariada por Yosi Negrín y Paula Ramos Mollá. Entrada libre.<\/p>\r\n\r\n

Colapso<\/em> busca plantear una aproximación filosófica y artística al concepto de residuo, de aquello “que sobra”, a aquella materia fuera de lugar, que es concebida como desecho. Queremos experimentar el espacio expositivo como una acumulación de estratos residuales.<\/strong> Una exposición que amalgama desechos metafísicos, humanos, ecológicos y en la cual distintas capas estéticas se van superponiendo, no fijas en un instante, sino evolucionando con el paso del tiempo, haciendo que la experiencia de la misma sea siempre cambiante.<\/p>\r\n\r\n

Como parte de la exposición Young Boy Dancing Group (YBDG) presentó la pieza Young Boy Dancing Group 2022 <\/em>el 2 de julio, día que se inauguró esta muestra. Este colectivo de danza performática está dirigido por el artista suizo Manuel Scheiwiller en estrecha colaboración con Maria Metsalu, de Estonia, y Nicolás Roses, de Argentina. El grupo aborda, de manera crítica, los modos de producción de la danza, la cultura digital, la institucionalización y la autenticidad, haciendo constante referencia a la artista visual Elaine Sturtevant.<\/p>\r\n\r\n

El trabajo abarca videos, moda, esculturas y, en su esencia, presentaciones de danza en vivo que usualmente consisten en estructuradas improvisaciones influenciadas por un escenario postapocalíptico, así como por acrobacia, posthumanismo y métodos y estética DIY (Hazlo Tú Mismo). YBDG tiene una identidad queer por naturaleza, siguiendo pautas sexuales y corporales positivas con el fin de crear un espacio seguro donde la libertad de los intérpretes puede ser explorada al mismo tiempo que se desafían las normas del imaginario heteronormativo de nuestra sociedad. Young Boy Dancing Group 2022<\/em> es una performance que puede herir sensibilidades.<\/p>\r\n\r\n

Artistas: <\/strong>Amy Balkin, Lucía Bayón, Marcin Dudek, Berenice Olmedo, Céline Struger, Inés Miño, Mon Cano e Íñigo de Barrón, Bat-Ami Rivlin, Luis Lecea, Marina González Guerreiro, Cajsa von Zeipel, Maï Diallo y Lucía Dorta, Shanie Tomassini, Rafael Pérez Evans, Jack Almgren y Young Boy Dancing Group.<\/p>\r\n\r\n

Colabora: <\/strong>Por Asalto<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":null,"start_date":"2022-07-02","end_date":"2022-09-18","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-06-21 14:59:30","updated_at":"2022-07-11 12:57:33","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/TBnHoItyNW4R82horFcJ.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/colapso\/228","styleName":"Mixto","slug":"colapso","title":"Colapso","image":"TBnHoItyNW4R82horFcJ.jpg","date":"02 jul 2022 > 18 sep 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":227,"title_es":"Velar la forma","subtitle_es":"Jos\u00e9 Herrera","description_es":"

Velar la forma, <\/em>de José Herrera, es una muestra que recorre a través de una cuidada selección de obras su proceso de investigación a lo largo de los últimos 40 años incluyendo algunas de las obras de Museo Nacionales como Patio Herreriano y Reina Sofía. Esta  propuesta expositiva, comisariada por Gilberto González, puede visitarse de manera gratuita hasta el 11 de septiembre<\/p>\r\n\r\n

José Herrera (La Laguna 1956) formado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, a la que siguió vinculado como docente hasta su jubilación, encarna una de las trayectorias más coherentes y tenaces del panorama nacional. Se inscribe en la generación de los 80 del pasado siglo y entre quienes propiciaron la renovación de los lenguajes plásticos en las islas. Se establece en ese momento una serie de particularidades que vinculan a las islas, más a corrientes centroeuropeas y latinoamericanas, que a la formalización del resto del estado. En la obra de Herrera resulta complejo definir su trabajo en torno a categorías como escultura, pintura o dibujo.<\/p>\r\n\r\n

De múltiples formas persigue la expansión de la línea como elemento esencial del dibujo pero procurando alcanzar la tridimensionalidad tensando así el espacio en un extraño equilibrio entre la distorsión y la serenidad. Definido muchas veces como artista del silencio y simplicidad acaba por encerrar en su trabajo de manera paradójica una complejidad procesual que sin embargo acaba por quedar oculta a ojos del espectador. <\/p>\r\n\r\n

Velar la forma<\/strong><\/p>\r\n\r\n

Velar la Forma<\/em> recoge cuarenta años de la trayectoria de José Herrera comprendida entre 1982 y 2022. Esta exposición, sin embargo, no se ha planteado en términos cronológicos, ni pretende hacer entender al visitante una evolución estilística como mero devenir de un medio a otro. Fieles a la forma de percibir su propio trabajo, se ha procurado que quienes participen de ella lo hagan bajo la premisa de una experiencia espacial tal y como Herrera ha trabajado siempre. Así, obras de distintas procedencias y periodos coinciden por primera vez en estas salas con el fin de desvelarnos el tránsito coherente y riguroso de éste.<\/p>\r\n\r\n

La obra de Herrera siempre se ha vinculado a la idea de silencio y esto es cierto, tanto en su actitud vital, como en el modo en que hace manifiesta las formas. Sin embargo, no es menos cierto que resulta ser un silencio clamoroso pues al apelar a la idea de equilibrio reclama toda nuestra atención. Así, su trabajo, nos enfrenta a un estado de suspensión temporal que nos obliga al menos, por un instante, a abstraernos del ruido ambiental y mental.<\/p>\r\n\r\n

Es fundamental entender que igualmente en él, subyacen dos principios centrales. El primero, que lo ausente es igual de importante que lo presente y el segundo, la introspección como modo de sentir el hacer. Herrera dibuja el objeto en el espacio haciendo evidente el vacío. Alineado con el pensamiento oriental, entiende que la ausencia de materia ya es espacio y debe tenerse por ello presente. Asistimos así a la representación de un todo donde acabaremos por comprender el valor de lo atmosférico más allá de la propia obra. Por ello el modo de iluminar y la colocación son cuestiones que estudia de la misma forma minuciosa en la que asume la ejecución. Quien necesite más claves tiene en la arquitectura un buen recurso. Desde la contención Herrera asume que la construcción de un artificio requiere que se entienda como una extensión de nuestro cuerpo, ni más, ni menos, tal y como hace la buena arquitectura cuando dialoga con el medio. El objeto es en sí, una visión especular de nosotros mismos.<\/p>\r\n\r\n

Al interrogar a José Herrera sobre su obra no acaba nunca de definir si lo que vemos es escultura o pintura. Parece, eso sí, nacer de la pulsión del dibujante quien infatigable ensaya posibilidades. En el pliegue de las sábanas, en las capas de veladuras de óleo, en los materiales pobres como la escayola que requiere de capas y capas se nos presenta una fe inquebrantable en el trabajo que alimenta lo introspectivo al igual que los interiores profusamente dibujados que sólo él conoce.<\/p>\r\n\r\n

[Texto: Gilberto Gonzalez]<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":"Jos\u00e9 Herrera","start_date":"2022-06-10","end_date":"2022-09-11","room_id":2,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-06-02 12:20:39","updated_at":"2022-07-21 11:09:15","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/b24odNdSVWygxhbN1yN3.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/velar-la-forma\/227","styleName":"Mixto","slug":"velar-la-forma","title":"Velar la forma","image":"b24odNdSVWygxhbN1yN3.jpg","date":"10 jun 2022 > 11 sep 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}},{"id":226,"title_es":"Etel Adnan","subtitle_es":"Tras la l\u00ednea del horizonte","description_es":"

TEA Tenerife Espacio de las Artes expone hasta el 5 de junio Etel Adnan. Tras la línea del horizonte<\/em>, la primera exposición retrospectiva que se le dedica en España a la pintora, académica, poeta y escritora libanesa, Etel Adnan (Beirut, 1925-París, 2021). Esta retrospectiva, co-producida por TEA y el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A, aborda la amplia actividad creativa y experimentación formal de Adnan.<\/p>\r\n\r\n

Etel Adnan. Tras la línea del horizonte <\/em>puede visitarse de manera gratuita de martes a viernes, de 12:00 a 20:00 horas, y los sábados, domingos y festivos, de 10:00 a 20:00 horas. <\/p>\r\n\r\n

Etel Adnan. Tras la línea del horizonte<\/strong><\/em><\/p>\r\n\r\n

Pintora, académica, poeta y escritora, Etel Adnan ha desafiado cualquier intento de clasificación durante su trayectoria. Esta exposición muestra su faceta como artista y recoge una amplia selección de su obra desde los años 60, para centrarse en los trabajos de las últimas dos décadas. La exhibición recoge todas y cada una de sus áreas de interés artístico, e incluye por igual pinturas, dibujos, leporellos<\/em>, cerámicas y textiles. A cada uno de estos soportes Adnan se aproxima de manera singular y única, construyendo corpus<\/em> de obras que pueden leerse de manera autónoma entre sí. Su estilo ha evolucionado durante su recorrido desde posiciones cercanas a la abstracción geométrica más pura, y se ha ido acercando al paisaje a partir de los años 70, aunque sin abandonar su relación con la abstracción. Este carácter orgánico y luminoso es uno de los rasgos más reconocibles de sus óleos. Viaje a Mount Tamalpais<\/em> se considera como uno de sus libros emblemáticos por su relación con el territorio y el paisaje, y resume muchas de las ideas que ha practicado en su obra plástica. Es la idea del horizonte, precisamente la que da título a la muestra. La vida como un constante horizonte de nuevos lugares, mediatizado por el viaje y el exilio, ese más allá desde el que ha germinado y fusionado vida, arte y escritura.<\/p>\r\n\r\n

Etel Adnan ha vivido en un mundo en constante transformación geopolítica y nace tras el fin del Imperio Otomano. Se acerca al ámbito de la cultura a través de las letras y a finales de los años 40 estudia en la Universidad de la Sorbona (París). Tras una estancia en Harvard (Cambridge), se traslada a vivir a California, donde da clases durante dos décadas. En los años 70 regresa a Beirut, ciudad en la ocupa un lugar preeminente en la vida cultural, y donde comparte estudio con Simone Fattal. Abandona Beirut al ver peligrar su vida con el estallido de la guerra civil de Líbano y, tras un breve periodo en California, se traslada a vivir a París, donde residió hasta su fallecimiento en 2021.<\/p>\r\n\r\n

[Álvaro Rodríguez Fominaya. Comisario]<\/p>","title_en":null,"subtitle_en":null,"description_en":null,"author":"Etel Adnan","start_date":"2022-03-19","end_date":"2022-06-05","room_id":3,"permanent":null,"area60":0,"space_id":null,"style_id":5,"ticket_url":null,"oscar":0,"hidden_web":0,"created_at":"2022-03-14 11:51:44","updated_at":"2022-05-26 13:07:27","listImage":"https:\/\/teatenerife.es\/verImagen\/exhibitions\/j1g8MuRHcCxWw0yoX01S.jpg\/thumbs","url":"https:\/\/teatenerife.es\/exposicion\/etel-adnan\/226","styleName":"Mixto","slug":"etel-adnan","title":"Etel Adnan","image":"j1g8MuRHcCxWw0yoX01S.jpg","date":"19 mar 2022 > 05 jun 2022","style":{"id":5,"name_es":"Mixto","created_at":null,"updated_at":null}}]